美术A级复习资料

A级复习资料 通识部分 （一）鉴赏基础 1：美术的种类和功能   美术的种类应当包括绘画、雕塑、工艺美术和建筑艺术。   从美术的社会功能来分，这几大类可以归并为纯艺术和实用艺术两大类。绘画和雕塑一般属于纯艺术范围，因为它们主要是满足人类观赏或者说是审美的需要。工艺美术、建筑属于实用艺术的范围，因为它们首先是满足人类某些方面实用的需要。绘画是运用点、线、空间、色彩等艺术语言，在二度空间（即平面）上创造形象，反映生活和表达情感的艺术。 2：了解美术作品中形式构成的基本要素及形式美的基本规律   美术作品中形式构成的基本要素：   　每一幅美术作品，因为画家对生活的理解和自己主观意识的不同，他采用的绘画语言和所表现的美的形式也不同，包括：:点、线、面、体积、构图、造型、色彩、明暗、构图、肌理、对称、均衡、节奏、韵律、变化、统一等构成要素。 形式美的基本规律： 多样与统一是形式美的基本规律，是 各种艺术门类共同遵循的形式法则。所谓 “多 样”是整体中所包含的各个部分在形 式上的区别与差异性；所谓“统一”则是 指各个部分在形式上的某些共同特征以及 它们之间的某种关联、呼应和衬托的关 系。 只有多样变化，没有整齐统一，就会显得 纷繁散乱；如果只有整齐统一，没有多样 变化，就会显得呆板、单调。多样统一包 括两种基本类型，一种是各 种对立因素之 间的统一，另一种是多种非对立因素互相 联系的统一。无论是对立还是调和，都要 有变化，在变化中见出多样统一的美. 3．了解美术图象的类别及其特征。 三大类别:具象美术、意象美术、抽象美术。 具象——具体而精确的再现，逼真、写实。  意象——直觉想象、幻觉等构成表象、理性、怪诞。 抽象——对自然对象省略、舍弃、视觉刺激、趋向音乐性。 4．了解美术鉴赏的基本方法 美术鉴赏是对美术作品的内容及其造型、色彩、材质和由这些因素所构成的美感的解释、想象、体验、 评价 LEC评价法下载LEC评价法下载评价量规免费下载学院评价表文档下载学院评价表文档下载 和判断。是人们观赏艺术作品时特有的一种精神活动，实际上也是一种具有特殊性的认识活动。 鉴赏活动有一个基本的方法：１、表现了什么？（内容）　 ２、怎样表现的？（形式）           　３、为什么这样表现？（立意） （二）鉴赏内容     中国部分： 1、 仰韶文化彩陶   仰韶文化距今大约7000年左右，是我国新石器时代彩陶最丰盛繁华的时期。它位于黄河中游地区，以黄土高原为中心，遍及河南、山西、陕西、甘肃、河北、宁夏等地。   仰韶文化的制陶工艺相当成熟，器物规整精美，多为细泥红陶和夹砂红陶，灰陶与黑陶较为少见。其装饰以彩绘为主，于器物上绘精美彩色花纹，反映当时人们生活的部分内容及艺术创作的聪明才智。另外还有磨光、拍印、等装饰手法。造型的种类有杯、钵、碗、盆、罐、瓮、盂、瓶、甑、釜、灶、鼎、器盖和器座等，最为突出的是双耳尖底瓶，线条流畅、匀称，极具艺术美感。   由于时间跨度与分布地域的不同，仰韶文化必须分类加以区别，主要有半坡类型和庙底沟类型。 仰韶文化彩陶代表作品   新石器时代（仰韶文化）， 高54厘米， 口径6.5厘米， 1972年陕西临潼县姜塞出土，中国历史博物馆藏。 此瓶为细砂红陶，是当时的汲水工具，小口，尖底，深腹，腹侧有两耳，可系绳。当瓶空时，重心靠上；汲水时，瓶倒置水中，水便注入瓶内，使重心下移，瓶自动竖起，使用方便。这是仰韶文化遗存中特有的产品，距今约6000年，设计美观，实用性很强，体现了当时仰韶人的智慧。   仰韶文化彩陶，高21.6厘米，口径2.1厘米，1958年陕西宝鸡北首岭出土，中国历史博物馆藏。泥质红陶，遍体磨光。器形尤如葫芦，小口，细颈，阔肩，扁腹，肩腹间有脊棱，腹下部收，小平底。瓶身以黑彩绘水鸟衔鱼纹。造型秀美，构图简单生动。（来源：中国科普博览） ２、青铜工艺　 中国被公认为世界文化发达最早的文明古国之一。我们的祖先为祖国留下了极其丰富的文化遗产，其中青铜文化是我国古代文化遗产中的重要组成部分。 商代是高度发达的青铜时代。这时已有了相当发达的农业、手工业和文字，考古工作者曾先后在河南安阳殷墟遗址、郑州商城遗址、湖北盘龙城遗址，发现了这时期的铸铜作坊，说明商代青铜制作业已具有相当规模。这时期青铜器的实用范围也很广，无论是生产工具，还是武器、生活用具都已应有尽有。此时，青铜器种类增多，制作精巧，造型准确，器身上还出现了粗疏的动物纹或几何纹，常见的有饕餮（tao tie）纹、夔、龙、虎、人形纹等。商代后期，青铜器制作水平达到了高峰，表现为器类繁多，造型庄重，花纹繁缛细密，纹饰中又出现了鸟纹、蝉纹、蚕纹等新的花纹。商朝后期，青铜铸造业不仅规模大，而且质量高。大量的青铜容器上，常常铸出三重花纹，衬地用云雷纹，上面凸起兽面纹，主纹之上又加几何纹等。器内有时还铸出字数不等的铭文，颇具时代特征。 西周时期是我国奴隶制的鼎盛时期，西周的青铜铸造技术又有新的发展。这时期青铜器的突出特点是，器物上的铭文长，有的多达三、四百字。铭文字体优美奔放，铭文内容丰富，既有祭祀祖先，又有征伐、纪功、册命和赏赐等记载。它生动具体地补充了西周文献记载之不足，为研究西周历史提供了重要的原始资料。 西周及春秋时代青铜器的新变化，首先是器形类别减少，爵、觚、斝、卣、盉等酒器，鬲、方鼎等烹煮器，都已消失不见，这一时代最常见的鼎和壶都出现了新的样式。鼎之形制较大者（如厉王时的大克鼎），敛口，侈腹，鼎腹的侧影扁而方，鼎足上半作兽面装饰。鼎之形制较小者（如共王时的颂鼎），鼎腹侧影轮廓接近半圆形，鼎足上下粗，中间稍细，似动物之足。整个器形轮廓呈连续的柔和曲线。 我国现存最大的青铜器，是商代的司母戊鼎。司母戊鼎结构复杂，是用合范法铸成的，即耳、身、足分别铸成后，再合铸成一个整体。鼎四周有盘龙纹和饕餮纹，腹内刻有“司母戊”三字。大鼎带耳高133厘米，长110厘米，宽78厘米，重达875公斤。根据考古专家分析，这种大鼎需要二、三百人用七、八十斤重的将军盔，协同合作才能制成。这种大规模的生产和复杂的工艺过程，说明我国青铜冶铸业早在商代就已达到了相当高的水平。 商代的青铜铸造不仅规模大，而且质量高。著名的商代四羊方尊，便是这高超铸造技术的物证。四羊方尊高58．3厘米，重34．5公斤，是现存商器中最大的方尊。尊的颈部铸有蕉叶，蕉叶上的花纹叫夔形纹。蕉叶的底部饰有兽面纹，肩部有四条龙蟠缠在四周，尊的腹部分别铸有四只大卷角羊，突出尊外。羊的背部及胸部饰有鱼鳞花纹。两只前腿和尊的底部铸在一起，上面也铸满夔形花纹。方尊的边角及每一面中间合范的地方，都铸有棱脊，其作用是以此来遮蔽合范时可能产生对合不正的纹饰，从而增强了造型的气势，使方尊的形象在宁静中有威严感。全器上下以细雷纹为地，线条光洁刚劲。羊角是事先铸成后配置在羊头的陶范内，再合范浇铸的。如果没有高超的合范技术，就很难达到整个器物浑然一体的效果。 一九二三年出土于河南新郑的立鹤方秋大变革时期的时代风貌。壶，壶身遍布蟠曲龙纹，两旁有镂空的龙形双耳，壶下伏有双兽，壶口有双层莲瓣中央立一鹤，展翅欲飞工艺非常精湛，反映了春秋大变革时期的时代风貌。 春秋中期（公元前６７６－前５７２年），通高１２５．７、宽５４厘米。故宫博物馆藏。国家馆藏一级文物。 ３、《击鼓说唱俑》 　 《击鼓说唱俑》，灰陶制，高55厘米，制作于东汉时期，出土于四川成都天回山崖墓，现收藏于中国历史博物馆。   俑在汉代雕塑中有着十分重要的地位，题材广泛，内容丰富，从车马出行到侍卫家奴，从庖厨宴饮到歌舞百戏，几乎无所不包，反映了汉代五彩斑斓的社会生活。虽然这些俑比起秦代的同类作品尺寸相对较小，但表现出强烈的写实主义风采，具有很高的艺术价值。   四川地区的汉俑独具特色，内容更为丰富，在出土的许多俑雕像中，最著名的就是这件《击鼓说唱俑》。说唱俑席地而坐，头部硕大，裹着头巾，前额布满皱纹，赤膊跣足，左臂环抱一个圆鼓，右手高扬鼓锤。这个说唱俑的表演仿佛已经进入了高潮，他得意忘形，神情激动，表情夸张，竟不自觉地手舞足蹈起来……这是多么令人激动的场面！虽然人们并不了解他说唱的具体内容，但一看到这位热情、乐观、充满生命活力和幽默感的艺人，都会发出会心的微笑，甚至可以想象到在这个说唱俑的面前，正有一群兴致勃勃的听众在倾听着他出色的表演！可见，汉代的雕塑家们是多么富有创造力和想象力。他们并非简单地模仿生活中的场景，而是采用了极其大胆夸张的手法，着重表现说唱者那种特殊的神气。作者采用虚拟方式，通过欣赏者的联想作用，创造出一个隐含的充满戏剧性的精彩场面。这种虚拟中的戏剧性场面，本身也体现出汉代艺术所特有的生动活泼的气势。 这件作品同时也是研究汉代民俗和陶塑艺术的珍贵史料。  ４、秦始皇陵兵马俑    1987年12月，秦始皇陵及兵马俑被列入《世界遗产名录》。          秦始皇陵位于陕西省西安市以东35公里的临潼区境内，是中国历史上第一个皇帝陵园，于公元前246年至公元前208年营建。其巨大的规模、丰富的陪葬物居中国历代帝王陵之首，是最大的皇帝陵。          秦始皇陵陵区分陵园区和从葬区两部分。陵园占地近8平方公里,建外、内城两重,封土呈四方锥形。秦始皇陵封土原高约115米，陵基近似方形，状如覆斗。顶部平坦，腰略呈阶梯形。现存高76米，东西长345米，南北宽350米，占地120,750平方米的陵墓及大量地面建筑遗迹和陪葬物。          陵墓地宫中心是安放秦始皇棺椁的地方，陵墓四周有陪葬坑和墓葬400多个，范围广及56.25平方公里。主要陪葬铜车、马坑、珍禽异兽坑、马厩坑以及兵马俑坑等，历年来已有5万多件重要历史文物出土。1980年发掘出土的一组两乘大型的彩绘铜车马——高车和安车，是迄今中国发现的体形最大、装饰最华丽，结构和系驾最逼真、最完整的古代铜车马，被誉为“青铜之冠”。          1974年以来，在陵园东1.5公里处发现从葬兵马俑坑三处，成品字形排列，面积共达2万平方米以上，出土陶俑8000件、战车百乘以及数万件实物兵器等文物，引起全世界的震惊和关注，这些按当时军阵编组的陶俑、陶马为秦代军事编制、作战方式、骑步卒装备的研究提供了形象的实物资料。兵马俑的发现被誉为“世界第八大奇迹”，“二十世纪考古史上的伟大发现之一”。 ５、龙门石窟（奉先寺） 龙门石窟始开凿于北魏孝文帝迁都洛阳(公元494年)前后，迄今已有1500多年的历史。后来，历经东西魏、北齐、北周，到隋唐至宋等朝代又连续大规模营造达400余年之久。密布于伊水东西两山的峭壁上，南北长1000多米，现存石窟1300多个，佛洞、佛龛2345个，佛塔50多座，佛像10万多尊。其中最大的佛像高达17.14米，最小的仅有2厘米。另有历代造像题记和碑刻3600多品，这些都体现出了我国古代劳动人民很高的艺术造诣。其中以宾阳中洞、奉先寺和古阳洞最具有代表性。龙门石窟是北魏、唐代皇家贵族发愿造像最集中的地方。皇室贵族拥有雄厚的人力、物力条件，他们所主持开凿的石窟必然规模庞大，富丽堂皇，汇集当时石窟艺术的精华，因而龙门石窟是十分具有代表性的。这些洞窟的开凿是皇家意志和行为的体现，具有浓厚的国家宗教色彩，所以龙门石窟的兴衰，不仅反映了中国5至10世纪皇室崇佛信教的盛衰变化，同时从某些侧面也反映出中国历史上一些政治风云的动向和社会经济态势的发展，它的意义是其它石窟所无法比拟的。      奉先寺，原名大卢舍那像窟，位于洛阳市龙门石窟西山南部，是龙门石窟中规模最大、艺术精美、最具有代表性的大龛。奉先寺南北宽约34米，东西深约36米，置于9米宽的三道台阶之上，龛雕一佛、二弟子、二胁侍菩萨、二天王及力士等十一尊大像。   主佛卢舍那高17.14米，是龙门石窟中最大的佛像，头高4米，耳长1.90米，位居佛龛中央，身披袈娑，面容丰满，嘴角微翘，略含笑意，眼帘低垂，宁静的目光蕴涵着无穷智慧，其端庄大度、淳厚安详的仪态令人肃然起敬。两旁侍立的弟子迦叶严谨老成、阿难虔诚顺服、菩萨端丽矜持、天王蹙眉怒目、力士威武雄健，显示了盛唐雕塑艺术的高度成就，成为石雕艺术史上的奇观。据后补有关造像碑记载：“皇后武氏”为雕造此大像龛曾“助脂粉钱二万贯”。   奉先寺是龙门石窟中规模最大、最具有代表性的露天佛龛,形态各异、刻画传神的造像显示了盛唐雕塑艺术的高度成就，成为石雕艺术史上的奇观。 ６、敦煌彩塑与莫高窟壁画 敦煌彩塑是敦煌石窟的主体。因敦煌石窟是开凿在砾岩上，因此多为木架结构。在人工制作成的木架上束以苇草，草外敷粗泥，再敷细泥，压紧抹光，再施白粉，最后彩绘。始自十六国，历经北魏、西魏、北周、隋、唐、五代、宋、回鹘、西夏、元直到清代，目前尚存彩塑3000多身，其中圆雕2000多身，浮塑1000余身。其保存古代彩塑之多，历时之长，技艺之精，为世界所罕见。敦煌彩塑艺术风格的发展、演变可分三个时期。(一)发展期，包括十六国、北魏、西魏、北周四个时代，历时180年。早期洞窟形制有三：1．禅窟，塑像在正龛；2．方形或长方形殿堂窟，塑像置于正龛或南北壁列龛内；3中心柱窟，塑像置于长方形柱四面之龛内。（二）极盛期，包括隋唐两个时代，历时300多年。洞窟多为方形殿堂式，一般都在正面大龛里列置以佛为中心的群像。（三）衰落期，包括五代、宋、西夏、回鹘、元几个时代，历时460余年。继承晚唐时代殿堂中心佛坛窟形制，塑像置于中心佛坛上。 敦煌彩塑最突出的艺术特点是整窟塑像和壁画互相结合，互为一体，互相陪衬，互相补充。佛龛、佛坛上的彩塑与四壁的绘画辉映呼应，相得益彰，既达到了整窟艺术的统一和谐，又衬托出塑像在窟中的主体地位。另一特点是丰富多彩，姿态各异。所塑神像在洞中重复出现，容易千人一面。但古代雕塑家凭着丰富的想象力将同一神像塑造出形神风貌、性格特征各不相同的千姿百态的彩像，富有强烈的艺术感染力和欣赏价值。 敦煌石窟包括敦煌莫高窟、西千佛洞、安西榆林窟共有石窟552个，有历代壁画五万多平方米，是我国也是世界壁画最多的石窟群，内容非常丰富。 敦煌壁画是敦煌艺术的主要组成部分，规模巨大，内容丰富，技艺精湛。五万多平方米的壁画大体可分为下列几类：      一、佛像画。作为宗教艺术来说，它是壁画的主要部分，其中包括各种佛像------三世佛、七世佛、释迦、多宝佛、贤劫千佛等；各种菩萨------文殊、普贤、观音、势至等； 天龙八部------天王、龙王、夜叉、飞天、阿修罗、迦楼罗(金翅鸟王)、紧那罗(乐天)、大蟒神等等。 这些佛像大都画在说法图中。仅莫高窟壁画中的说法图就有933幅，各种神态各异的佛像12208身。      二、经变画 利用绘画、文学等艺术形式，通俗易懂地表现深奥的佛教经典称之为“经变“。用绘画的手法表现经典内容者叫“变相“，即经变画；用文字、讲唱手法表现者叫“变文“。      三、民族传统神话题材。在北魏晚期的洞窟里，出现了具有道家思想的神话题材。西魏249窟顶部，除中心画莲花藻井外，东西两面画阿修罗与摩尼珠，南北两面画东王公、西王母驾龙车、凤车出行。车上重盖高悬，车后旌旗飘扬，前有持节扬幡的方士开路，后有人首龙身的开明神兽随行。朱雀、玄武、青龙、白虎分布各壁。飞廉振翅而风动，雷公挥臂转连鼓，霹电以铁钻砸石闪光，雨师喷雾而致雨。      四、供养人画像 供养人，就是信仰佛教出资建造石窟的人。他们为了表示虔诚信佛，留名后世，在开窟造像时，在窟内画上自己和家族、亲眷和奴婢等人的肖像，这些肖像，称之为供养人画像。      五、装饰图案画 丰富多彩的装饰图案画主要是用于石窟建筑装饰，也有桌围、冠服和器物装饰等。装饰花纹随时代而异，千变万化，具有高超的绘画技巧和丰富的想象力。图案画主要有藻井图案、椽间图案、边饰图案等。      六、故事画 为了广泛吸引群众，大力宣传佛经佛法，必须把抽象、深奥的佛教经典史迹用通俗的简洁的、形象的形式灌输给群众，感召他们，使之笃信朝拜。于是，在洞窟内绘制了大量的故事画，让群众在看的过程中，受到潜移默化的教育。故事画内容丰富，情节动人，生活气息浓郁，具有诱人的魅力。      七、山水画 敦煌壁画中的山水画遍布石窟，内容丰富，形式多种多样。大多与经变画、故事画融为一体，起陪衬作用。有的是按照佛典中的山水，参照现实景物加上高超的想象力，描绘出“极乐世界”青山绿水、鸟语花香的美丽自然风光；有的是以山水为主体的独立画幅，如第61窟的，“五台山图”。        壁画内容除以上七类外，还有建筑画、器物画、花鸟画、动物画等。敦煌壁画的艺术价值弥足珍贵，在结构布局、人物造型、线描勾勒、赋彩设色等方面系统地反映了各个时期的艺术风格及其传承演变、中西艺术交流融汇的历史面貌。      上述七类壁画，除装饰图案而外，一般有情节的壁画，特别是经变画和故事画，都反映了大量的现实社会生活，如：统治阶级的出行、宴会、审讯、游猎、剃度、礼佛等；劳动人民的农耕、狩猎、捕鱼、制陶、冶铁、屠宰、炊事、营建、行乞等；还有嫁娶、上学、练武、歌舞百戏、商旅往来、少数民族、外国使者等等各种社会活动。因此，敦煌石窟，不仅是艺术，也是历史。      敦煌壁画的内容丰富多彩，它和另的宗教艺术一样，是描写神的形象、神的活动、神与神的关系、神与人的关系以寄托人们善良的愿望，安抚人们心灵的艺术。因此，壁画的风格，具有与世俗绘画不同的特征。但是，任何艺术都源于现实生活，任何艺术都有它的民族传统；因而它们的形式多出于共同的艺术语言和表现技巧，具有共同的民族风格，也间接表现了当时的人们精神面貌和现实生活。 7. 《韩熙载夜宴图》 唐代（公元618——公元907年）是中国艺术创作的高峰时期，人物画有明显的生活化倾向。五代（公元907——公元960年）时期绘画更加发展，题材上注重反映现实生活，技法上讲究写实，许多人物画带有肖像写真性质，刻划细致。南唐时期画院的画家顾闳中、周文矩、王齐翰、卫贤等人，非常擅长画写实人物画，很有名气。收藏在中国北京故宫博物院的工笔重彩画《韩熙载夜宴图》，色彩绚丽，线条流畅，是五代时期人物画的杰出代表作。 韩熙载，字叔言，北海（今山东潍坊）人。年轻时考中学校，后来逃到南方躲避战乱。由于当时南方战争少，有比较优越的自然和生产条件，很多官僚家中有歌伎（或称家姬、乐伎）。韩熙载很有政治才能，艺术上也很有成就，他懂音乐，能歌善舞，擅长诗文书画。他因为看透贵族官僚的争权夺利，不愿出任宰相，所以把很多精力放在歌舞夜宴中。南唐皇帝听说韩熙载生活特殊，专门派画院画家顾闳中深夜潜入韩家，了解情况，回来后创作成夜宴图。 这副作品横长333.5厘米，宽28.7厘米，手卷形式表现五个场景——琵琶演出、舞蹈、休息、音乐合奏、夜宴结束。在场景间，画家非常巧妙地运用屏风、管弦乐器等器物，使它们既有相互连接性，又有分离感；既独立成画，又是单独画面。各段主人公都是韩熙载，画家将他的心理活动细致地刻画出来，表现了主人公作为官方人物不受皇帝信任，不得不借酒宴来摆脱烦恼的心态。 《韩熙载夜宴图》不仅仅是一幅描写私人生活的图画，更重要的是它反映出了那个特定时代的风貌。由于顾闳中观察细微，不放过任何一个细节，把韩熙载生活的情景描绘得淋漓尽致，人物的音容笑貌栩栩如生。在这幅巨作中，四十多个神态各异的人物，重复出现，性格突出，神情描绘自然。《韩熙载夜宴图》从一个侧面，生动地反映了当时统治阶级的生活场面。画家用惊人的观察力，和对主人公命运与思想矛盾的深刻理解，创作出的这幅精彩作品值得我们永久回味。 《韩熙载夜宴图》是一幅由听琴、观舞、休闲、赏乐和调笑等五个既可独立成章，却又相互关联的片断所组成的画卷，无论是造型、用笔、设色方面，都显示了画家的深厚功力和高超的绘画技艺。 8. 《步辇图》 阎立本（601～673年），唐代雍州万年人，隋代画家阎毗之子，阎立德之弟。唐太宗时任刑部侍郎，显庆初年，代兄做工部尚书，总章元年为右丞相。擅长书画，最精形似，作画所取题材相当广泛，如宗教人物、车马、山水，尤其善画人物肖像。《步辇图》是以贞观十五年（641年）吐蕃首领松赞干布与文成公主联姻的历史事件为题材，描绘唐太宗接见来迎娶文成公主的吐蕃使臣禄东赞的情景。 图卷右半是在宫女簇拥下坐在步辇中的唐太宗，左侧三人前为典礼官，中为禄东赞，后为通译者。在唐太宗的形象是全图焦点。作者煞费苦心地加以生动细致的刻画，画中的唐太宗面目俊朗， 目光深邃，神情庄重，充分展露出盛唐一代明君的风范与威仪。作者为了更好地突现出太宗的至尊风度，巧妙地运用对比手法进行衬托表现。一是以宫女们的娇小、稚嫩，以她们或执扇或抬辇、或侧或正、或趋或行的体态来映衬唐太宗的壮硕、深沉与凝定，是为反衬；二是以禄东赞的诚挚谦恭、持重有礼来衬托唐大宗的端肃平和、蔼然可亲之态，是为正衬。该图不设背景，结构上自右向左，由紧密而渐趋疏朗、重点突出，节奏鲜明。   从绘画艺术角度看，作者的表现技巧已相当纯熟。衣纹器物的勾勒墨线圆转流畅中时带坚韧，畅而不滑，顿而不滞；主要人物的神情举止栩栩如生，写照之间更能曲传神韵；图像局部配以晕染，如人物所著靴筒的折皱等处，显得极具立体感；全卷设色浓重淳净，大面积红绿色块交错安排，富于韵律感和鲜明的视觉效果。此图一说为宋摹本，但摹绘较精，仍不失原作之真。幅上有宋初章友直小篆书有关故事，还录有唐李道志、李德裕“重装背”时题记两行。 从构图的角度来讲，这幅画很明显将所有人物分成两组：以画卷中轴线为界，左边三个男士依次排开，井然有序，没有任何装饰，在规矩中略显拘谨；右边以唐太宗为中心的人物群，左右簇拥的仕女形象，以及装饰物“两把屏风扇”、“一展旌旗”、“步辇”等等，把人物的布局按照其功能自然分工成不同的角色，而且仕女衣带飘飘和晁盖的迎风招展都有意刻画一种充满了柔情、安详、和善的情调。左右这种对比，尤其是译官谨小慎微、诚惶诚恐和仕女们神情自若、仪态万方的表情形成鲜明的对比。一张一弛、一柔一刚，让人的视觉得到了充分地享受。就像我们弹琴时的左手伴奏，稳健而低沉；右手高音区炫音技巧的展示，华丽而不俗脱；一唱一和，和谐有序。 从色彩上讲，这幅图的场景是一个喜庆的场面。根据我国的传统习俗，喜庆的场面通常由红色装点基调。这幅图作者为了突出这一特点，特地将典礼官——位于画面正中间的轴心人物画成红色。这样做的目的既可以一上来夺人眼目地突出红色，又不会太突兀得难于接受。因为按照习俗，禄东赞来自西域，服饰多以网状彩绘织成，很少有一整块同样颜色的衣服。再者，由于红色代表正气，代表恢宏的气势，理应当由中原大唐朝独享，而非喧宾夺主地给吐蕃穿戴上。其次，唐太宗也不合适着红装，一者皇上为至尊天子，然而能够与尊贵相配的颜色只有黄色；二者红色由皇上穿戴，不免显得皇帝过于轻浮，不够稳健睿智。如果我们在考虑仅由于年代久远，风蚀和破坏，原本皇帝身着的镀金装束成了现在的土黄色，那么我们就不难理解作者在颜色安排上的独到之处。 ９. 《清明上河图》 中国北宋绘画作品。作者张择端。《清明上河图》纵24.8厘米、横528.7厘米，绢本，墨笔稍着色，无款，据卷后金代张著题跋，知为张择端所作，现藏故宫博物院。作品描绘了中国农历清明时北宋都城汴梁及汴河两岸的繁荣景象，有毛驴的驮队，轿乘的行列，长途跋涉的行旅；汴河上巨大漕船，或泊岸卸货，或往来于河中，河上横跨虹桥，桥上行人拥挤，河中漕船放桅过桥，情节紧张；市区城楼高耸，街巷纵横，店铺鳞次栉比，行人摩肩接踵，络绎不绝，于茶坊、酒肆、脚店、肉铺、寺观、公廨等处各行其事，画中各种行业，各阶层人物应有尽有，堪称一幅描绘北宋城市社会经济生活的风俗画卷。作品手法写实，描绘工细，房屋、舟船、桥梁等均合比例，准确真实。作者以长卷形式，用“散点透视”将繁杂纷乱的城市景象，统摄于一卷之中，使其长而不冗，繁而不乱，反映了作者具有极高的艺术水平。 １０．《溪山行旅图》 溪山行旅图 北宋 范宽 绢本墨笔 纵206.3厘米，横103.3厘米   台北故宫博物院 米芾对范宽 的绘画风格曾作过这样的描述：“范宽山水丛丛如恒岱，远山多正面，折落有势。山顶好作密林，水际作突兀大石，溪山深虚，水若有声。物象之幽雅，品固在李成上，本朝自无人出其右。晚年用墨太多，势虽雄伟，然深暗如暮夜晦暝，土石不分。”我们把这段话用来与本图勘校，就会感到很是妥贴。所以历来鉴藏家和美术史家们均坚信此图为范宽真迹。近年对画幅树下草业间“范宽”二字款 的发现更证实了这点。 此画单从构图方面说，应属于平易之境，但它却产生了非凡的力量。究其原因一是造型的峻巍，其次是笔墨的酣畅厚重。此图经清内府收藏，《石渠实笈初编》著录.   范宽以雄健、冷峻的笔力勾勒出山的轮廓和石纹的脉络，浓厚的墨色描绘出秦陇山川峻拔雄阔、壮丽浩莽的气概。这幅竖长的大幅作品，不仅层次丰富，墨色凝重、浑厚，而且极富美感，整个画面气势逼人，使人犹如身临其境一般。扑面而来的悬崖峭壁占了整个画面的三分之二。这就是高山仰望，人在其中抬头仰看，山就在头上。在如此雄伟壮阔的大自然面前，人显得如此渺小。  山底下，是一条小路，一队商旅缓缓走进了人们的视野——给人一种动态的音乐感觉。马队铃声渐渐进入了画面，山涧还有那潺潺溪水应和。动中有静，静中有动。这就是诗情画意！诗意在一动一静中慢慢显示出来，仿佛听得见马队的声音从山麓那边慢慢传来，然后从眼前走过。       《溪山行旅图》，好就好在静止的画面有一种动感，一幅空间艺术的绘画却有一种时间艺术的感觉。面对这幅一千多年前古人的绘画，体味着画中令人心醉的意境，怎能不令人发出由衷的赞叹。 　    打开《溪山行旅图》，一座大山矗立眼前，和山水一起映入人们眼帘的，还有不少收藏者的题款，而这些题款，就成了揭开名画流传千年的唯一线索。       这枚“御书之宝”方玺的印文和印色，具有明显的宋代特点。可见，这幅名画曾经被收藏于北宋的皇宫。随着金兵南下，北宋灭亡，皇宫里的大量珍宝绘画开始流散于民间，其中也包括范宽的《溪山行旅图》。       宋元两代，大师级的画家都以范宽的绘画为典范。南宋初期的李唐，稍后的一些的马远、夏圭元代的倪云林、王蒙，都对范宽的画风大加赞赏。       几乎所有著名的画家，说到范宽山水画神异的表现力时，都一致认为“范宽之画，远望不离座外”，范宽的画，远远看去，给人一种身临其境的感觉。       元代著名书画家赵孟頫认为范宽“画山，皆写秦陇峻拔之势。大图阔幅，山势逼人，真古今绝笔也”。       继续看画，就会发现第二枚御用方印，这枚  “御书之宝”的印鉴，是乾隆皇帝专门用于收藏的印鉴。   １１．《千里江山图》 中国北宋绘画作品。作者王希孟。王希孟，生卒年不详，约活动于宋徽宗宣和年间  ，擅山水  ，青年时代即显露才华，18岁时成为北宋画院学生，在绘画上曾得到宋徽宗赵佶的指点，约在20余岁时去世，《千里江山图》是其唯一传世作品。    《千里江山图》纵51.5厘米，横1191.5厘米，绢本，青绿设色，无款，据卷后蔡京题跋知系王希孟所作，现藏故宫博物院。作品以长卷形式，描绘了连绵的群山冈峦和浩淼的江河湖水，于山岭、坡岸、水际中布置、点缀亭台楼阁、茅居村舍，水磨长桥及捕鱼、驶船、行旅、飞鸟等，描绘精细，意态生动。景物繁多，气象万千，构图于疏密之中讲求变化，气势连贯，以披麻与斧劈皴相合，表现山石的肌理脉络和明暗变化；设色匀净清丽，于青绿中间以赭色，富有变化和装饰性。作品意境雄浑壮阔，气势恢宏，充分表现了自然山水的秀丽壮美。 １２．《墨葡萄图》 此图纯以水墨写葡萄，构图奇特，信笔挥洒，随意涂抹点染，任乎性情。画藤条纷披错落，向下低垂。以饱含水分的泼墨写意法，点画葡萄枝叶，水墨酣畅。葡萄珠的晶莹透彻之感，显得淋漓酣畅。可看作是文入画中趋于放泼的一种典型。作画状物不拘形似，仅略得其意，重在寄兴遣怀。此图将水墨葡萄与作者的身世感慨结合为一。徐渭在画上自题诗曰： “半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风。笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中。”从中可得知此图作于五十岁以后，一种饱经患、抱负难酬的无可奈何的愤恨与抗争，尽情抒泄于笔墨之中。在徐渭笔下，绘画不再是对客观对象的描摹再现，而是表现主观情怀的手段。他又善于以草书之法入画，此幅用笔，似草书之飞动。淋漓恣纵，诗画与书法在图中得到自如充分的结合。其画面上所呈现的那种乱头粗服的美，较之元代画家的逸笔草草，更具有一种野拙的生机力感。正如他自己所说： “信手拈来自有神”， “不求形似求生韵”。此图署款： “天池”，“湘管斋”朱文印。 自宋元以来，写意花鸟画就有一定的发展，但真正能够发挥中国画笔墨纸张特殊效果而创立了水墨大写意画法的，应该归功于徐渭。 １３．《兰亭序》 王羲之（303-361），东晋书法家，字逸少。原籍琅琊人(今属山东临沂)，居会稽山阴（浙江绍兴）。官至右军将军，会稽内史，人称“王右军”。出身于两晋的名门望族。王羲之十二岁时经父亲传授笔法论，“语以大纲，即有所悟”。他小时 候就从当时著名的女书法家卫夫人学习书法。以后他渡江北游名山，博采众长，草书师法张芝，正书得力于钟繇。观摩学习“兼撮众法，备成一家”，达到了“贵越群品，古今莫二”的高度。 兰亭序，又名《兰亭宴集序》、《兰亭集序》、《临河序》、《禊序》、《禊贴》。为三大行书书法帖之一，系中华十大传世名帖之一。东晋穆帝永和九年（公元353年）三月三日，王羲之与谢安、孙绰等四十一人，在山阴（今浙江绍兴）兰亭“修禊”，会上各人做诗，王羲之为他们的诗写的序文手稿。序中记叙兰亭周围山水之美和聚会的欢乐之情，抒发作者好景不长，生死无常的感慨。法帖相传之本，共二十八行，三百二十四字，章法、结构、笔法都很完美，是他三十三岁时的得意之作。后人评道“右军字体，古法一变。其雄秀之气，出于天然，故古今以为师法”。因此，历代书家都推《兰亭》为“天下第一行书”。存世唐摹墨迹以“神龙本”为最著，唐太宗时冯承素号金印，故称为《兰亭神龙本》，此本摹写精细，笔法、墨气、行款、神韵，都得以体现，公认为是最好的摹本；石刻首推“定武本”。经郭沫若考证，以为相传的《兰亭序》后半文字，兴感无端，与王羲之思想无相同之处，书体亦和近年出土的东晋王氏墓志不类，疑为隋唐人所伪托。但也有不同意其说者。《兰亭序》表现了王羲之书法艺术的最高境界。作者的气度、凤神、襟怀、情愫，在这件作品中得到了充分表现。古人称王羲之的行草如“清风出袖，明月入怀”，堪称绝妙的比喻。    １４．《祭侄文稿》 《祭侄文稿》行草墨迹，颜真卿书。纵28.2厘米，横72.3厘米，25行，共230字。《祭侄稿》是颜真卿为祭奠就义于安史之乱的侄子颜季明所作。 唐天宝十四年（775），安禄山谋反，平原太守颜真卿联络其从兄常山太守颜杲卿起兵讨伐叛军。次年正月，叛军史思明部攻陷常山，颜杲卿及其少子季明被捕，并先后遇害，颜氏一门被害30余口。唐肃宗乾元元年（公元七五八年），颜真卿命人到河北寻访季明的首骨携归，挥泪写下这篇留芳千古的祭文。这件作品原不是作为书法作品来写的，由于心情极度悲愤，情绪已难以平静，错桀之处增多，时有涂抹，但正因为如此，此幅字写得凝重峻涩而又神采飞动，笔势圆润雄奇，姿态横生，纯以神写，得自然之妙。元代张敬晏题跋云：“以为告不如书简，书简不如起草。盖以告是官作，虽楷端，终为绳约；书简出于一时之意兴，则颇能放纵矣；而起草又出于无心，是其手心两忘，真妙见于此也。”元代鲜于枢评此帖为 “天下第二行书”。 《祭侄文稿》气壮神烈，苍郁沉雄，具雄阔之姿，呈伟岸之态；其情激切，如斗士之临战阵；其意悲壮，若壮士之啸长风；其书雄强，巍巍然若苍山之卧于莽原；其势浑阔，浩浩乎如江流之汇于海波。     《祭侄文稿》与《兰亭序》各以其阳刚之美和阴柔之美并列在中国书法艺术的巅峰，双星熠熠生辉，永垂不朽。    １５．北京故宫（建筑） 故宫位于北京市中心，也称“紫禁城”。这里曾居住过24个皇帝，是明清两代（公元1368～1911年）的皇宫，现辟为“故宫博物院”。故宫的整个建筑金碧辉煌，庄严绚丽，被誉为世界五大宫之一（北京故宫、法国凡尔赛宫、英国白金汉宫、美国白宫、俄罗斯克里姆林宫），并被联合国科教文组织列为“世界文化遗产”。   　故宫的宫殿建筑是中国现存最大、最完整的古建筑群，总面积达72万多平方米，有殿宇宫室9999间半，被称为“殿宇之海”，气魄宏伟，极为壮观。无论是平面布局，立体效果，还是形式上的雄伟堂皇，都堪称无与伦比的杰作。     一条中轴贯通着整个故宫，这条中轴又在北京城的中轴线上。三大殿、后三宫、御花园都位于这条中轴线上。在中轴宫殿两旁，还对称分布着许多殿宇，也都宏伟华丽。这些宫殿可分为外朝和内廷两大部分。外朝以太和、中和、保和三大殿为中心，文华、武英殿为两翼。内廷以乾清宫、交泰殿、坤宁宫为中心，东西六宫为两翼，布局严谨有序。故宫的四个城角都有精巧玲珑的角楼，建造精巧美观。宫城周围环绕着高10米，长3400米的宫墙，墙外有52米宽的护城河。                    　     　故宫里最吸引人的建筑是三座大殿：太和殿、中和殿和保和殿。它们都建在汉白玉砌成的8米高的台基上，远望犹如神话中的琼宫仙阙。第一座大殿太和殿是最富丽堂皇的建筑，俗称“金銮殿”，是皇帝举行大典的地方，殿高28米，东西63米，南北35米，有直径达1米的大柱92根，其中6根围绕御座的是沥粉金漆的蟠龙柱。御座设在殿内高2米的台上，前有造型美观的仙鹤、炉、鼎，后面有精雕细刻的围屏。整个大殿装饰得金碧辉煌，庄严绚丽。中和殿是皇帝去太和殿举行大典前稍事休息和演习礼仪的地方。保和殿是每年除夕皇帝赐宴外藩王公的场所。   故宫建筑的后半部叫内廷，以乾清宫、交泰殿、坤宁宫为中心，东西两翼有东六宫和西六宫，是皇帝平日办事和他的后妃居住生活的地方。后半部在建筑风格上同于前半部。前半部建筑形象是严肃、庄严、壮丽、雄伟，以象征皇帝的至高无上。后半部内廷则富有生活气息，建筑多是自成院落，有花园、书斋、馆榭、山石等。在坤宁宫北面的是御花园。御花园里有高耸的松柏、珍贵的花木、山石和亭阁。名为万春亭和千秋亭的两座亭子，可以说是目前保存的古亭中最华丽的了。     故宫博物院藏有大量珍贵文物，据统计总共达1052653件之多，统称有文物100万件，占全国文物总数的1/6，其中有很多是绝无仅有的国宝。在几个宫殿中设立了历代艺术馆、珍宝馆、钟表馆等，爱好艺术的人在这些无与伦比的艺术品前，往往久久不忍离去。设在故宫东路的珍宝馆，展出各种奇珍异宝。如一套清代金银珠云龙纹甲胄,通身缠绕着16条龙，形状生动，穿插于云朵之间。甲胄是用约60万个小钢片连结起来的，每个钢片厚约1毫米，长4毫米，宽1.5毫米，钻上小孔，以便穿线连结。据说，为制造这套甲胄，共用了4万多个工时。     现在，故宫的一些宫殿中设立了综合性的历史艺术馆、绘画馆、分类的陶瓷馆、青铜器馆、明清工艺美术馆、铭刻馆、玩具馆、文房四宝馆、玩物馆、珍宝馆、钟表馆和清代宫廷典章文物展览等，收藏有大量古代艺术珍品，据统计共达1052653件，占中国文物总数的六分之一，是中国收藏文物最丰富的博物馆，也是世界著名的古代文化艺术博物馆，其中很多文物是绝无仅有的无价国宝。 １６．中国民居和园林建筑 中国民居 民居是建筑中最早出现的类型，是中国建筑史上对民间居住建筑物的习惯称呼，作为住房的民居在人们的日常生活建筑中占有极为重要的位置。我国的民居建筑是千百年来劳动人民用自己勤劳智慧的双手，在适应与改造大自然的漫长岁月中创造出来的。由于我国幅员广阔，各地区的自然地理条件不同，56个民族风格与传统各异，生产和生活各具特色，建筑材料千差万别，使我国的民居建筑多姿多彩，富有创造性。 蒙古包 毡包是我国蒙古族、哈萨克族、塔吉克族等民族牧民居住的帐篷，一般为圆形，古代称“穹庐”“毡帐”。蒙古包一般用柳条做骨架，外侧包羊毛毡，再在顶部中央设可支起的圆形天窗，是一种可移动式圆形住宅。在柳条两侧涂料灰草泥代替毡子，即成为半永久式的固定蒙古包。在两个圆形住宅之间，联以土墙，成为并列的3间房屋而演变成土房。     藏南碉房 西藏南部各地的乡村和城镇，石村丰富，民居一般用石砌墙、高2-3米，称为碉房。碉房以木材做梁、柱和椽子。平屋顶，有的设外廊。木梁、柱子上有鲜艳的色彩，窗上装玻璃，可能有效地利用当地充足的阳光。在广大牧区草原，牧民居住方形的帐房。帐顶是用牛毛织成的毡毯，四周用草泥块围成矮墙。碉房顺应高原自然条件、农牧业生产、信仰喇嘛教、生活习惯及自卫防御的需要。     东北三省民居 吉林-蒙古族马架房　马架房是吉林省蒙古族农民住宅中主要的房屋，在山墙开山，形如吉林东部山区汉族农民的马架，故称马架房 。其房平面近方形上部可用椭圆顶，极似蒙古包，保持了蒙古族的民族习惯。马架房全部用泥壁，不做基础，四面皆土坯墙围绕，当阴雨连绵之际，墙壁会因潮湿而脱落，房屋寿命难以保持长久。 　  湖南民居-风火墙　湖南民居建筑平面多为前后两个一明两暗的三间组成，中为内院，植以花木，房屋空间高，设有阁楼，建筑选型均衡；青瓦粉墙，墙内设有风火墙，背山面水，环境优美。一般的农民房屋并没有高大的山墙，如毛泽东同志的韶山旧居就是典型的湖南农宅。     江苏民居(见附图)　江苏气候温和湿润、水域丰富，城镇及乡村民居大都利用地形、自由灵活地散列在流水萦坏的隙地上，临河依水而建或跨溪而筑。住房布局紧凑、一般为2层楼房并建有楼阁。房层高、墙身薄、出檐深、门窗高大，利于通风，外观朴素、粉墙灰瓦照影、蠡窗映水，掩映于桃柳丝竹之间形成独特的水乡人家。   四合院　四合院式的住房是我国最为普遍、历史最为久远的住宅形式。其布局常为“一正两厢”，正房(上房)位置在全宅的中轴线上，坐北朝南，开间、进深、高度和装饰等都央全宅之首。院子两侧的厢房、陪衬着正房。院子是交通、采光、通风的枢纽，并配以绿化，成为休息与家庭活动的中心。住宅大门多设在东南角上，象征风水八卦上的“巽门”方位，附会“紫气东来”的吉祥，以北京的四合院最具有代表性。   傣族竹楼　傣族竹楼相传是傣族祖先根据凤凰降落在傣乡的姿态演化而建造。竹楼分上、下两层。上层住人距离地面2.5米左右，以木桩或青竹为柱。下层无墙，用以饲养牲畜及堆放杂物，屋顶为双斜面呈人字型，覆盖“草排”或瓦。室内用竹墙隔开，内间卧室，外间为客室。地板富有弹性，阳光和风经竹缝透入，雅致舒服。 　上海“石库门”房子　上海旧的住宅除一部份花园楼外，以里弄“石库门”房子最具代表性。大片住宅成排布置，互相毗连。户内建筑布局紧凑，高2-3层，青瓦坡屋顶，并有小型晒台，在建筑正面和墙头、大门等外常作简单的装饰。 　安徽民居　安徽民居其布局一般都以三合院或四合院为基本单位，但宏观世界与北京的院落形式有别。根据当地气候、地形的特点，安徽传统的民居建筑多为各种造型的二层楼房，有的依山傍水，有的参差起伏，有的层楼叠院，精致朴素、堂皇俊秀。   窑洞　窑洞是典型西北黄土高原、黄河上游地区，少雨地带的民居。窑洞一般宽3米、深5-20米，在3-5米深的黄土覆盖下，夏季室温比室外低约10度，冬季比室外约高15度。温温度比较稳定，可谓冬暖夏凉。窑洞有单独的沿崖式窑洞(土窑)、土坯或砖石的拱式复土窑洞以及天井地院落式窑洞三种。窑洞门面装有较大面积的门窗，其采光好、受外界噪音和其他污染的影响少。   全楔式木结构的四川民居　四川民居广泛采用全楔式木结构建造，并因地制宜、就地取村、随势而筑，以石下基础，以木制梁、楔、柱、椽，以竹隔墙夹楼，以砖或土，石砌墙，以草、瓦盖顶，空间丰富多变，层次错落有致，造型空透轻盈、色彩清明素雅，与大自然融为一体，宛似天成，其抗震防水灾性好。城镇房常为一楼一底，下层开店或日常活动，上层则作为卧室。农村房上层存放(晒晾)粮食,下层为住房、堂屋、厢房、厨房、织作坊等。     台湾民居 台湾民居的基本形态是三合院、四合院。屋顶前后坡落水。农家多用三合院，前面广场可晒农作物。较富裕的人家或官司家住宅则多用四合院，有门厅与正厅的缓冲，秘密性较高。     福建民居-客家住宅 　客家住宅沿着五岭南麓，分布于福建西南部及广东、广西二省的北部。“承启楼”为圆形的砖楼与土楼，其中最大的土楼、直径达70多米，用3层环形房屋相套、房间达到300多间，外环房间高达4层，底层作厨房及杂用间，2层储粮、3层以上住人，其它两环仅高1层。它是一座对外可防御、抗台风、外观坚实雄伟的古城堡环楼。    　浙江民居-黄岩天长街住宅　该住宅面街背河、附有店面，临街设店面，内部兼作起居室，后部临水的房作厨房。全宅的中间部分分三层，第二层空间仅有2.2米高。以顶阁楼三面凸出，窗台做得较低，三面都开窗，阁楼窗子开得合宜，住在顶层并不觉得压抑。整个住宅造型有虚有实，有遍有低，轮廓线不单调。 青海民居　青海地处高原，是汉族、藏族、回族、土族、撒拉族、蒙古族、哈萨克族聚居的地区，是因地理环境、自然条件，丰富的建筑材料使其民居富丽堂皇而典雅。前房为高台阶平房，大门凹进，左右两扇窗户形式各异。后院的房屋为一楼一底，楼上有凸出的明式走廊。   贵州民居　贵州地区也是多民族聚居的地区，各民族所居住的房屋区别较大，贵州西南靠云南、四川地区,多修建邮票中形式的房屋。该房屋基本与四川民居的木结构特点一致，不同的是这种民居建筑在较高地石料基础之上，房檐前高后低较为平缓，房门常开在左侧面靠后。 　广西民居　广西民居建筑主要是木、竹结构，漓江沿岸主要以竹为建筑材料，有类似傣族竹楼的竹房。房屋下部有一高度不大的底层，房前一般设有小走廊，类似城市建筑中的阳台。在壮乡，房屋往往依水而建。 宁夏民居　宁夏主要是回族聚居，其民居旧地取材以土为主。院墙、屋墙均用泥土而筑，土墙上加有一定民族风格、习俗装饰，房檐为单面，形成独特的风格。   山西民居　山西民居以土坯大砖为建筑材料，常为瓦房。瓦房的布局、结构一般以三间为主，院墙和房屋形成四合院，院墙大门和房顶都建有独特的装饰。 江西民居 该地区房屋，尤其广大乡村的民居，基本结构形态与四川民居相同，即木结构，有堂屋、卧室、厨房等用房。但建筑材料、房屋质量一般比四川民居要好些，通常是以瓦房为主。邮票上房屋较为“豪华”不是该地区常见的民居建筑。     山东民居 　 其建筑具有东北地区部分汉族住房特点，以石、土混合筑房壁和院墙，屋顶有一层较厚的泥土，以保护房内的温度。有的房顶类似东北地区蒙古族 “ 马架房 ” 的房顶。 园林建筑 中国的园林建筑历史悠久，在世界园林史上享有盛名。在3000多年前的周朝，中国就有了最早的宫廷园林。此后，中国的都城和地方著名城市无不建造园林，中国城市园林丰富多彩，在世界三大园林体系中占有光辉的地位。以山水为主的中国园林风格独特，其布局灵活多变，将人工美与自然美融为一体，形成巧夺天工的奇异效果。这些园林建筑源于自然而高于自然，隐建筑物于山水之中，将自然美提升到更高的境界。中国园林建筑包括宏大的皇家园林和精巧的私家园林，这些建筑将山水地形、花草树木、庭院、廊桥及楹联匾额等精巧布设，使得山石流水处处生情，意境无穷。中国园林的境界大体分为治世境界、神仙境界、自然境界三种。中国儒学中讲求实际、有高度的社会责任感、重视道德伦理价值和政治意义的思想反映到园林造景上就是治世境界，这一境界多见于皇家园林，著名的皇家园林圆明园中约一半的景点体现了这种境界。神仙境界是指在建造园林时以浪漫主义为审美观，注重表现中国道家思想中讲求自然恬淡和修养身心的内容，这一境界在皇家园林与寺庙园林中均有所反映，例如圆明园中的蓬岛瑶台、四川青城山的古常道观、湖北武当山的南岩宫等。自然境界重在写意，注重表现园林所有者的情思，这一境界大多反映在文人园林之中，如宋代苏舜钦的沧浪亭，司马光的独乐园等。中西园林的不同之处在于：西方园林讲求几何数学原则、以建筑为主；中国园林则以自然景观和观者的美好感受为主，更注重天人合一。 苏州园林 1997年被列入《世界遗产名录》的苏州古典园林集中体现了中国园林建筑的艺术特色。苏州园林历史绵延2000余年，现存名园十余处。苏州园林大都占地面积小，采用变换无穷、不拘一格的艺术手法，以中国山水花鸟的情趣，寓唐诗 宋词 中小学生必背唐诗宋词宋代文学概述十大经典宋词精选赏析我读唐诗宋词三百首常见宋词百首 的意境，在有限的空间内点缀假山、树木，安排亭台楼阁、池塘小桥，营造以小见大的艺术效果。其中，闻名遐迩的园林建筑有沧浪亭、狮子林、拙政园、留园等。 圆明园 中国最著名的皇家园林、有“万园之园”之称的北京圆明园，集中国各地不同风格的园林艺术于一体，且借鉴了部分西方建筑风格，园内建筑巧夺天工，虽形态各异而趣味无穷。华美的圆明园于1860年被侵略中国的英法联军焚毁，现在，人们只能在断瓦残垣上想象这座名园曾经的风华了。 圆明园遗址在北京西北郊。一般所说的圆明园，还包括它的两个附园长春园和绮春园（万春园）在内，因此又称“圆明三园”。它是清代北京西北郊五座离宫别苑即“三山五园”（香山静宜园、玉泉山静明园、万寿山清漪园、圆明园、畅春园）中规模最大的一座，面积347公顷。     圆明园不仅在当时的中国是一座最出色的行宫别苑，乾隆皇帝誉之为“天宝地灵之区，帝王游豫之地无以逾此”，并且还通过传教士的信函、报告的介绍而蜚声欧洲，对18世纪欧洲自然风景园的发展曾产生一定的影响。 １７．民间剪纸 民间剪纸是民间艺术的一种。是以纸为加工对象，以剪刀(或刻刀)为工具进行创作的艺术。剪纸在民间流传极广，历史也很悠久。新疆曾出土了距今一千五百余年的剪纸作品(对马团花、对猴团花)。在后来也可通过染缬、华胜、吉州窑和定窑的装饰图案、皮影、蓝印花布、小品刺绣、绘画作品中见其略影。作为传统民间艺术的一种在民俗活动中占有重要位置。南宋已出现了专业民间剪纸艺人。民间剪纸往往通过谐音、象征、寓意等手法提炼、概括自然形态，构成美丽的图案。 从具体用途看大致可分四类： 一、张贴用，即直接张贴于门窗、墙壁、灯彩、彩扎之上以为装饰。如窗花、墙花、顶棚花、烟格子、灯笼花、纸扎花、门笺； 二、摆衬用，即用于点缀礼品、嫁妆、祭品、供品。如喜花、供花、礼花、烛台花、斗香花、重阳旗； 三、刺绣底样，用于衣饰、鞋帽、枕头。如鞋花、枕头花、帽花、围涎花、衣袖花、背带花； 四、印染用，即作为蓝印花布的印版，用于衣料，被面、门帘、包袱、围兜、头巾等。 １８．“文人画”和“元四家”的绘画艺术 文人画    亦称“士夫画”。中国画的一种。泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画。以别于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画，北宋苏轼提出“士夫画”，明代董其昌称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖（参见“南北宗”）。但旧时也往往借以抬高士大夫阶层的绘画艺术，鄙视民间画工及院体画家。唐代张彦远在《历代名画记》曾说：“自古善画者，莫非衣冠贵胄，逸士高人，非闾阎之所能为也。”此说影响甚久。近代陈衡恪则认为“文人画有四个要素：人品、学问、才情和思想，具此四者，乃能完善。”通常“文人画”多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，借以发抒“性灵”或个人抱负，间亦寓有对民族压迫或对腐朽政治的愤懑之情。他们标举“士气”、“逸品”，崇尚品藻，讲求笔墨情趣，脱略形似，强调神韵，很重视文学、书法修养和画中意境的缔造。姚茫父的《中国文人画之研究·序》曾有很高的品评：“唐王右丞（维）援诗入画，然后趣由笔生，法随意转，言不必宫商而邱山皆韵，义不必比兴而草木成吟。”历代文人画对中国画的美学思想以及对水墨、写意画等技法的发展，都有相当大的影响。   文人画是画中带有文人情趣，画外流露着文人思想的绘画。它不与中国画三门：山水、花鸟、人物并列，也不在技法上与工、写有所区分。他是中国绘画大范围中山水也好，花鸟也好，人物也好的一个交集。陈衡恪解释文人画时讲“不在画里考究艺术上功夫，必须在画外看出许多文人之感想”。此之，所谓文人画或谓以文人作画，“知画之为物。是性灵者也，思想者也，活动者也，非器械者也，非单纯者也”。说明了文人画所具有的文学性、哲学性、抒情性。在传统绘画里它特有的”雅“与工匠画和院体画所区别，独树一帜。 　元四家 元代山水画的四位代表画家的合称。主要有二说：一是指赵孟頫 、吴镇、黄公望、王蒙四人，见明代王世贞《艺苑卮言·附录》。二是指黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇四人，见明代董其昌《容台别集·画旨》。第二说流行较广。 也有将赵孟頫、高克恭、黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙合称为“元六家”。画风虽各有特点，但主要都从五代董源、北宋巨然的基础上发展而来，重笔墨，尚意趣，并结合书法诗文，是元代山水画的主流，对明清两代影响很大。   元四家对于山水画起到了举足轻重的作用，他们四人均是江浙一带人，都擅长水墨山水并兼工竹石，为典型的文人画风格，他们生活在元末社会动乱之际。虽然每个人社会地位及境况不尽相同，但他们不得意的遭遇是相似的，在艺术上都受到赵孟頫的影响，通过他们的探索和努力，使中国山水画的笔墨技巧达到了一个高峰，对后世的绘画，尤其是“南宗”一派影响巨大。 １，吴镇(1280—1354)，字仲圭。号梅花道人，浙江嘉兴人。终其一生闭门隐居，未入仕途。精研儒学，旁通佛道，喜与僧道为友，以诗文书画自娱。题材多描写渔夫和隐逸生活，寄托他隐遁避世的思想情趣。善用湿笔表现山川林木郁茂景色，笔力雄劲，墨气沉厚。吴镇的画风，与黄公望、王蒙、倪瓒三家有明显不同，黄、王、倪二家重笔，干笔皴擦较多。而吴镇重墨，多用湿笔。在构图方面，三家都趋平稳，吴则追求奇险，有时危峰突起，有时长松倒挂，有时平远，有时高远。画面题款，三家皆用楷书，吴镇独用草书，从书写内容到奔放不羁的书风中，使人感到蓄积征画家胸中的不平之气。董其昌评说： “吴仲圭大有神气”。其画气势磅礴，元气淋漓而不入野。明代沈周、文徵明等多师法吴镇。   《双桧平远图》在巨大的画幅上画两株老桧并立于平坡上，顶天立地，占据整个画幅。造型盘曲遒劲，气势雄秀挺拔，使远处山峦、林木、村居蹊径，尽在其俯视之下。画中描绘秀丽的低峦平冈，丰茂的杂木丛林，满布湖泊溪涧略起丘陵的平原，一派旖旎的江南风光。图中桧树用勾勒染墨法，描绘精工，表现出桧树枝干的挺秀刚硬。树冠高高耸立，姿态虬曲若苍龙在天。远树简略双钩树干，枝叶用淡墨草草点成，旷远幽深。远山用淡墨轻染，若隐若现。下坡上多矾石，水墨密点小石的阴凹处，再用淡墨晕染，使山坡湿润融合。其带湿点苔，五墨齐备，天机一片。统观全图，笔墨圆润，多渲染，少皴擦，凹凸分明，层次细腻，可见吴镇湿笔重墨，大气磅礴的画风。 ２，王蒙（1038―1385）一作（1298—1385）元代杰出画家。字叔明（一作叔铭）晚年居黄鹤山，自号黄鹤山樵。又自称香光居士。浙江湖州（今吴兴）人。外祖父赵孟　、外祖母管道升、舅父赵雍、表弟赵彦征，都是元代著名画家。   他工书法，尤擅画山水，以董、巨为宗，而自成面目，亦兼画人物。与倪云林、黄公望、吴镇齐名并有交往，后人称“元四家”。他创造的“水晕墨章”，丰富了民族绘画的表现技法。他的独特风格，表现在“元气磅礴”、用笔熟练、“纵横离奇，莫辨端倪”。《画史绘要》中说：“王蒙山水师巨然，甚得用墨法”。而恽南田更说他“远宗摩诘（王维）”。常用皴法，有解索皴和牛毛皴两种，其特征，一是好用蜷曲如蚯蚓的皴笔，以用笔揿变和“繁”著称；另一是用“淡墨钩石骨，纯以焦墨皴擦，使石中绝无余地，再加以破点，望之郁然深秀”。倪云林曾在他的作品中题道：“叔明笔力能扛鼎，五百年来无此君”。其作品有：《林泉清集图》、《松山书屋》、《湘江风雨图》、《溪山逸趣图》以及《雪霁图》，信笔挥洒而天趣横溢、意致超绝。留传至今的还有：《青卞隐居图》、《谷口春耕图》、《花溪渔隐图》、《秋山草堂图》、《夏日山居图》等。   《秋山草堂图》画高山崇岭，茂树清淡，山脚草堂临水，水际荻花萧瑟，堂内隐者怡然自得。表现出江南自然山川的湿润，创造出蓊郁深秀、浑厚华润的境界。画上自题小篆书“秋山草堂”四字， 下行楷书又识云： “黄鹤山中樵者王子蒙为画于淞峰书舍”。 ３，倪赞（公元1301―1374年，或为公元1306—1374 年）,元画家。原名王廷,后改瓒,字元镇,号云林,字幻霞子、荆蛮民等,江苏无锡人，原家富足，后家道中落，遂变卖家资,浪迹太湖一带。画山水、墨竹，师法董源,赵孟俯，以侧笔干多皮画太湖两岸景色，创为 "折带多皮"，惜墨如金，淡雅清逸，笔简意远。尝言逸笔草草，不求形似，聊以自娱,为后世文人画之座右铭。与黄公望、吴袁、王蒙合称“元四家”。   这幅画是他五十五岁时的作品，充分展现了他成熟时期的典型画风。画卷描绘江南渔村秋景及平远山水，以其独特的构图显露个人特色，即所谓的“三段式”。画面以上、中、下分为三段,上段为远景，三五座山峦平缓地展开；中段为中景，不着一笔，以虚为实，权作渺阔平静的湖面；下段为近景，坡丘上数棵高树，参差错落，枝叶疏朗，风姿绰约。整幅画不见飞鸟，不见帆影，也不见人迹，一片空旷孤寂之境。中国画极为讲究笔法。倪瓒在前人所创“披麻皴”的基础上，再创“折带皴”，以此表现太湖一带的山石，如画远山坡石，用硬毫侧笔横擦，浓淡相错，颇有韵味。其画中之树也用枯笔，结体有力，树头枝桠用雀爪之笔型点划，带有书法意味。画的中右方以小楷长题连接上下景物，使全图浑然一体，达到诗、书、画的完美结合。倪瓒平实简约的构图、剔透松灵的笔墨、幽淡荒寒的意境，对明以后的文入画家产生很大。 ４，黄公望（1269—1354）字子久，号大痴道人，江苏常熟人，中年为吏，后因事入狱，获释后活动于杭州、富春、松江、常熟一带，为全真教道士。黄曾得到赵孟頫的指点，自称“松雪斋中小学生”。山水主要表现常熟的虞山、浙江富春山一带景致，多以披麻皴画法，传世作品有《富春山居图》卷、《九峰雪霁图》、《快雪时晴图》等。   《富春山居图》卷，全长636. 9厘米，高33 厘米，是被称为元代画坛魁首的黄公望最著名的代表作品。《富春山居图》卷，将富春江两岸数百里精萃聚于笔底，满纸空灵秀逸，笔简意远，后人誉之为“画中之兰亭”。原画主要是描写浙江富春江带的山水景色。所画富春江两岸峰峦树木，似初秋景色，几十个峰，一峰一状；几十棵树，一树一态，雄秀苍莽，变化多端。茂林村舍，渔舟小桥，亭台飞泉，令人目不暇接，丰富而自然。画法有董（源）、巨（然）的温笔披麻皴，也有干笔皴擦，用笔简练，使水墨发挥了极大作用。对以后水墨山水画的发展有很大影响。 １９．“浙派”与“吴门画派”的绘画艺术 明代的山水画特点是各种画派相继而生。早期以浙江画家戴进为代表的“浙派”山水画为主流，作品大都雄浑劲健，奔放而有气魄。其成员还有吴伟和王履。 明代“浙派”创始人戴进(1388—1462)，字文进，浙江杭州人。据史料记载其出身有二说：一说其父系职业画家，进承家学，于永乐末年随父应诏入京，才成为宫廷画家；一说其早年是金银首饰匠，技艺精巧，因不为世俗所重，愤而学画，后在京以卖画为生。戴进在绘画上山水、神像、人物、走兽、花果、翎毛无一不精，其画作在明代就已被称为“绝艺”。后世从学者甚多。他的山水多含人物活动，风俗迥异，现存《风雨归舟图》为传世名作。   明代中期沈周和他的学生文征明等人，主要是继承“元四家”的绘画传统，风格相近，且都是苏州人，称他们为“吴派”。在明中期以后，“吴派”取代了“浙派”的地位。“吴派”弟子很多，影响也大。明代后期，董其昌是一个重要的“吴派”山水画家和书法家，并用书法入画，所以明代后期有很多画家都受他的影响。 中国明代中期的绘画派别，亦称“吴派”。因苏州为古吴都城，有吴门之谓，而其主要代表人物如沈周、文徵明、唐寅、仇英等，均属吴郡人，故名。 “吴门画派”简称“吴派”，一般认为始于沈周，成于文徵明，加上唐寅和仇英，是为“吴门四家”或称“明四家”。明代中期以后“吴派”逐渐取代宫廷绘画和“浙派”的地位，在社会上、尤其是在文人士大夫当中受到重现。        沈周（公元1427－1509年）出身富于收藏的士大夫世家。年轻时沈周便接受家庭亲友前辈的教育熏陶，培养出了深厚的文学艺术才能。沈周一生不仕，曾游历太湖流域各地。他具有多方面的艺术修养，诗文书画都有很高造诣。沈周画法主要取法元人黄公望、吴镇等人，上溯董源、巨然及北宋诸家。早年多作盈尺小景，具有沉酣深厚的意趣，亦作细笔或青绿山水。作品大多反映画家对大自然真切而生动的感受，反映出画家开阔的胸襟、丰富的想象力。沈周以80岁高龄去世，在漫长的艺术生涯中创作了大量作品，影响巨大，成为“吴派”的开创人物。  文徵明（公元1470－1559年）是苏州地区文坛画界继沈周而起的领袖人物。他出身官宦之家，富有文学才能和书法才能，是明代的书法大家之一。早年文徵明曾多次参加科举考试，未被录取，不再求仕进，致力诗文书画艺术创作。54岁时他被荐进京，感官场的黑暗和仕途险恶，后以足疾为由上疏求退，返回苏州，专力于诗文书画。文徵明一生过着平静优裕的风雅名士生活，主要精力从事艺术活动，作品表现文雅幽静的审美情趣。文徵明比沈周的年寿更长，作品数量多，流传广。他晚年名望极高，家人子弟、门生私淑众多，大多也以诗画得名于当时。文徵明绘画师承沈周，但对他的绘画艺术影响最深却是元代画家，尤其是赵孟   的艺术。他的小青绿山水、室宇人物和墨笔古木竹石，明显从赵孟   画法变化发展而来，萧疏幽淡的情调，层层叠叠而不重纵深关系的布局，山顶平台，浓密的叶苔小点，棱角清楚的矾头等具有特色的画法，与黄公望、王蒙、倪瓒的绘画有着一定的继承关系。文徵明的绘画创作以山水为主，画法有工细与粗率两种，工细的作品为多，其中又有着色与不着色之分，题材内容大体可分为临仿前人或描绘具体环境景物等。山水画《江南春》为画家78岁作，是一件极成功的作品。画面近景为数株清瘦乔木，刚刚吐出新芽，中景洲头已是桃红柳绿，淡淡远山，辽阔平静的湖面，表现出江南水乡春色明媚秀美的风光。构图平稳，造型疏秀，用笔设色轻淡柔和，显示出文徵明绘画艺术特有的风格和情调。画的是江南春景，更展现人的感情，表现的自然景色便是当时江南文人士大夫的生活环境． 唐寅（公元1470一1523年）出生苏州城内的酒肆商人家庭。天资聪颖，少年时便有才名。30岁以前读书求知，热衷功名仕进。他参加南京应天府乡试，高中第一名解元，赴京考试时却被卷入“科场行贿案”，蒙受牵连遭到革黜。遭受到这一打击唐寅仕途无望，乃游历名山大川，之后回到苏州从事诗文书画创作，依靠卖画度日，生活作风更加放荡不羁。他在图章中自题“南京解元”、“江南第一风流才子”，流露出对功名利禄的鄙薄和对封建礼教的嘲弄。唐寅的性格行为与文徵明不同，坎坷的遭遇使他的诗文书画流露出傲岸不平之气。他还试图从佛学寻求痛苦心情的解脱。     唐寅擅长画山水人物，写意花鸟绘画也有独到之处，全面的绘画功力为许多吴门画家所不及。《山路松声图》、《落霞孤骛图》、《春山伴侣图》、《西洲话旧图》、《古木幽篁图》等作品具有唐寅个人的风格特色。人物画除表现文人雅士外，大量以仕女为题材，一些表现歌伎生活的作品占有相当比重。《李端端乞诗图》和《陶谷赠词图》描绘文人墨客与歌伎间有违名教礼法的风流韵事，大胆向封建礼教挑战。唐寅的人物画有白描、设色，也有精致的工笔重彩。《孟蜀宫伎图》是唐寅仕女画代表之作。《秋风纨扇图》用水墨画秋风中一女子执纨扇面露悲戚之情，题诗：“秋来纨扇合收藏，何事佳人重感伤。请把世情详细看，大都谁不逐炎凉”，对社会下层妇女寄予深刻的同情，讽刺世态炎凉的社会风气，思想内涵超过前人作品借纨扇隐喻妇女遭受遗弃的“宫怨”图画。     唐寅作写意花鸟画取材较文徵明广阔，现存的《枯槎图》、《临水芙蓉图》、《梅花图》、《雨竹图》、《罂粟花图》（扇面）等作品，以水墨提炼形象。画家为中国花鸟画的发展作出了贡献． 仇英（公元1502－1552年）出身低甚微，尝执事丹青”，有说他曾做过漆工。他结识文人士大夫名流，受到文人画的熏陶，画风注入了雅致的文人气息。明代江南地区书画鉴藏风气极盛，装池、修补、鉴定及副本的摹绘日益考究，仇英便是临摹古画的高手。他所临摹的仕女画“发翠毫金，丝丹缕素，精丽艳逸，无惭古人”。仇英摹绘不少古代作品，留下许多尺幅巨大、艺术精美的副本。     仇英是一位精力出众、勤奋惊人的画家。他的年寿并不长，作品的数量却很大，其中有不少是繁复而工致的长轴大卷，如：《兰亭修   图》、《蛮夷职贡图》、《   阳琵琶图》、《金谷园图》等，均是须经年累月方可完工的钜制，这些作品却像是在精力充沛、思想专注的情况下一气呵成，无一处有懈滞之感。他的《剑阁图》描绘四川险峻的栈道，山石用青绿，人物施重彩，山峦高耸，栈道迂回，白雪皑皑，表现出“蜀道难”的艰困情景。画雪景一般用水墨拓出，此幅则用重彩赋色，雪意充足，当为仇英的精心之作。《秋原猎骑图》可以看出仇英画鞍马人物的才能，画中游牧民族和马匹造型生动准确，作风严谨而毫无板滞之感。人物画中有的近乎唐寅的水墨一体，如《蕉阴结夏图》、《羲之书扇图》等，笔墨流畅，风韵雅逸，与绘画题材特定的内容相适应，显示出画家多方面的才华。仇英的人物画，形象生动优美，具有明显的时代特色，体现了那一时代的审美理想，虽不及唐宋绘画那样丰满健硕，充满活力，但也没有后世的那种松弛贫乏、弱不胜风的病态。唐寅将南宋院体山水人物画从内容到笔墨都融入文人意趣，仇英则把工笔重彩和青绿山水画加以雅化，精美严整之中透射出古雅之美。他们的绘画具有高超造型能力和严谨的画风的职业画家“作家”习气和反映士大夫艺术趣味的“士气”兼备，反映出中国社会进入明清时代文化艺术雅俗的变化。通过唐寅和仇英等画家不断的艺术实践和大胆的艺术创造，使文人画创作适应时代的变化，走上“雅俗共赏”、“文质相兼”的发展道路。 ２０．扬州八怪的绘画艺术 继“四僧画家”之后，又崛起一个革新画派――“扬州八怪”。实际上，当时活跃在扬州画坛上的重要的画家并不止八人，约有十六、七人，“八”并非确数。按最早的记载有：金农、黄慎、郑燮、李鳝、李方膺、汪士慎 、高翔和罗聘。所以称他们为怪，是因为他们在作画时不守墨矩，离经叛道，奇奇怪怪，再加上大都个性很强，孤傲清高，行为狂放，所以称之为“八怪”。   金农(1487―1764)，字寿门，号冬心，杭州人，人称八怪之首。他博学多才，五十岁后始作画，终生贫困。他长于花鸟、山水、人物，尤擅墨梅。他的画造型奇古、拙朴，布局考究，构思别出新意，作品有《墨梅图》、《月花图》等。他独创一种隶书体，自谓“漆书”，另有意趣。   黄慎(1687―1768)字恭懋，号瘿瓢，福建宁化人。他幼时家贫，学怀素书法获 益，以草书入画，自创风格，擅长粗笔写意，人物画造诣最高。作品多以神仙佛道为题材，也有不少反映社会下层人物生活的作品。作品有《醉眠图》、《苏武牧羊图》等。   李鳝(1686―1762)，字宗扬，号复堂，江苏兴化人。他从小喜爱绘画，十六岁时就有了名气。他曾经作过山东滕州知县。他受徐谓、石涛影响较大，画风粗放，不拘法度，泼墨淋漓，设色清雅，以“水墨融成奇趣”。作品有《秋葵图》、《松柏兰石图》。   李方膺(1695―1755)字虬仲，号晴江，江苏南通人。曾任县令、知府约二十年，和金农、郑燮交谊甚笃，善画松、竹、梅、兰，晚年专门画梅自喻。他在一首题画诗中写道：“此幅梅花又一般，并无曲笔要人看。画家不解随时俗，毫气横行列笔端。”他的作品有《游鱼图》、《潇湘风竹图》等。   高翔(1688―1753)，字凤翰，号西唐，扬州人。高翔生活清苦，性格孤傲，一生敬佩石涛，善画山水、花鸟，喜画疏枝梅花，作品有《弹指阁图》等。   汪士慎(1685―1759)，字近人，号巢林，安徽休宁人。幼时家贫，居扬州卖画为生，安贫乐道，精研艺术，擅画梅。他与金农、高翔、罗聘被时人称四大画梅高手，作品有《墨梅图》等。   罗聘(1733―1799)，字循夫，号两峰，祖籍安徽歙县，迁居扬州。他是金农的弟子，在“八怪”中，年辈最小，但见识很高，落笔不凡。他终生不仕，以卖画为生，一生潦倒。作品有《鬼趣图》、《醉钟馗图》等。   郑燮(1693―1765)，字克柔，号板桥，江苏兴化人。他为康熙秀才、雍正举人，乾隆进士。曾任山东范县、潍县知县，因开仓赈济灾民，得罪上司，愤然辞官，居扬州卖画为生。他思想特别活跃，颇有创见，诗出画造诣俱高，擅画竹、兰、石。他还创造了一种集真、草、隶、篆于一体的六分半书体。人称“乱石铺街”体。他是一个有很强人民性的画家，在潍县任县令时，给巡抚画了一幅竹子，题句曰：“斋衙卧听潇潇竹，疑是民间疾苦声，些小吾曹州县吏，一枝一叶总关情。”   “扬州八怪”有相近的生活体验和思想情感。他们大多出身于知识阶层，有的终生不仕，有的经过科举从政，一度出任小官，却又先后被黜或辞职，终以卖画为生。他们生活比较清苦，深知官场的腐败，形成了蔑视权贵，行为狂放的性格，借助书画抒发内心的愤懑。   他们的艺术大都取材花鸟，以写意为主要表现方式。他们在创作中重视个性，力求创新，不同程度地突破传统美学 规范 编程规范下载gsp规范下载钢格栅规范下载警徽规范下载建设厅规范下载 ，带有某些反传统的意义，作品具有较强的主观色彩，令人耳目一新。但在当时，他们并不能够被完全理解，甚至被视为左道旁门，而受到“非议”。其实，正是他们开创了画坛上新的局面，为花鸟画的发展拓宽了道路。 ● 外国部分 1． 岩画艺术 壁画艺术作为美术诸多表现形式的一种，其实更为古老。目前所能发现的人类最古老的美术形式，大概就是壁画了，典型的如西班牙岩画、法国岩画等，大约产生于两万年前，属于旧石器时代。 西班牙 阿尔塔米拉洞窟位于桑坦德省，是史前人类活动遗址。旧石器时代的奥瑞纳期、梭鲁推期和马德格林期先后有人类生活聚居在此。发现的大多数石器和特别著名的巨大洞穴里赭石上的壁画，红黑色调，描绘出各种野生动物的形象──野牛、马、鹿和野猪等，可追溯到马德格林期，即旧石器时代的晚期。   阿尔塔米拉洞窟们于西班牙坎塔布利亚自治区的桑蒂利亚纳·德耳马尔附近。这些岩洞在距今11000～17000年前已有人居住，一直延续至欧洲旧石器文化时期。1985年该洞窟被列入世界遗产名录。   阿尔塔米拉洞窟是1869年由考古学家马塞利诺·德桑图奥拉及次女玛丽亚发现的，挖掘工作开始于1875年。它为南欧马格德林的文明提供了绝好的见证。1879年发现了第一批绘画，起初，由于这些绘画艺术高超，保存完好，曾一度引起专家们的怀疑。由此不难理解人们为什么把它称为"史前西斯廷小教堂。"   该洞窟长约270米，深邃而曲折。150多幅壁画集中在长18米、宽9米入口处，为公元前3万～前１万年左右旧石器时代晚期的古人绘画遗迹，称"马格德林文化"。洞内有史前人睡觉的地方及烧烤食物、生火取暖的石灶，灶底余烬痕迹清晰可辨。洞顶和洞壁多是简单风景草图和分散的动物画像，如野牛、野马、野猪、猛犸、山羊、赤鹿等，多以写实、粗犷和重彩手法，刻画原始人熟悉的动物形象，有站、有跑、有卧、有叫，千姿百态，栩栩如生。壁画颜米取于矿物质、炭灰、动物血和土壤，掺和动物油脂，以红、黑、紫为主，色彩浓重，艳丽夺目，达到史前艺术高峰，具有很高的历史和艺术价值。窟底有一条隆起的岩石，上铺帆布，供参观者仰卧观赏崖壁画。   马格德林初期，岩洞中央大厅被装饰一新，壁画上的一些动物形象十分高大，例如一头鹿身长2.2米。它们体现出自然主义风格和不同动物各自独有的特点以及第二性特征令人惊讶！尤其突出的是作者细腻的笔法和用赭石、红、黄、黑等有限的颜色画出了各种各样的动物的鬃毛，又巧妙利用岩洞内凹凸不平的墙壁表现动物的形态，产生出惊人的艺术效果。 法国 韦泽尔峡谷包括147个史前遗址和25个洞窟壁画，可追溯到旧石器时代，引起民族学，人类文化学界的特别兴趣。同时就美学而言，岩洞绘画，特别是1940年发现的拉斯科洞岩画奇异非凡，打猎场面包括了约100种动物形象，描绘细致，色彩丰富，栩栩如生。这一年成为史前艺术史研究的重要年代。   韦泽尔峡谷洞穴群经纬度是北纬45度、东经1度。该文化遗址面积广阔，共包括16处文化遗址，这些遗址大多分布在韦泽尔河的两岸。另外，韦泽尔峡谷洞穴群还包括四处人工洞穴、三处供居住用的岩洞以及六处化石遗址。   洞穴的历史可以追溯到史前大约10000年前，这些历史悠久、有人类居住的洞穴群无疑是研究古代文化艺术、人造用具、古化石的最佳场所。同时韦泽尔峡谷洞穴群也是发现可鲁马努人（旧时代时期在欧洲的高加索人种）的地点。当这些宝贵的财富被发掘出来后，韦泽尔峡谷洞穴群被公认为迄今为止发现的最重要的史前人类文化遗址之一。   带有美丽壁画的拉斯科洞窟位于法国西南部佩里戈尔地区的蒙蒂尼亚克城，在该城区周围有很多的史前遗址。因为这些遗迹均位于石灰岩悬崖上，所以早在很久以前这些古代的供人类居住的石洞及带有绘画的洞窟便被遗弃了。   1940年9月12日，当蒙蒂尼亚克城中的四个孩子在沿着韦泽尔河旁的一个陡坡上嬉戏时，他们意外地发现了拉斯科洞窟。洞窟的入口仅有80多厘米宽，当时洞口被一些落叶遮盖起来。沿洞口往下是几乎与地面垂直的山洞，最后可以看到一些历史遗迹及一些乱石堆。在随后的几周内开展了大规模的发掘活动，洞的入口及山洞内被拓宽到了几米宽。发掘活动使带有绘画图案的洞窟重见天日，这些带有动物形象的图案大多绘制在洞顶或是墙壁上。   想要到发掘到斯科洞窟并不是一件很容易的事，当几千年以前洞窟中不再有居民居住后，从岩洞中逐渐脱落的岩石堆成了废石堆，这些废石堆将洞口严严实实地堵塞起来。此外，气流的流动及地下水的侵蚀都使拉斯科洞窟遭受了不同程度的损害。在冰川时代，拉斯科洞窟内的石灰岩发生了重结晶而转变成方解石，并且岩石的表面覆有一层难融性的粘土层，这些变化使得岩洞得到了很好的保护。因此，岩洞中的壁画，特别是离洞口不到10米的"独角兽壁画"都被完好的保存了下来。   1940年12于27日，拉斯科洞窟被法国当局设为重点文物保护对象。此时，有关部门为了防止大批游人的涌入，在洞口设立了保护栏杆。1948年，拉斯科洞窟正式对外开放。   拉斯科洞窟中白色的方解石质墙壁上绘有的精美的彩色壁画令人叹为观止，这些壁画很好的反映了旧石器时代的古代人类文明。当时人们已经懂得了巧妙利用岩壁天然的起伏来绘制狩猎的情景以及它们民族的人物画象。 ２．西方建筑的三种基本柱式（建筑） 古希腊的建筑艺术，则是欧洲建筑艺术的源泉与宝库。古希腊建筑风格的特点主要是和谐、完美、崇高。而古希腊的神庙建筑则是这些风格特点的集中体现者，古希腊的“柱式” ，这种规范和风格的特点是，追求建筑的檐部（包括额枋、檐壁、檐口）及柱子（柱础、 柱身、柱头）的严格和谐的比例和以人为尺度的造型格式。古希腊最典型、最辉煌，也是意味最深长的柱式主要有三种，即陶立克、爱奥尼克和科林斯柱式。陶立克的柱头是简单而刚挺的倒立圆锥台，柱身凹槽相交成锋利的棱角，没有柱础，雄壮的柱身从台面上拔地而起，柱子的收分和卷杀十分明显，力透着男性体态的刚劲雄健之美。爱奥尼克，其外在形体修长、端丽，柱头则带婀娜潇洒的两个涡卷，尽展女性体态的清秀柔和之美。科林斯的柱身与爱奥尼克相似，而柱头则更为华丽，形如倒钟，四周饰以锯齿状叶片，宛如满盛卷草的花篮。从比例与规范来看，陶立克一般是柱高为底径的4--6倍，檐部高度约为整个柱子的1/4，而柱子之间的距离，一般为柱子直径的1.2--1.5倍，十分协调、规整而完美。爱奥尼克，柱高一般为底径的9--10倍，檐部高度约为整个柱式的1/5，柱子之间的距离约为柱子直径的两倍，十分有序而和美。科林斯，在比例、规范上与爱奥尼克相似。陶立克柱式为构图原则的帕提农神庙、阿菲亚神庙；以爱奥尼克柱式为构图原则的伊端克先神庙和帕加蒙的宙斯神坛；以科林斯柱式为构图原则的典型作品列雪格拉德纪念亭等。代表性的建筑群体：雅典卫城。 ３．《罗马万神庙》  万神庙位于意大利首都罗马圆形广场的北部，是罗马最古老的建筑之一，也是古罗马建筑的代表作。  为了纪念早年的奥古斯都（屋大维）打败安东尼和克委帕特拉（埃及艳后），由奥古斯都大帝的女婿、屋大维的副手、曾先后三任罗马总督的马尔库斯·维普萨纽斯·阿格里帕于公元前27 年主持，在罗马城内建造了一座庙，献给“所有的神”，因而叫“万神庙”。公元80年被焚毁。后来最喜欢做建筑设计的阿德良皇帝（117～138年在位）把它重建（120～124年）。到3世纪初，又由卢丘斯·塞蒂缪斯、塞韦鲁斯和卡拉卡拉两个皇帝改建。公园655年被拜占庭皇帝康斯坦士二世（Constans）抢去。罗马皈依天主教后，万神庙曾一度被关闭。公元608 年，教皇博理法乔四世将它改为“圣母与诸殉道者教堂”。到了近代，它又成为意大利名人灵堂，国家圣地。 万神庙采用了穹顶覆盖的集中式形制，重建后的万神庙是单一空间、集中式构图的建筑物的代表，它也是罗马穹顶技术的最高代表。万神庙平面式圆型的，穹顶直径达43.3米，顶端高度也是43.3米。按照当时的观念，穹顶象征天宇。穹顶中央开了一个直径8.9米的园洞，可能寓意着神的世界和人的世界的某种联系。从园洞进来柔和漫射光，照亮空阔的内部，有一种宗教的宁谧气息。穹顶的外面覆盖着一层镀金铜瓦。（公元8世纪时，教皇格里高利三世（GregoryⅢ）用铅瓦覆盖）       穹顶的材料有混凝土，有砖，混凝土用浮石作骨料。大概是先用砖沿球面砌几个大发券，然后才浇筑混凝土的。这些发券的作用是，可以使混凝土分段浇筑，还能防止混凝土在凝结前下滑，并避免混凝土收缩时出现裂缝。为了减轻穹顶重量，越往上越薄，下部厚5.9米，上部1.5米。并且在穹顶内面做五圈深深的凹格，每圈28个。       墙厚6.2米，也是混凝土的。每浇筑1米左右，就砌1层大块的砖。墙体内沿圆周发8个大券，其中7个是壁龛，一个是大门。龛和大门也减轻了基础的负担。基础深4.5米，底厚7.3米。基础和墙的混凝土用凝灰岩和灰华石作骨料。       万神庙门廊高大雄壮，也华丽浮艳，代表着罗马建筑的典型风格。它面阔33米，正面有长方形柱廊，柱廊宽34 米，深15.5 米；有科林斯式石柱16 根，分三排，前排8 根，中、后排各4 根。柱身高14.18米，底径1.43 米，用整块埃及灰色花岗岩加工而成。柱头和柱础则是白色大理石。山花和檐头的雕像，大门扇、瓦、廊子里的天花梁和板，都是铜做的，包着金箔。直径为43.4米的万神庙大圆顶的世界纪录，直到1960年才被在罗马所建的直径达100米的新体育馆大圆顶打破。       外墙面划分为3层，下层贴白大理石，上两层抹灰，第三层可能有薄壁柱作装饰。下两层是墙体，第三层包住穹顶的下部，所以穹顶没有完整地表现出来。这大概是为了：第一，减少穹顶的侧推力的影响；第二，把墙加高，体型比较匀称；第三，当时还没有处理饱满的穹顶的艺术经验，也没有这样的审美习惯。       神庙本身正面也呈长方形，平面为圆形，内部为一由8 根巨大拱壁支柱承荷的圆顶大厅。这个古代世界最大的穹顶直径43.3 米，正中有直径8.92米的采光圆眼，成为整个建筑的唯一入光口。大厅直径与高度也均为43.3米，四周墙壁厚达6.2 米，外砌以巨砖，但无窗无柱。据说，万神庙是第一座注重内部装饰胜于外部造型的罗马建筑，但原有部分青铜与大理石雕刻失之于外国掠夺或移用于后建的罗马建筑，外部的瑰丽红石也已不翼而飞，失去昔日的风采。现唯神庙入口处的两扇青铜大门为至今犹存的原物，门高7米，宽而厚，是当时世界上最大的青铜门。 ４．《泰姬陵》 泰姬陵，全称为“泰吉·玛哈尔陵”。莫卧儿帝国著名建筑。在今印度距新德里200多公里外的北方邦的阿格拉 (Agra)城内，亚穆纳河右侧。莫卧儿帝国国王沙杰汗为他死去的皇妃蒙太姬修建的陵墓。公元1630年始建，1653年建成。它由殿堂、钟楼、尖塔、水池等构成，全部用纯白色大理石建筑，用玻璃、玛瑙镶嵌，绚丽夺目。有极高的艺术价值。是伊斯兰教建筑中的代表作。        1983年根据文化遗产评选 标准 excel标准偏差excel标准偏差函数exl标准差函数国标检验抽样标准表免费下载红头文件格式标准下载 C (I) 被列入《世界遗产目录》。评为遗产的报告：世界遗产委员会第7届会议报告。是北京时间2007年7月8日凌晨公布的“新七大奇迹”之一。泰姬陵百看不厌，它仍旧能使人惊讶。它在一天里不同的时间和不同的自然光线中显现出不同的特色。虽然它是一座陵墓，可它却没有通常陵墓所有的冷寂。相反你感到它似乎在天地之间浮动。它的和谐对称、花园和水中倒影融合在一起创造了令无数参观者惊叹不已的奇迹。估计有2万名工匠参与了泰姬陵的建造，历时22年才完成。据说一位法国人和一位威尼斯人参与了工程的部分工作。至今没有一位建筑师被记录肯定参与了陵墓的建造——这对这个建筑物是很适宜的，因为建造它的本意在于让人们只记住在陵墓里的人。        泰姬陵是用从322公里外的采石场运来的大理石造的，但它却不是有些照片里的那种纯白色建筑。成千上万的宝石和半宝石镶嵌在大理石在表面，陵墓上的文字是用黑色大理石做的。从一道雕花的大理石围栏上可以看到出色的手艺。阳光照射在围栏上时，它投下变化纷呈的影子。从前曾有银制的门，里面有金制栏杆和一大块用珍珠穿成的布盖在皇后的衣冠冢上（它的位置在实际埋葬地之上）。窃贼们偷去了这些珍贵的东西，许多人曾企图挖取镶嵌在大理石栏上的宝石，但泰姬陵的雄伟壮丽仍使人为之倾倒。        泰姬陵坐落在一个风景区内，庄严雄伟的门道象征着天堂的入口，上方有拱形圆顶的亭阁。原先这儿曾有一扇纯银的门，上面镶嵌着几百个银钉。这些东西都已被劫走，现在的门是铜制的。        关于沙贾汗想在朱木拿河的另一边为自己建一座同样的黑色大理石陵墓的传说似乎没有太多的真实性。他的儿子奥朗则布于1658年宣布为帝，并把他的父亲软禁在阿格拉一个城堡内达9年之久，一直到他去世。沙贾汗能从城堡远远眺望泰姬陵。后来他也被葬在泰姬陵。        泰姬陵代表了莫卧儿建筑成就的高峰。这种风格的陵墓竖立在一个底座上，上面饰有光塔，人们对它怀有和对清真寺同样的崇敬的心情。这种风格的纪念陵墓在印度北部发展并随之消失。        侯迈因在德里的陵墓于1564年动工，它是泰姬陵的雏形，牢固、威严而不是精致、黄雅。17世纪70年代奥朗则布在奥芝加巴德为他的妻子仿造了一座泰姬陵，可是它没有泰姬陵的魅力与和谐。德里的另一陵墓赛夫达贾之墓于1753年动工，被称为是“莫臣儿建筑最后的闪光”，然而它可不是一座人们尽力设法要运河看的建筑物。这些纪念陵墓都有一个标准的模式——一个大的洋葱形状的拱顶、水道、分成四部分的花有泰姬陵的建造者把这些东西融化在一起，创造出一座无与伦比的建筑。与孟加拉的总督威廉·本廷克爵士策划的阴谋相比，泰姬陵内珍贵财宝的失窃可谓微不足道。19世纪30年代，他谋划拆除当时疏于管理、杂草丛生的泰姬陵，把大理石运往伦敦出售。只是因为从德里红堡上拆下的大理石找不到买主，这个 计划 项目进度计划表范例计划下载计划下载计划下载课程教学计划下载 才作罢。后来，在1900年当了印度总督的柯曾重新修复了泰姬陵。        毫无疑问，泰姬陵是世界上完美艺术的典范。基本上由大理石建成的建筑毫无瑕庇，月光之下的泰姬陵更给人一种恍若仙境的感觉。她不仅表达了沙贾汗对爱妻的深切纪念，也是他给人类的一份厚礼。        泰姬陵是一座白色大理石建成的巨大陵墓清真寺，是莫卧儿皇帝沙贾汗为纪念他心爱的妃子于1631年至1648年在阿格拉而建的。泰姬陵是印度穆斯林艺术最完美的瑰宝，是世界遗产中令世人赞叹的经典杰作之一。        这座世界七大建筑奇迹背后其实有一段哀怨缠绵的历史，了解它的历史的背景，确能增加观赏泰姬陵的趣味。17世纪莫卧儿帝国皇帝沙杰汉为纪念其爱妃慕塔芝玛，动用了数万名工人，以宝石镶饰修建陵寝，图案之细致令人叫绝。泰姬陵最引人瞩目的是用纯白大理石砌建而成的主体建筑，皇陵上下左右工整对称，中央圆顶高六十二米，令人叹为观止。四周有四座高约四十一米的尖塔，塔与塔之间耸立了镶满三十五种不同类型的半宝石的墓碑。陵园占地十七公顷，为一略呈长形的圈子，四周围以红沙石墙，进口大门也用红岩砌建，大约两层高，门顶的背面各有十一个典型的白色圆锥形小塔。大门一直通往沙杰罕王和王妃的下葬室，室的中央则摆放了他们的石棺，壮严肃穆。泰姬陵的前面是一条清澄水道，水道两旁种植有果树和柏树，分别象征生命和死亡。 陵墓建筑在一座7米高、95米长的正方形大理石基座上，寝宫居中，四周各有一座40米高的圆塔。寝宫高74米，上部为一高耸的穹顶，下部为八角形陵壁。宫内墙上，珠宝镶成繁花佳卉，光彩照人。寝宫分五间宫室，中央宫室里置放着泰姬和沙贾的大理石石棺。陵墓的东西两侧屹立着两座形式相同的清真寺翼殿，用红砂石筑成。         泰姬陵建筑的艺术水平很高，集中了印度、中东及波斯的艺术特点。整座建筑体形雄浑高雅，轮廓简洁明丽。由于它坐落在具有一片常绿的树木和草坪的陵园内，在碧空和草坪之间，洁白光亮的陵墓更显得肃穆、端庄、典雅。 ５．《米洛斯的阿芙罗狄蒂》 古代希腊文化是西方文明的土壤，从美术角度来看，没有希腊美术就没有现在的西方美术史。从古罗马，从文艺复兴，从十七、十八、十九世纪的古典主义都可以看到希腊美术的深刻影响。灿烂的希腊美术经历了爱琴美术、荷马美术、古风美术、古典美术和希腊化美术五个不同的发展时期，《米诺斯的阿芙罗狄德》属希腊化时期的作品。是古代希腊美术进入高度成熟时期的经典之作。 阿芙罗狄德是希腊中爱与美的女神，在罗马神话中称维纳斯，她掌管人类的爱情、婚姻、生育和一切动植物的繁殖、生长。由于这尊大理石雕像在希腊的爱琴海域米洛斯岛被发现，因此被人们称为《米洛斯的阿芙罗狄德》。然而我们所看到的并不是远离人间的神，既模仿自然又超越自然的理想古典美的体现，难怪19世纪末法国著名的雕刻大师罗丹认为她是“奇迹中的奇迹”、“古典灵悟中的杰作，是理与情的结构，知与灵的合成”。虽然她的双臂已经残缺，但并不影响她的整体美感，无论人们从哪个方位欣赏，都能得到美的享受。     米洛斯的阿芙罗狄德，也称断臂维纳斯，是一尊古希腊爱美神的大理石塑像，高203厘米， 约完成于公元前130年，1820年在米洛岛上被发现，现藏于巴黎卢浮宫。虽然她的双臂已残缺，但并不影响她的整体美感，无论人们从哪个方位欣赏，都能得到美的享受。她体现着健美的青春活力和古希腊的人本主义精神，是一种模仿自然又超越自然的理想古典美。难怪著名雕刻家罗丹认为她是“奇迹中的奇迹”、“古典灵悟中的杰作，是理与情的结构，知与灵的合成＂． ６．《加莱义民》 1884年，当罗丹正埋头于《地狱之门》的创作时，加莱市当局邀请他制作一座忠魂碑。义民赴难这一事件，源出于法国的历史年鉴：14世纪百年战争时期，英国军队即将攻陷法国的加莱市，加莱市被英军围困将近两年，市民的生命危在旦夕。经过双方的谈判，英王爱德华三世提出残酷的条件：加莱市必须选出六个高贵的市民任他们处死，并规定这六个人出城时要光头、赤足、锁颈，把城门钥匙拿在手里，才可保全城市。这是法国人民永难忘怀的历史悲剧。加莱市本要求罗丹制作义民中的一个，但罗丹了解到历史后，答应只收一个雕像的报酬而塑造六个雕像。      《加莱义民》分为两组，前边三个一组，后边三个一组，他们身材相似，站立在一起。中间一个头发稍长，眼睛向下凝视的，是最年长，最有声望的欧斯达治，他迈着沉着的步伐向前走去，不看四周，也不迟疑和恐惧，他那刚毅的神情，显示了他内心的强烈悲愤与牺牲的决心。由于他的坚强，鼓动着其余的人。最右边站立的一个稍为年轻的人，皱起的双眉和紧抿的嘴流露着悲愤，两手紧握着城门钥匙，他茫然望着前方，似乎感到命运的不公平，在心中无声地抗议着。右边第三个义民，死亡使他恐怖，他用双手遮住眼睛，似乎想驱散恶梦，但仍不能避开这个悲剧的命运。左边第二个，内心表现出无比的愤怒，那举手向天的手势，不是祈祷，而是对上帝未能主持正义的谴责。他目光向下凝视，半开着的口似乎要说着什么。他身边的一个义民，年纪较轻，他似乎被迸发出的爱国热情所冲动，但由于想到转瞬间将离开人世，不免引起生离死别的悲愤情感，他蹙起眉头，摊开双手，表示无可奈何的神态。在他们身后的一个义民，两手抱头，陷入无比的痛苦之中。虽然后面的三个义民没有前面的那么坚定勇敢，但他们仍然为了全市人民作出自我牺牲，这种壮举同样值得尊敬。     群像富有戏剧性地被排列在一块象地面一般的低台座上。这六个义民的造型各自独立，然而其动势又相互联系着。组雕是一个整体，是一种充满着可歌可泣的义举形象的整体。罗丹以彻底逼近真实和深入探索的精神，尖锐的心理刻画和强烈的性格表现在震撼着人民的心。这件作品不论其结构，和就其对纪念性形象的理解，以及对英雄人文的阐述，都具有革新的意义，显示了罗丹艺术的辉煌不凡。 ７．《斜靠的女人体》  作者：亨利·摩尔，1896年出生于卡斯尔福德，1986年在马奇哈德姆去世。   英国现代雕塑家亨利·摩尔是20世纪西方最伟大的雕塑家，他在任何一本西方现代的艺术史中都占有相当大的篇幅。摩尔出身学院派，受当时巴黎超现实主义的影响，他认为所有的艺术在某种意义上都是抽象的。他一生中创作的作品可概括为三种题材：母与子、侧卧像和形体内外。他的人物和群像中显著的标志都是：穿透的。他让空间穿透雕塑，使空间成为实体的一部分，他是孔洞技术运用得最为成功最为完美的雕塑家。遗憾的是我们只能采用平面的方式来欣赏立体的雕塑，图中《斜倚的人体》是一座不朽的又近乎原始的雕像，简单穿透的团块形状，半抽象的形式，光滑的轮廓，富有生命力的象征，它仿佛非人力所为而更像自然力造就。艺术家深受古代和原始雕刻生命力的启示，从而复活了在石或木上直接雕刻率真质朴的传统，保留了自然材质固有特性的肌理，以内在强劲有力的心灵表现展现于开阔的天空下。作品就像是自己从大地中生长出来的生物，洋溢着与整个大自然息息相通的生命气息，既保持西方传统艺术精神，又具有现代审美品格。就雕塑从架上走到架下，从人造空间走向自然环境，这是摩尔最伟大的创造。摩尔终其一生，一直没有偏离对生命的关注，他只是采用了超现实主义的抽象变形手法，表达的永远是一种对生命的温和亲情。 ８．《行走的人》 奥古斯特·罗丹的《青铜时代》，这件他呕心沥血18个月才完成的作品，在沙龙第一次展出时，由于雕像高度写实，显得非常逼真，当时几乎所有观者都无法接受这件作品。一些评论家甚至“谴责”罗丹，说《青铜时代》是直接从真人身上翻铸出来的。为表明事实并非如此，罗丹拿出了模特照片以及铸造模板等证据。然而，这仍然不能改变很多评论家的看法。   罗丹决定让那些怀疑者相信，艺术家的双手能够塑造出逼真的人体。据说，罗丹在沙龙评委会和评论家面前，用了约半天时间塑造了一个雕像。在场的人，无一不被罗丹高超的技艺征服。于是，人们逐渐开始接受罗丹。那件雕像，也在之后20年时间里，被罗丹不断加工与修改，最终被命名为《行走的人》，成为他最著名的代表作之一。   《行走的人》中塑造的是一个人大步向前的动态。雕像没有头部和双臂，但在这残缺的躯干下，观者能感觉到作品中蕴涵的无穷动能，一人坚定地走在风云叱咤的大气里。可是如果我们仔细观察这一行走的动作，就会发现，这样的动作在现实中是不存在的。也就是说，这似乎违背了自然。然而，对于自然，罗丹始终将其奉为艺术家心中的女神，认为只有怀着对自然的恭敬之心，并真实表现自然的艺术家，才是真正优秀的。而那些为了愉悦人的眼睛，改变自然，将丑陋画成美丽的艺术家，完全是失败者。这个思想也在罗丹的作品《老娼妓》中集中体现出来。     《行走的人》也合乎于他所信奉的真实自然的法则。罗丹曾说“塑造只是表现外表；我却在外表之外，兼表内心，这当然也是自然的一部分。我看到的是全部的‘真’，不只是外表的‘真’。”真实的自然并不只是人们眼中的自然，更多的是艺术家心中的自然。罗丹的心中，行走是一段时间的动态，是一个完整的动作。他将行走的连串动作分别呈现在人体各个部位上，观者视线随之移动，产生雕像活动和行走的感觉。作品表达的是一段时间内的行走动作，而非我们行走的某个瞬间状态。所以，把罗丹雕塑说成是印象主义的，并不准确。事实上，要完美表现人体行走一连串动态的过渡，需要透彻了解各个动作的衔接关系。他有一套自己的方式，在研究人体时，总是让模特自由自在地在工作室里活动，而不是让他们机械地摆出某个造型。       另外，《行走的人》还展现了罗丹雕塑的一个重要创新之处——即注重材料自身的质感表达，这对后来的现代主义雕塑的发展有很大影响。在作品中，我们可以强烈地感受到创作者塑造材料的特殊手法，青铜在这种处理手法下所呈现出来的那种细腻、流动的质感。这与他接受了印象派画家的影响有关。罗丹也非常注重传统，致力于复兴古典雕塑的神韵。他的大理石雕塑《吻》与《思》等，包含了很多来自多那太罗和米开朗基罗的东西，米开朗基罗的那些未完成作品让罗丹心醉神迷。       当然，我们也可以说，罗丹本人就是一个行走的人，一个在西方雕塑史中，从古典走到现代的大师。他既是古典雕塑集大成者，又是现代雕塑的开创者，他是欧洲雕塑史上继菲迪亚斯与米开朗基罗之后的第三座高峰，他让沉睡了数个世纪的雕塑重新焕发了艺术活力。 ９《夜巡》 作品介绍：  此画可以说是伦勃朗艺术和生活的一个重要转折点。        此画是为阿姆斯特丹城射手连队画的一幅群像。射手们每人出一百弗罗仑(荷币),各自认为自己理所当然地与别人占在同等的位置。然而,伦勃朗却没有按照这些人的要求和趣味,把射手们安排在豪华的宴会或欢快的娱乐中,去表现每个人物的多少带有些做作的豪情和风姿,如哈尔期常做的那样更没有把众多的人物并列起来,仅仅作为肖像来画。画家为了不便众多的人物捆塞在画面,对构图进行了精心设计,尽量使每个人都能看见又安排和错落有致,同时还使中心人物斑宁。柯克中尉及副手极为突出。此画的光和色彩的表现也是令人惊叹的。原画表现的是白天,因长期烟薰,颜色变黑人们误称为"夜巡"。这幅杰出的艺术佳作却满足不了枪手们的趣味而导致画家迅速步入不幸之中! 作者介绍：   伦勃朗生于荷兰莱顿，父亲是磨坊主，母亲是面包师的女儿。伦勃朗14岁进莱顿大学；17岁去阿姆斯特丹向历史画家拉斯特曼学画；1627年21岁时已经基本掌握油画、素描和蚀刻画的技巧并发展了自己的风格，回家乡自己开画室招徒作画，期间画了许多自画像；1631年离开莱顿去阿姆斯特丹，30年代就成为阿姆斯特丹的主要肖像画家。他的肖像画风格人物安排具有戏剧性，深深打动人心，他以神话和宗教故事为题材的作品供不应求。他对戏剧很感兴趣，经常利用如同舞台高光的亮色描绘在阴暗背景下的人物。50年代后，他的画更为宽阔有力，利用迭色使画面更加有立体感。         伦勃朗因为把艺术,名誉和自由看得比金钱更重要而不愿迎合资产阶级和小市民那种平庸的艺术趣味而降低作品的艺术性,不愿放弃自己的美学观点和表现手法,因此而得罪了那些没有丝毫艺术欣赏力的订画者,在生活上很快沦为贫民,而且从此不再收到他们的订单了。 １０．《荷拉斯兄弟的宣誓》 这幅画原是1784年国王路易十六的订件。达维特没有按照统治者的意愿去画，而是加强英雄人物的刚毅决心。荷拉斯，是古罗马时代的一个家族。古罗马在建立共和制的历史时期，罗马人曾与比邻伊特鲁里亚的古利茨亚人发生战争，但是双方的人民却有着亲密的通婚关系。为了避免一场大规模的流血厮杀，双方统领达成协议，各选出三名勇士来进行格斗，以胜败来判定罗马城与阿尔贝城的最高统治权属谁。格斗以罗马的荷拉斯三兄弟战胜而告终。这个题材，早在17世纪就被法剧作家高乃依写过，它的主题思想是个人感情要服从国家利益。     画家在这里表现了荷拉斯正送自己三个儿子奔赴战场，为祖国而战的时刻，他把剑握在手里，准备分发给他们。分发之前，三兄弟伸出右手向宝剑宣誓。年迈的荷拉斯举起右手，表示祝愿，祝他们旗开得胜！这时三兄弟向武器庄严地喊出“不胜利归来， 就战死在沙场！”     画面的右角，是三勇士的母亲、妻儿和姐妹。母亲担心这次出征凶多吉少，哀痛得心如刀绞；一个女人搂着自己的孩子泣不成声；而勇士的那个姐妹（最右侧一个）的心情，此时更为复杂，她已经许嫁了古利茨亚人，双方的厮杀将对自己的命运产生巨大的影响，不论何方死伤，都将是自己的不幸。画家在这里采用多侧面揭示人物心理状态的手法，使这幕悲壮的戏剧场面具有丰富的可读性。妇女的哭泣与前面三个勇士的激昂气概，形成了鲜明的对照，从而更加强了主题的思想性。     画上三组人物，老父亲居正中，构图显得稳定。这场宣誓，激情的焦点是在父亲手中的刀剑上。背景是三个带有多立克柱式（也译多利亚柱式）的拱门，它与前面三组人物相适应，使人物、环境显得更加庄严。他们为了民族兴亡，为了罗马的共和制，将牺牲个人和家庭的幸福，这是多么可歌可泣！当这幅画在罗马完成时，在意大利立即产生了强烈反应。接着，画家又于1789年完成了另一幅杰作《布鲁特》，两幅画同时在巴黎展出时，法国画坛的反应也很强烈。在这种政治局势极度敏感的时期，达维特的艺术受到了革命政党的注意。     不久，达维特加入了资产阶级左翼的雅各宾党，并很快成为该党领袖罗伯斯比尔的战友，后又被选为国民议会的议员，担任了议会的主席。这个时期的达维特，象有一把火照亮着他自己，这把“火”正是巴黎发生的革命暴动。他的另一幅名作《马拉之死》，也是在这种火把照亮下完成的佳作。此画作于1784年。 背景说明     法国大革命时期的美术，作为时代的一面镜子，它所反映的生活是曲折的。资产阶级为了推翻封建专制制度，要利用美术这一艺术形式来为他们制造革命舆论。可是占统治地位的宫廷美术趣味，依然严重限制着画家们的思想。在上一世纪的古典主义题材中，是找不到为他们的斗争所需要的英雄主义精神的；在夏尔丹、格瑞兹的画上，也很难发现能从心理上扶植为革命而斗争的美德和勇气的东西。资产阶级仍然只能从古希腊罗马的历史中，寻找适合他们作为行动典范的共和主义英雄题材，来为他们当时一触即发的法国资产阶级革命服务。因此，画史上管这种古典主义绘画叫“新古典主义”，达维特这一幅《荷拉斯兄弟的宣誓》，就是这种绘画的代表作之一。     雅克·路易·达维特（1748～1825）出身于巴黎一个中产阶级家庭，10岁时失去父亲，由其叔父和建筑师德麦戎抚养。他最初的老师是他的一位亲戚--洛可可画家布歇，后来又拜在皇家美术院教授维恩的门下。毕业时因创作获罗马大奖，赴意大利游学，在那里他爱上米开朗基罗、拉斐尔的作品。他认为意大利文艺复兴的美术才是近代画家的学校，近代美术取之不尽用之不竭的源泉。他回到法国后，很快接受了狄德罗的激进思想，对封建王朝的腐朽现象深恶痛绝。当资产阶级革命的风暴即将来临时，他便以古代英雄为题材，创作了这幅《荷拉斯兄弟的宣誓》。 １１《自由引导人民》 《自由引导人民》（又名《1830年7月28日》）是法国浪漫主义绘画杰出代表德拉克洛瓦的作品。这幅画取材于1830年法国7月革命事件。1815年拿破仑下台后，逃亡国外的路易十八重返法国当国王，这就是“波旁王朝”的复辟，封建势力重新猖獗。1830年7月，路易十八的继承人查理十世企图进一步限制人民的选举权和出版自由，宣布解散议会。巴黎市民闻讯纷纷起义。他们拿起武器，走向街垒，为推翻这个复辟的波旁王朝浴血奋战，最后占领了王宫，查理十世逃亡英国。《自由引导人民》这幅画所展示的硝烟弥漫的巷战场面，正是表现了巴黎市民英勇战斗的情景。引导他们前进的是一个“自由女神”的形象，她一手拿枪，一手高举大革命时期的三色旗，成为画面构图的中心。紧跟她前后左右的是工人、市民、孩子、学生等。他们手持武器，踏着血迹和尸体奋勇前进。硝烟弥漫的背景中隐约出现巴黎圣母院教堂的轮廓。整幅画气势磅礴，色彩与明暗对比强烈，结构紧凑，用笔奔放，充分展现了浪漫派绘画的风格特点，具有强烈的感染力。 １２《格尔尼卡》 油画《格尔尼卡》，是毕加索作于20世纪30年代的一件具有重大影响及历史意义的杰作。此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作。画中表现的是1937年德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的暴行。作为一个具有强烈正义感的艺术家，毕加索对于这一野蛮行径表现出无比的愤慨。他仅用了几个星期便完成这幅巨作，作为对法西斯兽行的遣责和抗议。 创作背景 西班牙杰出画家、法国现代画派的主要代表毕加索，1881年出生于西班牙一个图画教师的家庭，1904年定居巴黎。他最初的画比较写实，绘画的主题主要是对乞丐、流浪艺人、演马戏者等人物的深切同情；后来他从形式上求奇异，成了立体派的代表人物。所谓立体派，是把物体分割成各种几何形体，然后再重叠、堆砌在一个平面的画幅上，因此完全改变了物体原有的形态，他创作的油画《格尔尼卡》就是他的代表作。   1937年，西班牙的格尔尼卡小镇为德国法西斯空军夷为平地，他闻讯后极为愤慨，就为巴黎世界博览会西班牙馆画了《格尔尼卡》这幅壁画，对法西斯暴行表示强烈抗议。此画结合立体主义、现实主义和超现实主义风格表现痛苦、受难和兽性：画中右边有一个妇女举手从着火的屋上掉下来，另一个妇女冲向画中心；左边一个母亲与一个死孩；地上有一个战士的尸体，他一手握剑，剑旁是一朵正在生长着的鲜花；画中央是一匹老马，为一根由上而下的长矛刺杀，左边有一头举首顾盼的站着的牛，牛头与马头之间是一只举头张喙的鸟；上边右面有一从窗口斜伸进的手臂，手中掌着一盏灯，发出强光，照耀着这个血腥的场面。全画用黑、白与灰色画成。这幅画描绘了西班牙小镇格尔尼卡遭德军飞机轰炸后的惨状。 毕加索自己曾解释此画图像的象征含义，称公牛象征强暴，受伤的马象征受难的西班牙，闪亮的灯火象征光明与希望……。当然，画中也有许多现实情景的描绘。画的右边，一个妇女怀抱死去的婴儿仰天哭号，她的下方是一个手握鲜花与断剑张臂倒地的士兵。画的左边，一个惊慌失措的男人高举双手仰天尖叫，离他不远处，那个俯身奔逃的女子是那样地仓惶，以致她的后腿似乎跟不上而远远落在了身后。这一切，都是可怕的空炸中受难者的真实写照。 在这里，毕加索仍然采用了剪贴画的艺术语言。不过，画中那种剪贴的视觉效果，并不是以真正的剪贴手段来达到的，而是通过手绘的方式表现出来。那一块叠着另一块的“剪贴”图形，仅限于黑、白、灰三色，从而有效地突出了画面的紧张与恐怖气氛。 １３《神奈川冲浪图》 《神奈川冲浪图》（锦绘）葛饰北斋（日本）／作 画家有意把视点压得很低，突出了描绘的主要对象——浪涛，它占据了画面的绝大部分。渔夫和船只完全置于巨浪腹部，似乎成了浪涛的一部分。巨浪的呼啸与远处的富士山的安详又形成了强烈的动与静的对比，浪花的表现更渲染出画面的紧张气氛。出人意料的构图、瞬间即逝的千恣百态，呈现出令人目眩的丰富表情。作者通过这些手段不仅表现了人与大自然的抗争，并以此象征着日本民族的精神和气节，充满着哲理和深刻的寓意。葛饰北斋（1760－1849）是浮世绘的主要代表画家，在晚期浮世绘中历来被认为具有创造性的领域是风景版画，葛饰北斋是最早在浮世绘风景版画中取得成功的画家。 １４《伏尔加河的纤夫》 作品赏析      《伏尔加河的纤夫》是列宾的代表作也是他的成名作。        还在学生时代,彼得堡涅瓦河上纤夫的沉重劳动引起了列宾的同情,从那时候开始,他就想描绘一幅表现纤夫的作品,以提示下层劳动人民的痛苦生活和社会的不平。 1870年夏季,列宾与同班同学华西里耶夫(他后来也画过有关纤夫的画)去伏尔加河旅行写生,典型的俄罗斯风光和纤夫的生活给他留下了难忘的印象。        为了创作这幅画，列宾花了3年时间，作了两次伏尔加河之行，和纤夫们交朋友，对纤夫生活作了长时间的观察，进行了大量的观察和写生，最后终于完成这幅的享誉世界的佳作，具有强烈的现实主义精神。        在这幅画的构图上，列宾利用了沙滩的地形和河湾的转折，使十一个纤夫犹如一组雕像，被塑造在一座黄色的、高起的底座上。在画面上又对伏尔加河的景色进行了巧妙的布局，使这幅画具有宏伟深远的张力，画中的背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤独、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现，情感的的烘托起了极大的作用。 因此本画的构图、线条、笔力等绘画技巧都是相当成功的。        被烈日炙烤的焦黄的河岸上，一队蓬首垢面、衣衫褴褛的纤夫拖着沉重的脚步拉着货船，在酷日下精疲力竭的向前挣扎。他们中有老有少，个个都衣着破烂、面容憔悴。领头的是一位胡须斑白的老者，眼睛深陷，坚毅的面孔透出饱经风霜的智慧，但愁苦的表情仍然显示了他对于艰苦生活的无奈。        走在最后的纤夫低着头垂着手，麻木地随着队伍向前挪动，似乎已经习惯了这样日日苦役般的生活。队伍中还有一个较为突出的形象，是处在队伍中部的一位少年，可以看出他才开始这样的工作不久，皱着眉头还不太习惯，他直起腰想用手松一松肩头紧勒的纤绳，毕竟年轻，还不甘心忍受这样的苦楚。其余的纤夫都弯着腰低着头，似乎已没有多余的力气再来表现点什么，在他们身上剩下的，惟有贫苦、艰难与无奈。        在这幅反映纤夫苦难生活的画里，与其说是人与自然在搏斗，不如说是人在与残酷无情的黑暗命运和社会搏斗。 作者简介：        列宾(1844-1930),是俄国19世纪后期的俄国批判现实主义绘画主要的代表之一          列宾在所有作品的创作中，总是认真写生，寻求最具典型性的环境和人物形象，一丝不苟地描绘、推敲，因而他的作品显得极为生动感人，为俄国风俗画增添了新的语言，被誉为俄罗斯社会生活的真实写照，十月革命后，列宾居住的故乡——俄国边境省份哈尔科夫省的楚古耶夫镇，因签署“苏芬条约”划为芬兰领土。列宁曾多次写信请他回到祖国，但终因年老力衰而未能成行，直到1930年9月病逝故乡。    １５文艺复兴三杰及其代表作品 文艺复兴是欧洲历史上一场伟大的文化思想运动，中世纪晚期，资本主义萌芽渐渐在欧洲的城市中发展起来，在这种形势下，希腊罗马的文明日益受到重视，意大利新一代文化人就在这一阶段使古希腊罗马的黄金时代重获生命，得到复兴。５文艺复兴三杰及其代表作品 文艺复兴三杰分别是达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔 达·芬奇：意大利文艺复兴时期画家，科学家。生于佛罗伦萨郊区芬奇镇，1519年5月2日卒于法国昂布瓦斯附近。达·芬奇15岁开始在画家A.del韦罗基奥的作坊学艺。1472年入画家行会。15世纪70年代中期个人绘画风格逐渐成熟。1482～1499年居留法国，除为米兰公爵服务外，还从事其他艺术和科学活动。这期间他的绘画作品不多，但《岩间圣母》、《最后的晚餐》则是他的代表作。1500年出游曼图亚和威尼斯等地。1506年回到佛罗伦萨，创作《圣母子与圣安娜》和《蒙娜丽莎》，还着手为市政厅绘制壁画。1507年再去米兰，并服务于法国宫廷。1513年移居罗马，1516年又到法国，最后定居昂布瓦斯。晚年极少作画，潜心科学研究，死后留下大量笔记手稿，内容从物理、数学到生物解剖，几乎无所不包。他一生完成的绘画作品并不多，但件件都是不朽之作。其作品具有明显的个人风格，并善于将艺术创作和科学探讨结合起来，这在世界美术史上是独一无二的。 拉斐尔（1483～1520） Raphael 意大利画家。1483年4月6日生于乌尔比诺 ，1520年4月 6日卒于罗马 。原名拉法埃洛·圣乔奥 。自幼随父（乌尔比诺公爵的宫廷画师）学画，后又转入佩鲁吉诺门下，1500年出师。 拉斐尔早期作品就显露出非凡的天才。21岁时画的《圣母的婚礼》不仅表明他充分吸收了佩鲁吉诺的艺术精华，而且后来居上，无论构图与形象塑造都有所创新。尤其是画面的平衡，背景的描绘，圣母玛利亚及其夫约瑟形象的端庄、文雅，均为前辈画家作品中所罕见。 米开朗基罗·博那罗蒂  (Michelangelo Bounaroti, 1475－1564)，意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家和建筑师，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。   1475年3月6日生于佛罗伦萨附近的卡普莱斯，父亲是奎奇市和卡普莱斯市的自治市长。他13 岁进入佛罗伦萨画家基尔兰达约（Ghirlandaio）的工作室，后转入圣马可修道院的美第奇学院作学徒。1496年，米开朗基罗来到罗马，创作了第一批代表作《酒神巴库斯》和《哀悼基督》等。1501年，他回到佛罗伦萨，用了四年时间完成了举世闻名的《大卫》。1505年在罗马，他奉教皇尤里乌斯二世之命负责建造教皇的陵墓，1506年停工后回到佛罗伦萨。1508年，他又奉命回到罗马，用了四年零五个月的时间完成了著名的西斯廷教堂天顶壁画。1513年，教皇陵墓恢复施工，米开朗基罗创作了著名的《摩西》、《被缚的奴隶》和《垂死的奴隶》。1519－1534年，他在佛罗伦萨创作了他生平最伟大的作品——圣洛伦佐教堂里的美第奇家族陵墓群雕。1536年，米开朗基罗回到罗马西斯廷教堂，用了近六年的时间创作了伟大的教堂壁画《末日审判》。之后他一直生活在罗马，从事雕刻、建筑和少量的绘画工作，直到1564年2月18日逝世于自己的工作室中。   米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征。他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。米开朗基罗的艺术不同于达·芬奇的充满科学的精神和哲理的思考，而是在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情。这种悲剧性是以宏伟壮丽的形式表现出来的，他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反应。这些都使他的艺术创作成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。 １６印象主义与后印象主义 印象主义艺术 印象派运动可以看作是19世纪自然主义倾向的巅峰，也可以看作是现代艺术的起点。印象主义绘画专注外光画，主题的作用被弱化了，而且把兴趣扩大到从前认为难以处理的题材。印象主义绘画以再现自然对象瞬间的光色关系为目的，它基本上属于一种图绘的风格，从这个意义上说，印象主义是巴罗克风格的发展，是写实主义视觉实验的延伸，是文艺复兴以来"再现性"传统绘画发展的极至。前期印象派的大师人物主要有莫奈、德加和雷诺阿。     后印象主义 19世纪末，一些曾受到印象主义鼓舞的画家开始反对印象主义。他们的创作超越了印象主义有限的光色表现。他们不喜欢印象主义者在描绘大自然转瞬即逝的光色变幻效果时，所采取的过于客观的态度。他们主张，艺术形象要有别于客观物象，同时饱含着艺术家的主观感受。后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统，启迪了两大现代主义艺术潮流，即强调结构秩序的抽象艺术(如立体主义、风格主义等)与强调主观情感的表现主义(如野兽主义、德国表现主义等)。所以，在艺术史上后印象主义被称为西方现代艺术的起源。其主要代表大师是塞尚、凡·高和高更 １７现代主义（立体主义、野兽派、抽象主义、德国表现主义、超现实主义等） 立体主义是西方现代艺术史上的一个运动和流派，又译为立方主义，1908年始于法国。立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面——以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。艺术家以许多的角度来描写对象物，将其置于同一个画面之中，以此来表达对象物最为完整的形象。物体的各个角度交错迭放造成了许多的垂直与平行的线条角度，散乱的阴影使立体主义的画面没有传统西方绘画的透视法造成的三度空间错觉。背景与画面的主题交互穿插，让立体主义的画面创造出一个二度空间的绘画特色。   立体主义开始于1906年，由乔治‧布拉克与帕布洛‧毕加索所建立， 野兽主义(Fauvism)是自1898至1908年在法国盛行一时的一个现代绘画潮流。它虽然没有明确的理论和纲领，但却是一定数量的画家在一段时期里聚合起来积极活动的结果，因而也可以被视为一个画派。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，往往用直接从颜料管中挤出的颜料，以直率、粗放的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。野兽主义得名于1905年巴黎的秋季沙龙展览，当时，以马蒂斯为首的一批前卫艺术家展于同一层厅的作品，引起轩然大波。有人形象地将这些画称作“一罐颜料掼在公众的面前”。而那位后来创出“立体主义”名称的《吉尔·布拉斯》杂志的记者路易·沃塞尔，则突发灵感地想到了这一恰也合适的名称。他在那个被刺目的色彩弄得喧嚷不已的展厅中央，发现马尔凯(Albert Marquet)所作的一件具有文艺复兴风格的小型铜像，不由得惊叫起来：“多那太罗被关在了野兽笼中!”(多那太罗是意大利文艺复兴时期杰出雕塑家)。不久，这一俏皮话便在《吉尔·布拉斯》杂志登出，而“野兽主义”的名称也很快被广泛地认同。翌年当“笼子”里的“野兽”倾巢而出，举行一个接一个惊人的展览时，野兽主义则已是影响巨增，势头高涨了。这一初含讽刺意味的名称，后来也逐渐失去了它的贬义。 抽象表现主义(Abstract Expression)又称抽象主义，或抽象派。二战后直到20世纪60年代早期的一种绘画流派。抽象派这个字第一次运用在美国艺术上，是在1946年由艺术评论家罗伯特·寇特兹Robert Coates所提出的。"抽象表现主义"这个词用以定义一群艺术家所做的大胆挥洒的抽象画。他们的作品或热情奔放，或安宁静谧，都是以抽象的形式表达和激起人的情感。 ◎特点 认为艺术是抽象的，且主要是即席创作的。     从技巧上说，抽象派的最重要的前身通常是超现实主义。超现实主义强调的无意识，自发性，随机创作等概念，在后世被杰克逊·波洛克随意溅滴在地板上的油彩画作不断运用。一般认为，波洛克是以马克思·爱伦思特Max Ernst的作品为学习对象的。     抽象派之所以能自成一派，原因在于它表达了艺术的情感强度，还有自我表征等特性。这跟表现主义反具象化美学，和欧洲一些强调抽象图腾的艺术学校：如包豪斯，未来派，或是立体主义等，都有呼应。抽象派的画作也往往具有反叛的，无秩序的，超脱于虚无的特异感觉。 超现实主义（surrealism）是在法国开始的文学艺术流派，源于达达主义，并且对于视觉艺术的影响力深远。于1920年至1930年间盛行于欧洲文学及艺术界中。探究此派别的理论根据是受到佛洛依德的精神分析影响，致力于发现人类的潜意识心理。因此主张放弃逻辑、有序的经验记忆为基础的现实形象，而呈现人的深层心理中的形象世界，尝试将现实观念与本能、潜意识与梦的经验相融合。超现实主义给传统对艺术的看法有了巨大的影响。也常被称为超现实主义运动。或简称为超现实。     超现实主义艺术家主要有卢梭（H.T.Rousseau）、米罗(joan miro)、达利(salvador dali)、恩斯特(m.ernst)、马格利特(r.magritte)等人。 米罗的创作表现方式是有意的打乱知觉的正常秩序，在直觉式的引导下，用一种近似于抽象的语言来表现心灵的即兴感应。因此在它的作品中会有象征的符号和简化的形象，使作品带有一种自由的抽象感，也有儿童般的天真气息。主要的作品有《向鸟投石子的人》、《荷兰式家居室内》等。 达利相较与米罗，他采用相反的表现手法。达利认为艺术家要将潜意识的形象精确第纪录下来，所以他采用“具象”，精确地复制非正常逻辑思维产生的幻象，把毫不相干的事物全部组合在一起，使画面中充满戏剧效果，带给人视觉与新心灵的震撼。主要作品有《永恒的记忆》、《内乱的预感》等。 二、专项部分（20%） 注：考生需掌握相对应项目的测试内容与要求。 （一）中国画（中国画考生测试内容与要求） 1． 认识中国画的种类及其特点。 中国画按题材分可分为山水、人物、花鸟等三大类。按表现形式分可分为工笔、写意两种。 （具体） 中国画在表现内容方面分类: 中国画通常以山水、花鸟、人物三大类划分。如果作进一步划分的话，中国画的门类就很多。历史上不同的时期都曾对中国画作过分类，但都难以切地表达。以下是比较流行的几种分类： 一、宋《宣和画谱》中分为道释、人物、宫室、番族、龙鱼、山水、兽畜、花鸟、蔬菜。 二、南宋邓椿《画继》中分为仙佛鬼神、人物传写、山水竹石、花竹翎毛、畜兽虫鱼、屋木舟车、蔬果药草、小景杂画。 三、明陶宗仪《辍耕录》中分为佛菩萨像、玉帝君王道像、金刚鬼神罗汉圣僧、风云龙虎、宿世任务、全境山林、花竹翎毛、野驴走兽、人间动用、界画楼台、一切旁生、耕种机织、雕青嵌绿。 按照艺术的手法来分类: 中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。 特点：  学习中国画，首先应了解中国画的特点是什么 一、首重立意胸有成竹- -中国画的构思 中国画创作，以立意为先，许多绘画理论家都首先强调这一点，不管是画山水、画人物、还是画花鸟。 唐代张彦远在《历代名画记》中有一段关于"六法"的论述："夫象物必在于形似，形似须全其骨气。骨气形似．皆本于大意而归乎用笔。"他认为立意在完．画中才能有变态、有奇意。 宋代以画梅花著名的华光和尚，法号仲仁，传为华光著作的《画梅指迷》中，有一段"画梅全决"， 开头就是"画梅全决，生意为先"。到了清代的方薰，著有《山静居画论》．在这里也强调了立意与作画之关系，他说："作画必先立意以定位置，意奇则奇，意高则高，意远则远，意深则深，意古则古"。他认为平庸者作画必平庸，俗气者作画也俗气，因为缺乏画家最宝贵的"立意"，所以作品平庸。 意人利文艺复八时期的画家达·芬奇，也有近似的近在他曾说："一个画家应当描绘两件最主要的东西，人和人的思想意图。"这与我国晋代人物画家顾消之所提出的"巧密于精思"是十分一致的。 "意"是从哪里来的？      一是画家对现实生活的丰富体察、创作经验的充分积累；另一点便是画家本人的修养，这样在创作之先，画什么，怎么画，在头脑中形成了成熟的构思。 宋代画家文与可，别人称赞他"胸有成竹"，即在他没有落笔画竹之前，头脑中已经有了竹子的形象，在胸中、笔下跃跃欲出，这时便能落笔而就。"'胸有成竹"遂成为我国赞誉善于计划安排事情的成语。 在张彦远提出的"立意"之前，南产时代的谢赫即有'创意"、'明意"之说。创意之画，不落陈套，用意精当，借景以生境，笔少而意多，在这一意义上讲作为一个画家，不仅要在平时注意练笔、锤炼个人的表现技巧，更为重要者，还要认真地加强练意之功。很多习画者，常常只是注意在练笔上下功夫，而忽略了练意，这是值得注意的。 二、以线造型以形传神——中国画的造型规律 中国画是以线存形的，通过线勾出轮廓、质感、体积来。德国的诗人歌德称美术有用光表现得神态活现的那种本领，说明西洋画用光为造型手段之一。但中国画主要是以线为造型之基础，这就使中西绘画在造型手段上有明显之分野，但这并非说西洋画完全排斥用线，而是说光可以作为绘画的主要语言而用于绘画的。法国的罗丹曾经强调过："一根规定的线通贯着大宇宙"，是说造型艺术从宇宙如何分割出来的问题，也并非以此作为绘画的主要表现手段来看待。而中国画无论对山水的破线或是衣服的纹线，都积累了非常丰富的线型，巧妙地描绘着各种形象。 "以形写神"是晋代画家顾恺之的一句名言，从而确立了中国艺术神高于形的美学观。它与纯以抽象性为高的近代欧洲美学观具很大的区别，即画人不仅仅于形似．还要升高于神似，画出人的精神面貌，不停止于外形之模拟，不拘泥于自然之真实，这一论见为艺术家建立起艺术应竭力企求之高度，在这一理论指导下，历代出现许多传神写照的佳作，成为指导绘画的一个重要准则。 三、多点透视 计白当黑——中国画的构图法则 中国画既用焦点透视法，也用散点透视法，既有严守真实的画面空间和布白．也有打破真实按构图需要而平列的空间和布白，这样就使物象在画面出现时，可以按实物在画面上的艺术需要．伸长或缩短变化其形象，更换其位置。一株低于视平线的牡丹花．也可架高于祝平线之上，而取得透视的最佳效果。    中国画在空白处尤其注意经营，常常借用书法上的计白当黑．即没有画面的部位要象有画面的部位一样作认真的推敲和处理。 四、随类赋彩色彩相和- -中国画的色彩法则 中国画的色彩，不拘泥于光源冷暖色调的局限，比较重视物体本身的固有色，而不去强调在特殊光线下的条件色。画那一件物品，就赋予那一件物品的基本色，达到色与物、色与线、色与墨、色与色的调和。 五、情景相生气韵生动- -中国画的意境 中国画要求笔与墨合，情与景合、现实中无限丰富的景象，绘画家以强烈的形象感染力。画家凭借着这种感受，激起描绘这些景象的激情，于是作品作为情景相生的复写而重现，使情景交融在一起。 至于气韵生动，即是画家所创造的艺术灵境，不同于一般的写生画，应成为富有生气，新鲜而活泼，有诗一般的韵味，使观者神往无穷。如果没有表现出如此生动、如此韵味丰富的内涵，当然，就不能给予人这一些感受，而达不到中国画富有引人入胜的意境。 六、诗书画印纸笔- -中国画的独特形式   可以说只有中国画，才有题字盖印的做法，不仅文人画，可以显示其诗、书、画三绝之长，即是一般的画作，也总要题字盖印，这样才有传统艺术的浓厚风味。 题字和诗句，可以提高或补充观者对作品的欣赏和理解，也丰富了构附的变化，起到互相衬映，互为显彰，点缀与平衡构图的多方面作用。 中国画的工具和材料之性能，也决定着中国画的特色。中国画是运用绢和纸作画，特别是生宣纸的出现，更加发挥了笔趣和墨彩。宣纸的渗性，毛笔的尖锥，使得笔锋无穷变化，产生出奇妙的效果。同时形成了各种效法和描法，画法和笔法。 2． 了解中国画的基本技能及透视特点，理解中国画用水、用墨、用色、用笔的方法及审美特质。 从中国画画的技巧上可分为粗笔（泼墨）、细（工）笔、写生、写意、皴法、白描、没骨、指头画等。 写意山水中用笔的基本技法有：“勾，皴（cun），擦，点，染”五种 用墨的基本技法有：“浓、淡、干、湿、焦”五种 1．泼墨法：水墨泼纸，自然渗化，效果淋漓、酣畅。 2．宿墨法：将墨汁风干后，再用清水泡开使用。 3．破墨法：第一笔未干时，便画第二笔，使水墨交融、合二为一。 4．积墨法：从淡到浓，层层复勾，层层积染，其要点是第一遍未干时再加一遍，后一遍应为前一遍的补充，切不可是前一遍的重复。 5．洗墨法：墨在纸上未干时，用水清洗。 中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。 3． 了解中国画的意境及其表现方法。 中国画意境，就是画家通过描绘景物表达思想感情所形成的艺术境界。它能使欣赏者通过联想产生共鸣，思想感情受到感染。绘画是否具有意境，这是作品成功与否的重要因素。 国画在世界美术领域中自成体系。大致可分为；人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置；取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点透视。有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装潢之。人物画从晚周至汉魏、六朝渐趋成熟。山水、花卉、鸟兽画等至隋唐之际始独立形成画科。五代、两宋流派竞出，水墨画随之盛行，山水画蔚成大科。文人画在宋代已有发展，而至元代大兴，画风趋向写意；明清和近代续有发展，日益侧重达意畅神。在魏晋、南北朝、唐代和明清等时期，先后受到佛教艺术和西方绘画艺术的影响。中国画强调“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，画尽意在”，强调融化物我，创制意境，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。由于书画同源，以及两者在达意抒情上都和骨法用笔、线条运行有着紧密的联结，因此绘画同书法、篆刻相互影响，形成了显著的艺术特征。作画之工具材料为我国特制的笔、墨、纸、砚和绢素。近现代的中国画在继承传统和吸收外来技法上，有所突破和发展。 （二）西画（西画考生测试内容与要求） 1． 认识西方绘画的种类及其特点。 西画--西方绘画，主要指欧美地区 包括油画，素描，版画，水粉画，水彩画，丙烯画，色粉画等写实绘画。 东西洋文化，根本不同。故艺术的表现亦异。大概东洋艺术重主观，西洋艺术重客观。东洋艺术为诗的，西洋艺术为剧的。故在绘画上，中国画重神韵，西洋画重形似。两者比较起来，有下列的五个异点： (一)中国画盛用线条，西洋画线条都不显著。线条大都不是物象所原有的，是画家用以代表两物象的境界的。例如中国画中，描一条蛋形线表示人的脸孔，其实人脸孔的周围并无此线，此线是脸与背景的界线。又如画一曲尺形线表示人的鼻头，其实鼻头上也并无此线，此线是鼻与脸的界线。又如山水、花卉等，实物上都没有线，而画家盛用线条。山水中的线条特名为“皴法”。人物中的线条特名为“衣褶”。都是艰深的研究工夫。西洋画就不然，只有各物的界，界上并不描线。所以西洋画很像实物，而中国画不像实物，一望而知其为画。盖中国书画同源，作画同写字一样，随意挥洒，披露胸怀。19世纪末，西洋人看见中国画中线条的飞舞，非常赞慕，便模仿起来，即成为“后期印象派”。但后期印象派以前的西洋画，都是线条不显著的。 (二)中国画不注重透视法，西洋画极注重透视法。透视法，就是在平面上表现立体物。西洋画力求肖似真物，故非常讲究透视法。试看西洋画中的市街、房屋、家具、器物等，形体都很正确，竞同真物一样。若是描走廊的光景，竞可在数寸的地方表出数丈的距离来。若是描正面的(站在铁路中央眺望的) 铁路，竞可在数寸的地方表出数里的距离来。中 国画就不然，不欢喜画市街、房屋、家具、器物等立体相很显著的东西，而欢喜写云、山、树、瀑布等远望如天然平面物的东西。偶然描房屋器物，亦不讲究透视法，而任意表现。例如画庭院深深的光景，则曲廊洞房，尽行表示，好似飞到半空中时所望见的；且又不是一时间所见，却是飞来飞去，飞上飞下，几次所看见的。故中国画的手卷，山水连绵数丈，好像是火车中所见的。中国画的立幅，山水重重叠叠，好像是飞机中所看见的。因为中国人作画同作诗一样，想到那里，画到那里，不能受透视法的拘束。所以中国画中有时透视法会弄错。但这弄错并无大碍。我们不可用西洋画的法则来批评中国画。 (三)东洋人物画不讲解剖学，西洋人物画很重解剖学。解剖学，就是人体骨骼筋肉的表现形状的研究。西洋人作人物画，必先研究解剖学。这解剖学英名曰anatomy for art students，即艺术解剖学。其所以异于生理解剖学者，生理解剖学讲人体各部的构造与作用，艺术解剖学则专讲表现形状。但也须记诵骨骼筋肉的名称，及其形状的种种变态，是一种艰苦的学问。但西洋画家必须学习。因为西洋画注重写实，必须描得同真的人体一样。但中国人物画家从来不需要这种学问。中国人画人物，目的只在表出人物的姿态的特点，却不讲人物各部的尺寸与比例。故中国画中的男子，相貌奇古，身首不称。女子则蛾眉樱唇，削肩细腰。倘把这些人物的衣服脱掉，其形可怕。但这非但无妨，却是中国画的好处。中国画欲求印象的强烈，故扩张人物的特点，使男子增雄伟，女子增纤丽，而充分表现其性格。故不用写实法而用象征法。不求形似，而求神似。 (四)中国画不重背景，西洋画很重背景。中国画不重背 景，例如写梅花，一支悬挂空中，四周都是白纸。写人物，一个人悬挂空中，好像驾云一般。故中国画的画纸，留出空白余地甚多。很长的一条纸，下方描一株菜或一块石头，就成为一张立幅。西洋画就不然，凡物必有背景，例如果物，其背景为桌子。人物，其背景为室内或野外。故画面全部填涂，不留空白。中国画与西洋画这点差别，也是由于写实与传神的不同而生。西洋画重写实，故必描背景。中国画重传神，故必删除琐碎而特写其主题，以求印象的强明。 (五)东洋画题材以自然为主，西洋画题材以人物为主。中国画在汉代以前，也以人物为主要题材。但到了唐代，山水画即独立。一直到今日，山水常为中国画的正格。西洋自希腊时代起，一直以人物为主要题材。中世纪的宗教画，大都以群众为题材。例如《最后的审判》、《死之胜利》等，一幅画中人物不计其数。直到19世纪，方始有独立的风景画。风景画独立之后，人物画也并不让位，裸体画在今日仍为西洋画的主要题材。 上述五条，是中国画与西洋画的异点。由此可知中国画趣味高远，西洋画趣味平易。故为艺术研究，西洋画不及中国画的精深。为民众欣赏，中国画不及西洋画的普通。 2．了解西方绘画的基本步骤、透视方法及明暗表现的基本技能，理解绘画中体积、空间、明暗、质感的表现方法。 2． 了解固有色、光源色、环境色三者之间的互相关系及色彩表现的基本原理与方法。 固有色就是物体本身的颜色。绘画作品中，如果按固有色画，则会画出孤立的物体，实际上物体表现出的颜色是受光源色和环境色影响的。 影响最大的是光源色，物体的受光面都会受光源色影响，非受光面则会出现补色现象，特别是在阴影边缘更明显。光源色重点是画出冷暖关系。 环境色是反射的颜色，强光下通常非受光面有较强的环境色影响，画好环境色整幅画才会协调，浑然一体。 环境色与光源色是相对而言，大的环境也是一种反射光源，比如天空在阳光下起到环境色作用，而在室内可能就是光源。 色彩原理 1． 光与色 没有光源便没有色彩感觉，人们凭借光才能看见物体的形状、色彩，从而认识客观世界。什么是光呢？从广义上讲，光在物理学上是一种客观存在的物质（而不是物体），它是一种电磁波。电磁波包括宇宙射线、X射线、紫外线、可见光、红外线和无线电波等。它们都各有不同的波长和振动频率。在整个电磁波范围内，并不是所有的光都有色彩，更确切地说，并不是所有的光的色彩我们肉眼都可以分辨。只有波长在 380纳米至 780纳米之间的电磁波才能引起人的色知觉。这段波长的电磁波叫可见光谱，或叫做光。其余波长的电磁波，都是肉眼所看不见的，通称不可见光。如：长于780纳米的电磁波叫红外线，短于380纳米的电磁波叫紫外线。 实际上，阳光的七色是由红、绿、紫三色不同的光波按不同比例混合而成，我们把这红、绿、紫三色光称为三原色光（目前彩色电视所采用的是红、绿、蓝，实际上混合不出所有自然界之色，只是方便而已，但光学一直采用红、绿、蓝为三原色，这里我们可以通过“色图”来表示），国际照明学会规定分别用x、y、z来表示它们之间的百分比。由于是百分比，三者相加必须等于1，故色调在色图中只需用x、y两值即可。将光谱色中各段波长所引起的色调感觉在x、y平面上做成图标时，即得色图。因白色感觉可用等量的红、绿、紫（蓝紫）三色混合而得，故图中愈接近中心的部分，表示愈接近于白色，也就是饱和度愈低；而在边缘曲线部分，则饱和度愈高。因此，图中一定位置相当于物体色的一定色调和一定的饱和度。 1666年，英国物理学家牛顿做了一次非常著名的实验，他用三棱镜将太阳白光分解为红、橙、黄、绿、青、蓝、紫的七色色带。据牛顿推论：太阳的白光是由七色光混合而成，白光通过三棱镜的分解叫做色散，虹就是许多小水滴为太阳白光的色散，各色波长如下： 单位：纳米 可见光谱表： 光的物理性质由光波的振幅和波长两个因素决定。波长的长度差别决定色相的差别，波长相同，而振幅不同，则决定色相明暗的差别。 2．物体色 人们在这个问题上争论颇大，有人认为有固有色，有人认为没有。主张没有的人说：没有光什么物体也不具备颜色，物体之所以有色，是因为不同物质对七色光中不同的色光吸收或反射不同，所以呈现色彩不同。他们又说：绿叶这种物质能反射绿光吸收其他色光，所以看上去是绿的，红花这种东西是能反射红光而吸收其他色光，所以看上去是红的。而主张有固有色的人说：为什么红花照上红光会显得更红，这是因为它本身具有红色素，它的红色已饱和，所以全部反射出来，而将红光照到绿叶上，绿叶会变成黑色，这是因为绿叶中没有红色素，它全部吸收，自然会成为黑色的，而白色纸上任何色素都不具备，照上任何色光它大部分都反射出来。另外白色的棉花因为它不具备任何色素，所以反射全色光，当染上红色素后，其质地没有多大变化，因而反射红光，吸收其他色光。为了免其争论，我们称它是物体色，但要说明物体之所以反射不同色光的原理：不同物体反射不同色光，为什么？因为不同物体具有不同的反光曲律，这种曲律，人们称为色素。比如说，红色物体，它的曲律能反射红光，也就是说它的曲律是能反射640～750纳米的电磁波，如果红光照到上面，即可产生同步共振的效应，使红光反射回来，只有一部分红光在共振时消耗其能量。所以我们看到它为红色，也称该物体反射红光。如果是其他色光照到上面，因为曲律不同而产生波长的干扰作用，所产生的干扰波不一定是多少，如果是550～600纳米的黄光照在红色物体上，可能会产生类似600～640纳米的干扰波，即类橙色，这就是所谓黄光被吸收。如果是480～550纳米波长的绿光照在红色物体上，可能产生较为紊乱的干扰波，这种干扰波大部分不在可视光波之内，仅有一部分被反射出来产生视知觉，我们说这种绿光波吸收而产生黑灰色的视知觉。如果是白色光照在红色物体上面，只有白光中640～750纳米的光波产生同步共振，其余的光波产生干扰，我们说，这是红光被反射出来，而其余光波被吸收。能反射不同波长的物体，因为其曲律不同而对不同色光产生同步共振，我们称它能反射不同色光。如果是黑色物体，它不能纯净地反射某种色光，也就是说：不能使任何一种色光同步共振，只能反射干扰后的混合型较杂乱的电磁波，所以我们称它为黑色吸光体。黑色之所以吸光，就是因为色光照到它上面不能产生同步共振的返回，所有不同波长电磁波被干扰，干扰后即将光能消耗在干扰之中，产生热量，这就是黑色吸光的作用。而白色物体能将七色光的电磁波大部分同步共振地反射回来，仅有一小部分在共振时消耗其能量，所以，我们称它反光率高，有凉爽感。 这就是物体反射不同色光的原理。 另外，我们知道，光波也是电磁波的一种，因而它同样具备电磁波同性相斥、异性相吸的特性。这又是与色光相同的物体色反射相同色光的又一原因之所在。 任何物体对光都具有吸收、透射、反射、折射的作用。 在可见光谱中，红色光的波长最长，它的穿透性也最强。比如说：清晨的太阳为什么是红的？这是因为清晨的太阳光要照到我们身上需穿过比中午几乎厚三倍的大气层，而且清晨的空气中含有大量水分子。阳光穿过它时，其他色光许多被吸收、折射或反射了，只有红光以巨大的穿透力，顽强地穿过大气层、水蒸气来到地面，在此其间，大部分蓝紫色光都被折射在大气层及水蒸气里，而到达地面上的太阳光大部分是红橙色，所以太阳看上去是红的。 在卫星上看天空本来是漆黑一团，但为什么我们在地球上看天空是蓝色的呢？这就是因为太阳光照到地球上，其中蓝紫色的光因其穿透性最弱而被空气吸收、折射、反射了，这些蓝光散布在空气中，看上去自然是蓝的。而海水为什么是绿的呢？水不是无色透明的吗？这也是因为阳光照入水中，大部分青绿色光折射在水中，所以看上去海水是青绿色的。在空气污染极少的天山，我们发现，近山是绿树，中景山是青蓝色，而远景山则是蓝紫色，故人称“青山绿水”。由于以上原因，我们绘画中就出现了“色彩的透视”，即：近暖、远冷，近实、远虚，近纯、远灰，此处暂不多赘 （四）设计（设计考生测试内容与要求） 1． 了解设计的主要类别及其应用价值。 参考七年级的美术课本第６－７页。 艺术设计是20世纪发展起来的一个新的艺术领域。它是指把某种计划、设想和解决问题的方法，通过美术视觉语言传达出来的过程。根据设计所占据的空间状态，可分为平面设计、立体设计、空间设计；根据设计的目的，又可以分为视觉传达设计、工业设计和环境设计。 视觉传达设计是指以通过视觉符号来传递各种信息为目的的设计。文字、标志、插图是视觉传达设计的基本构成要素。字体设计、标志设计、插图设计、编排设计、广告设计、包装设计、展示设计等都属于视觉传达设计的领域。 工业设计是指对工业产品的功能、结构、造型、色彩、表面肌理和装饰等方面进行综合性的设计，从而创造出符合实用和审美需要的产品。一件好的工业设计产品必须符合功能性、审美性、经济性三个方面的要求。工业设计包含了家具设计、服装设计、纺织品设计和交通设计等几个方面。 环境设计一般是指对人类的生存空间进行的设计。协调“人－建筑－环境” 的关系，创造和谐统一、舒适宜人的活动空间，是环境设计的中心课题。城市规划设计、建筑设计、室内外设计、公共艺术设计都属于环境设计。 随着社会的发展，美术的内涵和外延也在发生变化。借助摄像、摄影、电子计算机等工具材料，呈现出现代科技媒材发展特点的艺术表现形式通称为现代媒材设计。 2． 了解图形设计的方法和表现手段。 图形是一种用形象和色彩来直观地传播信息、观念及交流思想的视觉语言，它能超越国界、排除语言障碍并进入各个领域与人们进行交流与沟通，是人类通用的视觉符号。 图形可以理解为除摄影以外的一切图和型。图形以其独特的现象力，在版面构成中展示着独特的视觉魅力。图形是在平面构成要素中形成广告性格及提高视觉注意力的重要素材。图形能够下意识地左右广告的传播效果。图形占据了重要版面，有的甚至是全部版面。图形往往能引起人们的注意，并激发阅读兴趣，图形给人的视觉印象要优于文字，合理的运用图形符号。 图形设计的方法： 空间是有限的，如何合理安排空间，使其发挥最大的功效是设计师的责任。在图形创意上，单一的、固定的视觉形象已死司空见惯，往往不能引起人们的思考，要创造新鲜的、有趣的视觉形象。我们要学会制造不同、新奇、打破事物固有造型，利用两种或两种以上造型的有机结合，产生新颖的视觉效果和新的意义。这是将图形作加法创造，这种创造方式是有规律可循的，利用英姿、利用正负形、利用共生、利用统购、利用渐变都可以将多种元素和谐融洽的组织在一起。也可以利用单一造型元素作减法创造，如减缺图形，也有将视觉元素作反常规的表现，如无理图形、混维图形。 一：异影图形 物象一般只是主题的表象，影像却是主题的实质反映。它们彼此相生，表达一个语义，一种观念。作品有：《救救非洲》、俄罗斯《抽烟有害》、《韩国统一》、《战争与和平》、《可口可乐》、《酒后驾车危险》。 二：正负图形 也称反转图形，指正形于负形相互借用，相互依存，作为正形的图和作为负形的底可以相互反转。黑与白是相对的，没有黑就没有白，没有虚就么有实。设计师要惜墨如金，不仅仅是为了要在有限的篇幅中反映更多的信息，更主要的是以此来增强画面的纯粹巧妙和视觉新奇，通过图像的相互依存来暗示两者之间潜在的关系。作品有：波兰《职业的风险》、以色列《大赦国际》、德国《种族主义》、《融合》、瑞士《音乐招贴》。 三：共生图形 设计中打破一条轮廓线只能界定一个物象的现实，用一条轮廓线同时界定两个紧密相接、相互衬托的形象，使形与形之间的轮廓线可以相互转换借用，互生互长，从而以尽可能少的线条表现更多更丰富的含义，显现出精简着笔的魅力。作品有：明朝《六子争头》、陈幼坚个人标志、日本《京都环境海报设计展》、墨西哥《反对暴虐妇女》、德国《无人监管》。 四：双关图形 双关图形意味着图形牵扯到双重解释，一重施表面上的意思，一重是暗含的意思，而暗含的意思往往是图形的主要含意所在。言在此而意在彼，可收到含蓄风趣的表达效果。作品有：匈牙利《同志再见》、《洗发水海报》、日本《防火海报》、《环保海报》、俄罗斯《人类的水》、德国《天鹅湖》、美国《兔子与鸭子》。 五：聚集图形 在图形设计中，我们也可将单一或相近的元素造型反复整合构成另一视觉新形象，创造新颖的聚集图形来表达观念。构成图形的单位形态元素多用来反映整合形象的性质特点，以强化图形本身的意义。作品有：美国《量子学怪诞海报》、《陈幼坚展览海报》、法国《法国国家公园徽章》、日本《NO MORE》、德国《就这样决定了》。 六：同构图形 生物的杂交、植物的嫁接都可能创造新的品种、新的生命。同构图形通过不同性质的物形间的非现实的整合，制造出奇特的视觉效果，显示新的非逻辑关系，从而突破原来物形意义的局限，产生新的意义。 1.异性同构图形 将不合逻辑的物质通过其造型的相近性非现实地联系成一个整体，传达出某种特定的信息和不同质间的关系，从而创造出新的新的意义和价值。作品有：德国《我们一味地向地球索取》、德国《和平招贴》、日本《The Real War》。 2.换置同构图形 又称偷梁换柱，意指将组成某物质的某一特定元素与另一种本不属于某物质的元素进行非现实的构造，传达出新的意义。作品有：德国《和平海报》、德国《孩子们的生日》。 3.异质同构图形 我们在设计中根据意念可将一种物体的材质嫁接到另一种完全不同的物体上去，从而使两种物体发生关系，使原本平淡无奇的形象因为材质的改变而变成新异的视觉图形。作品有：德国《后来者》、芬兰《推销员之死》、德国《着魔的手》、《LG冰箱大战》。 七：无理图形 又叫悖论图形，用非自然的构合方法，将客观世界人们所熟悉的、合理的和固定的次序，移置于逻辑混乱的荒诞反常规的图像世界之中，目的在于打破真实与虚幻、主观与客观世界之间的物理障碍和心理障碍，在显现不合理、违规和重新认识的物形中，把隐藏在物形深处的含义表露出来。 1.反序图形 有目的地将客观物象进行次序的错乱、方向的颠倒等处理，从而表述出新的寓意。作品有：日本《胜利》、波兰《可口可乐》、加拿大《招贴展》。 2.无理图形 事物都有真实的客观存在，但作为艺术的创造，我们可以对现实进行大胆的想象，将不现实的化为现实，将不可能的化为可能，将不相关的变为相关。凭借想象，挖掘图形创造表现的可能性及由此而产生的新意义。作品有：日本《环境污染》。 3.矛盾空间 在二维平面上表现三维现实空间不可能存在或不可能再现的想象空间，这种想象创造了非真实的视觉幻象，富有情趣。 八：混维图形 混维图形通过奇异的构想，将二维与三维、幻象与真实混合交错在一起，追求出人意料的表现，它先让人们的习惯性思维产生一种预期，再用一种出乎意料的手法打破观者的固有想象，从而加深视觉感受。 九：渐变图形 图形表现时，会利用物形向另一物形的转变关系来传递由此产生的意义。一个物形有规律地、有次序地、自然地转变成另一种物形，由此美妙的变换使两个不相关的物质发生联系，从而营造出一种新视觉。作品有：波兰《自由》、荷兰《天与水》。 图形表现的手法多种多样。传统的各种绘画、摄影手法可产生面貌、风格各异的图形、图像。尤其是近年来电脑辅助设计的运用，极大地拓展了图形的创作与表现空间。然而无论用什么手段表现，图形的设计都可以归纳为具象和抽象两个范畴。 3． 了解视觉传达设计的基本流程。 视觉传达设计（Visucl Communication Design）是指利用视觉符号来传递各种信息的设计。  简称为视觉设计 。 视觉传达包括:“视觉符号”和“传达”这两个基本概念     所谓“视觉符号”,顾名思义就是指人类的视觉器官――眼睛所能看到的能表现事物一定性质的符号，如摄影、电视、电影、造型艺术、建筑物、各类设计、城市建筑以及各种科学、文字，也包括舞台设计、音乐、纹章学、古钱币等都是用眼睛能看到的，它们都属于视觉符号。     所谓“传达”,是指信息发送者利用符号向接受者传递信息的过程，它可以是个体内的传达，也可能是个体之间的传达，如所有的生物之间、人与自然、人与环境以及人体内的信息传达等。它包括"谁"、"把什么"、"向谁传达"、"效果、影响如何"这四个程序。）    视觉传达设计这一术语流行于1960年在日本东京举行的世界设计大会，简而言之，视觉传达设计是“给人看的设计，告知的设计”     从视觉传达设计的发展进程来看，在很大程度上，它是兴起于19世纪中叶欧美的印刷美术设计（Graphic Design,又译为“平面设计”、“图形设计”等）的扩展与延伸。随着科技的日新月异，以电波和网络为媒体的各种技术飞速发展，给人们带来了革命性的视觉体验。而且在当今瞬息万变的信息社会中，这些传媒的影响越来越重要。设计表现的内容已无法涵盖一些新的信息传达媒体，因此，视觉传达设计便应运而生。       视觉传达设计是通过视觉媒介表现并传达给观众的设计  体现着设计的时代特征和丰富的内涵，其领域随着科技的进步、新能源的出现和产品材料的开发应用而不断扩大，并与其他领域相互交叉，逐渐形成一个与其他视觉媒介关联并相互协作的设计新领域。其内容包括：印刷设计、书籍设计、展示设计、影像设计、视觉环境设计、（即公共生活空间的标志及公共环境的色彩设计）等。       视觉传达设计多是以印刷物为媒介的平面设计 视觉传达设计的主要内容依然是Graphic Design一般专业人士习惯称之为“平面设计”。“视觉传达设计”、“平面设计”两者所包含的设计范畴在现阶段并无大的差异，“视觉传达设计”、“平面设计”在概念范畴上的区分与统一，并不存在着矛盾与对立。     视觉传达设计是为现代商业服务的艺术 主要包括标志设计、广告设计、包装设计、店内外环境设计、企业形象设计等方面，由于这些设计都是通过视觉形象传达给消费者的，因此称为“视觉传达设计”，它起着沟通企业——商品——消费者桥梁的作用。视觉传达设计主要以文字、图形、色彩为基本要素的艺术创作，在精神文化领域以其独特的艺术魅力影响着人们的感情和观念，在人们的日常生活中起着十分重要的作用。     视觉传达设计的领域 (1)字体设计 (2)标志设计 (3)插图设计 (4)编排设计 (5)广告设计 (6)包装设计 (7)展示设计