名画赏析

名画赏析 目录 1. 达?芬奇(意大利)——《蒙娜?丽莎》........................................... 2. 达.芬奇(意大利)《最后的晚餐》.......................... 3. 梵高(荷兰)《向日葵》.................................... 4. 克劳德?莫奈(法国)《日出?印象》....................................................... 5. 列宾(俄罗斯)《伏尔加河上的纤夫》......................... 6. 米勒(法国)《拾穗者》................................................................. 7. 马奈(法国)《吹笛少年》.................................................................... 8. 委拉斯凯兹(西班牙)《教皇英诺森十世》...................................... 9. 乔治.修拉 (法国)《大碗岛上的星期日下午》................................ 10.帕勃洛.毕加索(西班牙)《格尔尼卡》........................ 11.拉斐尔(意大利)《雅典学院》............................... 12.塞尚(法国)《苹果与橘子》..................................................... 13.维米尔《倒牛奶的女仆》...................................... 14. 马蒂斯(法国)《红色中的和谐》……………………………………… 15. 蒙德里安 (荷兰)《红黄蓝的构成》.......................... 16.夏尔丹(法国)《餐前的祈祷》..................................................................... 1. 达?芬奇《蒙娜?丽莎》 达?芬奇这幅肖像花了达.芬奇四年 的时间，当他完成这幅肖像之后， 不愿把它交给佐贡多(富商,蒙娜.丽 莎的丈夫)或其他任何人。当他受 到法国国王的邀请时，便带着这幅 肖像离开意大利去了法国。达.芬奇 是在法国去世的，这就是为什么《蒙 娜.丽莎》这幅画在法国的缘故。 多 少世纪来，人们一直在谈论她那神 秘的微笑，她的微笑的确神秘:它 似乎在变化。不同的观者或在不同 的时间去看，感受似乎都不同。有 时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显 得严肃，有时象是略含哀伤，有时 甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中， 光线的变化不能象在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜.丽莎的脸上，微暗的阴影时陷时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要 表 关于同志近三年现实表现材料材料类招标技术评分表图表与交易pdf视力表打印pdf用图表说话 pdf 现在眼角和嘴角上，达.芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的”神秘的微笑”。 关于这幅画有一个故事。达.芬奇在为蒙娜.丽莎绘画时，请了位乐师在她旁边弹奏，以便她能象个模特儿那样耐心平静地坐着。她眼中的神情告诉我们她正在倾听。而现在，如果我们看她那双美丽的手，并把它们与她的脸联在一起考虑，我们会觉得那神情更诚挚。她的右手轻轻地放在左手上，中指根本没有任何依托，我们感到它正和着音乐的节奏轻轻地打着拍子。当我们看着这幅如此逼真的肖像画背后的景色，我们会为那不真实的背景吃惊。山峰、道路、小桥、流水都在一种梦幻般、飘拂不定的气氛里出现，仿佛以此证明蒙娜.丽莎的思绪沉浸在一个梦的世界里。 2. 达?芬奇《最后的晚餐》 意大利伟大的艺术家列奥纳多?达?芬奇1495-1497年所创作，是所有以这个题材创作的作品中最著名的一幅。此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的典范杰作。这幅画，是达?芬奇直接画在米兰圣玛利亚感恩修道院食堂的一端整面墙壁上的巨幅壁画。该画420X910厘米，现藏于米兰圣玛利亚德尔格契修道院。 此画取材于圣经马太福音第26章所记载的事件:耶稣的弟子犹大向官府告密，出卖了耶稣。耶稣知道不幸即将降临，在被捕前，在庆祝逾越节的前夜，与十二门徒共进最后的晚餐。席间耶稣宣布:“你们当中有人出卖了我～”话音刚落，十二门徒一片骚乱，心态、表情、姿势各不相同。达?芬奇抓住这戏剧性的一瞬间，成功地运用构图和用光等手段，生动地刻画了耶稣的沉静、安详，以及十二门徒各自不同的姿态、表情。此作传达出丰富的心理内容。 壁画构图做得比正常就餐的距离更近，图中13个人物列为一排，以耶稣为中心，十二门徒分为四组，对称分列两侧，形成了一个穿插变化又相互统一的整体。在耶稣周围形成波浪状的层次。越靠近耶稣的门徒越显得激动。 耶稣略显悲伤，摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。大多数门徒在一跃而起，而尽管大难临头，但耶稣镇定自若，表情安静。耶稣背后的门外是祥和的外景，明亮的天犹如一只光轮环绕在耶稣的头上。他的双眼低垂着，仿佛看穿了世间的一切炎凉。 在众多同类题材的绘画作品里，此画被公认为空前之作，尤其以构思巧妙，布局卓越，细部写实和严格的体面关系而引人入胜。构图时，他将画面展现于饭厅一端的整块墙面，厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结，使观者有身临其境之感。画面中的人物，其惊恐，愤怒，怀疑，剖白等神态，以及手势，眼神和行为，都刻画得精细入微、惟妙惟肖。这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合，与构图的多样统一效果互为补充，使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的作品。 3. 梵高《向日葵》 这幅流芳百世的《向日葵》在阳光明媚灿烂的 法国南部小镇阿尔所作。画面是带有强烈表现意 味的黄色调，黄色?向日葵?太阳?温暖?爱， 这就是他赋予《向日葵》的精神主题，深刻地表 达了凡?高的精神理想，也表露出他新的艺术方 向。 画家以短暂的笔触把向日葵的黄色画得极其 刺眼，每朵花如燃烧的火焰一般，细碎的花瓣和 葵叶象火苗一样布满画面，整幅画尤如燃遍画布 的火焰，显出画家狂热般的生命激情。他早期画 作爱用荷兰传画的褐色调，但他天性中火一般的 热情使他抛弃荷兰画派的暗淡和沉寂，并迅速远 离印象派———印象派对外部世界瞬间真实性的追求和他充满主体意识的精神状态相去甚远。他不是以线条而是以环境来抓住对象;他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。 但他仍属印象派。 《向日葵》仅由绚丽的黄色色系组合。凡?高认为黄色代表太阳的颜色，阳光又象征爱情，因此具有特殊意义。他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，有时甚至将自己比拟为向日葵。凡?高写给弟弟西奥的信中多次谈到《向日葵》的系列作品，其中说明有十二株和十四株向日葵的两种构图。他以12来表示基督十二门徒，他还将南方画室(友人之家)的成员定为12人，加上本人和弟弟西奥两人，一共14人。凡?高的艺术是伟大的，而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识，强烈的个性和在形式上的独特追求，远远走在代的前面，确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象，他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义，德国的表现主义，以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。 画家像闪烁着熊熊的火焰，满怀炽热的、运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力，色彩的对比也是单纯强烈的。然而，在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时，无不为那激动人心的画面效果而感应，心灵为之震颤，激情也喷薄而出，无不跃跃欲试，共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之，凡高笔下的向日葵不仅仅是植物，而是带有原始冲动和热情的生命体。 4.克劳德?莫奈《日出?印象》 1840年生于法国巴黎。早年随风景画家布丹学习绘画，1862年进入格莱尔画室学习。他与学院派艺术趣味无法取得一致，两年后便愤然离开了格莱尔画室, 开始探索独立的绘画技法。1874年,莫奈发起和组织了第一届印象派画展。就在这次画展中，莫奈的一幅《日出?印象》引起了欧洲画坛的强烈震动。莫奈也一举成名。 《日出?印象》展出后，受到社会的公开攻击。那位以“印象”来讽刺这幅画的《喧噪》周刊的记者路易?勒鲁瓦，本来是以此指责莫奈“对美与真实的否定”，可是这个名称从此竟彪炳画史，变成了极富号召力的光辉符号。在“印象主义”一词中，贬义内涵已消失殆尽，尽管当时展厅上的70幅画连一半也没有卖出去。 该画是印象主义绘画的开山之作, 它标志着印象派绘画的产生。迅速成为一个风靡全球， 影响深远的世界性画派。它强调自然界的光和色，把光与色的变化作为绘画的主流。莫奈被认为是第一个采用外光技法进行绘画的印象派大师。《日出?印象》描绘的是在晨雾笼罩中日出时港口景象。在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中，一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光，冉冉升起。海水、天空、景物在轻松的笔调中，交错渗透，浑然一体。近海中的三只小船，在薄雾中渐渐变得模糊不清，远处的建筑、港口、吊车、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现。这一切，是画家从一个窗口看出去画成的。如此大胆地用“零乱”的笔触来展示雾气交融的景象。这对于一贯正统的沙龙学院派艺术家来说乃是艺术的叛逆。该画完全是一种瞬间的视觉感受和活泼生动的作画情绪使然， 当1874年莫奈和一群青年画家举办展览时，这幅《日出?印象》遭到了诽谤和奚落。有的评论家挖苦说:“毛坯的糊墙纸也比这海景完整～”更有人按这幅画的标题，讽喻一莫奈为首的青年艺术家们为“印象派”，于是“印象主义”也就成了这个画派的桂冠。 5. 列宾、《伏尔加河上的纤夫》 列宾(1844—1930)，是十九世纪后期伟大的俄罗斯现实主义绘画大师。列宾在充分观察和深刻理解生活的基础上，以其丰富、鲜明的艺术语言创作了大量的历史画、肖像画，他的画作如此之多、展示当时俄罗斯社会生活如此广阔和全面，是任何一个画家都无法与之比拟的。他的作品显得极为生动感人，为俄国风俗画增添了新的语言，被誉为俄罗斯社会生活的真实写照。被公认为是批判现实主义的泰斗，成为巡回展览画派的旗帜。 《伏尔加河上的纤夫》是列宾的代表作，也是他的成名作。现收藏于圣彼得堡俄罗斯国立美术馆。在19世纪80年代初最出色的一幅批判现实主义油画杰作，就是列宾的《伏尔加河上的纤夫》。这是画家亲眼目睹的情景，成为挥之不去的记忆，列宾决定把这一苦役般的劳动景象画出来，狭长的画幅展现了这群纤夫的队伍。 在这幅画的构图上，列宾利用了沙滩的地形和河湾的转折，使十一个纤夫犹如一组雕像，被塑造在一座黄色的、高起的底座上，使这幅画具有宏伟、深远的张力，画中的背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤独、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现、情感的烘托起了极大的作用。 在画面上画家又对伏尔加河的景色进行了巧妙的布局，以狭长的横幅展现这群纤夫的队伍。烈日酷暑下的伏尔加河畔，沙滩荒芜、近景只有埋在沙里的几只破筐作点缀。景色十分凄寂。一群衣衫褴褛的纤夫拖着货船，步履沉重地前进着，似乎可以听到压抑低沉的“伏尔加船夫曲”的回声。11个纤夫，分为三组，每个形象都来自于写生，他们的年龄、身材、性格、体力、表情各不相同，画家对此都予以充分体现，统一在主题之中。本画的构图、线条、笔力等绘画技巧都是相当成功的。全画以淡绿、淡紫、暗棕色描绘头上的天空，使气氛显得惨淡，加强了全画的悲剧性。我们从他们身上看到的不仅是沙俄专制下普通民众奴役般的生活，更体会到了他们的智慧、善良和力量。这也正是画家的创新之处，巡回画派艺术家以往的作品都是把人民当作同情、可怜的对象，而列宾在反映现实的同时，通过人物的神态和姿态来充分体现人民身上所蕴藏的巨大能量，给人以激励、震撼。1873年，评论家斯塔索夫在一份杂志上对这幅画及其作者是这样评价的:“列宾是同果戈理一样的现实主义者，而且也同他一样具有深刻的民族性。他以勇敢、以我们无可比拟的勇敢，一头扎进人民的生活，人民的利益，人民的伤心的现实的最深处。就画的布局和表现而论，列宾是出色的、强有力的艺术家和思想家”。的确，这幅油画无论从思想性上还是从技巧上都可称得上是70年代批判现实主义艺术的高峰。 6.米勒、《拾穗者》 米勒〔1814-1875年〕， 是法国近代绘画史上 最受人民爱戴的画 家。他那纯朴亲切的 艺术语言，尤其被广 大法国农民所喜爱。 他出身于农民世家， 幼年时便显露出绘画 的天才，受到老师的 鼓励而立志学习绘 画。《拾穗者》是最 能够代表米勒风格的一件作品，它没有表现任何戏剧性的场面，只是秋季收获后，人们从地里拣拾剩余麦穗的情景。画面的主体不过是三个弯腰拾麦穗的农妇而已，背景中是忙碌的人群和高高堆起的麦垛。这三人与远处的人群形成对比，她们穿着粗布衣衫和笨重的木鞋，体态健硕，谈不上美丽，更不好说优雅，只是谦卑地躬下身子，在大地里寻找零散、剩余的粮食。然而，这幅内容朴实的画作却给观众带来一种不同寻常的庄严感。 米勒一般采用横的构图，让纪念碑一般的人物出现在前景的原野上。三个主体人物分别戴着红、蓝、黄色的帽子，衣服也以此为主色调，牢牢吸引住观众的视线。她们的动作富于连贯性，沉着有序，布置在画面左侧的光源照射在人物身上，使她们显得愈发结实而有忍耐力。或许长时间的弯腰劳作已经使她们感到很累了，可她们仍在坚持。尽管脸部被隐去了，而她们的动作和躯体更加富于表情——忍耐、谦卑、忠诚。除了17世纪的荷兰画家维米尔，还没有人能够像米勒这样，以凝重质朴，造型简约的概括力，来极富表现力地塑造平凡人物。他表现的是人和大地的亲密关系，是史诗所不能达到的质朴平凡。从这三个穿着粗布衣衫和沉重木鞋的农妇身上感到一种深沉的宗教情感，在生存面前，人类虔诚地低下他们的头。虽然远处飞翔的鸟儿依旧烘托出田园诗般的意境，但人类凝重的身躯似乎预示着生存的重压。正是这种宗教般的感情使《拾穗者》超越了 [一般的田园美景的歌颂，而成为一幅人与土地、与生存息息相关的真正伟大的作品。 7. 马奈、《吹笛少年》 《吹笛少年》画中描绘的是近卫军乐队里 的一位少年吹笛手的肖像。画家在探索形与色 的统一时，注意到人物个性特征的刻画。在色 彩上追求一种稳定的、几乎没有变化的亮面， 然后突然转入暗部，将人物置于浅灰色、近乎 平涂的明亮背景中进行描绘，用比较概括的色 块将形体显示出来。在这幅画中没有阴影，没 有视平线，没有轮廓线，以最小限度的主体层 次来作画，否定了三度空间的深远感。杜米埃 说过马奈的画平得像扑克牌一样。 19世纪60年代，刚刚摆脱第一任老师库 图尔的权威的马奈，又遭到同时代人的不理 解，他在沙龙中经历了好几次失败。他在室内 作的与实体同样大小的人物绘画给人一种奇 怪的印象，遭到许多批评，例如这幅《吹短笛 的男孩》，被1866年的官方沙龙展的评判委 员会拒绝。 这幅画表现一个皇家卫队的年轻轻骑兵正在吹短笛，这是一种声音尖锐的木制小笛子，它用于引导士兵投入战斗，笛子的名称成了画的题目。由一儿童在画家的画室里扮演的乐师占据了画的中心位置。他清楚地显现在色调细微变化的灰底色上，画底没有给出一个确切的空间，仅仅给人一种空气在他的周围流动的印象。画家在他的肖像画中常常使用的这种中性的不可触知的背景，是受黄金时代的西班牙画家，尤其是贝拉斯克斯和牟利罗的启迪，马奈不久前去马德里旅行期间，对他们大加赞扬。由于想让被画对象看起来是孤立的，避免造成这是在游行或军事训练现场创作的印象，马奈没有加进任何轶事性背景成分。孩子、服装及短笛构成画的惟一主题。画是在画室的冷光线中完成的，这一点从投到地上的短影可以得到证实。 8、委拉斯凯兹、《教皇英诺森十世》 ,,,,年作，罗马多利亚美术馆藏大多数的名画很难激起观众视觉经验的惊奇，一者因为耳熟能详的缘故，二者名画向来被捧得太高，以至令人厌倦。不过委拉斯凯兹 的这张《教皇 英诺森十世肖像》似乎是个例外。尽管问世已 经三百多年，但它依然能够强有力地震撼当代 观众的感官知觉。从此画的形式看，它与欧洲 当时的其他肖像画没有什么两样，人物的姿态、 构图都符合肖像 画传统，这与此画那种不同寻 常的真实感形成了强烈对比。它令人想起委拉 斯凯兹的同时代观众对其作品的评价:“所有其 他的作品都是绘画，只有这一幅才是真实的。” 此画是委拉斯凯兹第二次访问意大利期间 画的。在罗马，作为西班牙国王腓力四世的宫 廷画家，委拉斯凯兹出席了教皇英诺森十世主 持的1650年庆典。当 时他还会见了同时代的 画家普桑，雕刻家贝尼尼等人。就是在那里， 应英诺森十世之请，委拉斯凯兹画了这幅有名 的肖像画。据说当教皇本人 第一次看到这张画 时几乎是吃惊而不安地说了一句话:“画得太像 了～”这个真实显然来自画家对人性的观察深度。 委拉斯凯兹和十八世纪的西班牙宫廷画家哥雅在生平经历方面相似，艺术声望也相当，而且都为王室、贵族画过许多肖像画。但是哥雅毫不掩饰他对宫廷贵族的鄙视，他着力于揭示贵族们的庄严华丽 外表与头脑的呆滞，内心的空虚之间的惊人对比，他的画笔锋利如刃。委拉斯凯兹则对各种身份的人一概平等对待，无论贩夫走卒，还是王公贵族，他都能“画如其 人”。《教皇英诺森十世肖像》是一个很典型的例子，在这幅画中，他只是把对象当作一个“人”来表现，画出他的身份和他的性格。从这样的作品上，看不到作者 的好恶，因为他并不“介入”，他“观察”。正因为如此，委拉斯凯兹的教皇肖像在那个没有发明摄影术的年代几乎可以说是“客观的”写实绘画。画面上没有任何 夸张，一切只忠实表现画家的视觉所见。创作此画时，画家刚过五十岁，正值创作的盛年。如果说他早年的《卖水人》这样的作品还有卡拉瓦乔风格的影子，那么这时候的委拉斯凯兹早已创造了自己的艺术王国。他对解剖、造型、色彩的把握在此画中体现得淋漓尽致，以致于人们在这样的作品前很难意识到这只是一张“画”。人们的全部注意力为画家对人性的描绘的 深度和广度所吸引，这是绘画史上的奇迹之一。难怪教皇会感到吃惊，他无论如何想象不到，这位西班牙画家竟能在他的善于伪装的外貌上真实地表现出一个以阴谋 和狡诈著称的权势人物的内心世界。委拉斯凯兹的力量就在这里。 9、乔治?修拉 《大碗岛上的星期 日下午》 (1859-1891年)生活在印象主 义画派的初期，而且推动了了印象 主义的发展。他对色彩的专门研 究，使得他的作品层次分明，而他 自己也成为新印象画派——“点彩 派”的代表。《大碗岛上的星期日下午》描写的是巴黎附近奥尼埃的大碗岛上一个晴朗的日子，游人们在阳光下聚集在河滨的树林间休息。有的散步，有的斜卧在草地上，有的在河边垂钓。前景上一大块暗绿色调表示阴影，中间夹着一块黄色调子的亮部，显现出午后的强烈的阳光，草地为黄绿色。阳光透过了树林，而投射在草地上的阴影，被色彩强调得界限分明。赤色、白色的衣服、阳伞和草地都现出一种好像散发蒸气一般的黄色。色点彼此交错呼应，给人以一种装饰地毯的效果。画上的人物也画得很可笑，一个个看不清面孔和五官，连轮廓本身也都被小圆点弄得模糊不清了，似乎所有事物都是影影绰绰的。这幅《大碗岛上的星期日下午》称得上是修拉的色彩科学实验中的经典作品。点彩绘画是一种很有意思的画法,道理并不深奥,就和小朋友经常玩的拼图游戏有一点像.一块块的颜色被分解了之后就像一小块一小块的拼块.赤橙黄绿青蓝紫等各种小色点被仔细地排放在一起.慢慢的整张画的颜色就丰富了起来,轮廓、形状„„要拼的图象也一点一点清晰明朗了。 看修拉的画感觉很朦胧，好象人、静物、景物都置身于一个虚幻的世界中。远看整体感强，走进看，又发现了更多色彩。丰丰富富，整个画面生动，有变化。 此画的整个创作过程约分四个步骤:以素描布置明暗对比;以色彩写生;以写生为基础组织背景;以色点完成正稿。在正稿之前，共作素描20余幅，写生稿更不计其数。这幅《大碗岛上的星期日下午》从1886年画起，整整花了他一年工夫来点他的圆点。当这幅画在第八次印象派画展上出现时，立刻引起社会的反应，攻击和赞扬之声同时袭来，有的撰文称它"新风格"的展现，有的骂他是"带有稚气和学究气的离奇结合"。总之，这种新鲜画法实质上是当时哲学上实证论对艺术实践的危害作用。修拉以“和谐对比法则”为指导使画中静中有动，孕育无穷。大碗岛上的人有的静立、有的端坐，画面几何中心点的妇女与小孩以进行中的动态为画意赋予了生机。画中闪耀的阳光，无尽的色彩与静态型体也构成对比，画中人物虽辨不清五官，但整个场景的气氛可以使我们感到具有无限生机的生命实体的存在。这种和谐对比正是古典与浪漫的交融之所在。 10.帕勃洛.毕加索《格尔尼 卡》 毕加索是立体派绘画的旗手， 然而，他的意义不仅在此，他 是欧洲现代美术的大师，是本 世纪的艺术伟人。他的艺术影 响了各种流派的产生和发展， 但他自己却不局限于某一流 派。他不断创新，从未满足过， 终生都在孜孜不倦地探索各 种艺术形式。他一生创作的油 画、版画、雕塑、素描、拼贴 等各种形式的作品有六万多 件。1937年初，毕加索接受了西班牙共和国的委托，为巴黎世界博览会的西班牙馆创作一幅装饰壁画。构思期间，1937年4月26日，发生了德国空军轰炸西班牙北部巴克斯重镇格尔尼卡的事件。德军三个小时的轰炸，炸死炸伤了很多平民百姓，使格尔尼卡化为平地。德军的这一罪行激起了国际舆论的谴责。毕加索义愤填膺，决定就以这一事件作为壁画创作的题材，以表达自己对战争罪犯的抗议和对这次事件中死去的人的哀悼。于是这幅被载入绘画史册的杰作《格尔尼卡》就此诞生了。 这幅画运用立体主义的绘画形式，以变形、象征和寓意的手法描绘了在法西斯兽行下，人民惊恐、痛苦和死亡的悲惨情景。画面左侧，一位悲痛欲绝的母亲怀抱因战争而死去的婴儿仰天哭喊，她的身后立着一个恐怖的牛头，牛脸上流露出残忍的狞笑。根据毕加索曾在其他绘画作品中以牛头表示邪恶的习惯分析，这个牛头代表了法西斯的残暴和黑暗。画的中间部分，一匹被刺伤的马昂头张着嘴，发出哀鸣，据画家本人说，这匹马象征西班牙人民，它代表受难的西班牙。马的身下躺着一名死去的战士，他的右手握着被折断的剑，剑旁有一朵鲜花，这朵花是对死去战士的悼念。一个妇女从窗子里探出身体，右手举着一盏油灯，油灯的左上方有一盏像眼睛似的电灯，灯光像锯齿一样射向四周，这些象征揭露，画家要将这一切罪恶和黑暗置于光照之下，让全世界都明了。画面右侧，表现了由于轰炸，一个女人从楼上跌下，她举着双手，抬头向上呼救。整幅画用黑白灰三色绘成，错综复杂的黑白灰色块造成画面阴郁、恐怖，不规则的线条形成的角和弧的交错，给人一种支离破碎和动乱的感觉，画面沉重又压抑，充满了悲剧气氛。这幅画控诉了法西斯的罪恶，对战争给人民带来的灾难表示了悲哀和同情。这幅画曾到挪威、英国、美国各地展出，反响非常强烈，本世纪40年代借给美国纽约现代博物馆，1981年归还西班牙，现在珍藏在马德里普拉多美术馆。 11.拉斐尔《雅典学院》 这幅《雅典学院》，是以古希腊哲学家柏拉图所建的雅典学院为题，以古代七种自由艺术——即语法、修辞、逻辑、数学、几何、音乐、天文为 基础，以表彰人类对智慧和真理的追求。艺术家企图以回忆历史上“黄金时代”的形式， 寄托他对美好未来的向往。它的主题思想，就是崇拜希腊精神，追求最高的生活理想， 这正是人文主义艺术家自己的宿愿。 全画以纵深展开的高大建筑拱门为背景，大厅上汇集着不同时代，不同地域和不同学派的著名学者，有以往的思想家，也有当世的名人。他们在自由地讨论，情绪热烈，好像在举行什么典礼，或庆祝某个盛大节日，洋溢着百家争鸣的气氛，凝聚着人类智慧的精华。这座建筑物显然是以布拉曼特 设计 领导形象设计圆作业设计ao工艺污水处理厂设计附属工程施工组织设计清扫机器人结构设计 的圣彼得大教堂为范本的，两侧的壁龛里，分别供立着智慧女神雅典娜雕像(在右侧)和音乐之神阿波罗雕像(在左侧 )。中心透视点的层层拱门，直通遥远的天际，这是一个极其神圣的环境，学者们被对称地、自然而富有节奏地配置台阶两侧，上层台阶的人物排成一列，中心是两位伟大的学者——柏拉图与亚里士多德，他们似乎边进行着激烈的争论，边向观众方向走来。 亚里士多德伸出右手，手掌向下，好像在说明:现实世界才是他的研究课题;柏拉图则右手手指向上，表示一切均源于神灵的启示。这两个对立的手势，表达了他们思想上的原则分歧。画的左上: 1、 左边穿白衣、两臂交叉的青年是希腊马其顿王亚里山大; 2、 亚历山大右边(画面左端)一秃顶黄髯老人，身穿紫袍，面对观众，侧耳静听，似乎陷入沉思之中。这位老者右边(画面左端)是古代哲学家苏格拉底，他身穿淡绿色长袍，正侧转身体向四个青年人扳着手指头交换意见; 3、 在四位交谈者中和苏格拉底面对面的是一位披甲带盔的青年军官，他名叫阿尔西比亚底斯，仿佛在认真细听苏格拉底的教诲。这位军官身后有一人挥手示意，招呼画面左边两个人赶快来听哲学家的讲话; 画的右上: 4、接近亚里士多德的是一字排列的五名学者和一身着黄袍老人，他们正谛听着两位大哲学家的争论; 5、老人身后有两个年轻人正赶来聆听两位哲人的讨论; 12.塞尚、《苹果与橘子》 法国画家，继印象主义之后的绘画革新家，与凡高，高更一起被后人称这“印象主义之后”。他认为:印象派画家表现的主观感觉和印象经常是“混乱的”，因此他主张排斥事物闪动而模糊的外表，去领悟那永不改变的内在真实。他在画中，注重探索事物的 “结构”，表现深植于事物中的本性;塞尚在吸收印象主义技法的同时，更加关心实体感与构图，关心均衡与结构，因此画面显示出凝重厚实和恒定持久的感觉。《苹果与橘子》就是这一技法的典型。另外，画中构图和谐流畅，无论从哪一方面来看，都体现出美感。 静物是塞尚最喜欢描绘的对象，因为静物可以让他长时间冷静地观察研究，以追求他心中永恒的形和坚实的结构。 在作品《苹果和橘子》中，塞尚完全抛弃了以明暗造型的传统手法，只用色彩的冷暖转折来造型。画面找不到传统绘画的光影，也缺少空间透视。色彩单纯，白色的桌布与鲜艳的水果形成强烈的对比，反衬出色彩的冷暖关系。画家没有表现物体的质感，刻意塑造了每个物体的结构，使物体具有坚实、永恒的性格。塞尚的主要贡献在于一反传统绘画模仿外在世界三度空间的透视现象，而重新寻求一种从自然的秩序中引出的形式结构，追求画中物体的量感、体积感、稳定感和色彩的冷暖关系。为了探索这种造型的本质，他在静物画上倾注了很大的心血。他的作品给人以沉着、冷静和永恒的感觉。 13.维米尔《倒牛奶的女仆》 约翰内斯?维米尔 荷兰最伟大的画家之一，但却被人遗忘了 长达两个世纪之久。维米尔的作品大多是 风俗题材的绘画，基本上取材于市民平常 的生活。他的画整个画面温馨、舒适、宁 静，给人以庄重的感受，充分表现出了荷 兰市民那种对洁净环境和优雅舒适的气氛 的喜好。 进入维米尔绘画视野中的，大多是日 常生活场景，情节一律简单，而且，画家 似乎对女性“情有独钟”，他熟悉她们， 他乐于表现她们，她们的劳动，她们的恋 爱，她们的瞬间表情，她们的随遇而安， 等等，都在画家的笔下一一呈现，寄予着 对生活的感怀。阳光从左边的木格子窗投射进来，照在厨房的一角，健壮的厨娘站在一张摆满器物和食品的桌子旁，专心致志地倒着牛奶，洁白的牛奶如一缕甘泉，缓缓地，从厨娘手中的罐中流向另一容器中。清晨的阳光为厨房里所有的物件镀上一层迷人的金色，厨娘黄色的衣裳闪耀着迷人的温暖的光„„惬意、安宁、舒适，这正是画家为我们提供的17世纪荷兰市民的生存讯息。一些研究者认为光线的独特运用是维米尔艺术语言的灵魂，也是他的作品具有超凡品质最重要的因素。孔龙杰等分析道: 维米尔通过控制背景墙上光线的变化来突出人物形象:女仆身体左面洒满了阳光而后面的墙壁则隐在阴影中。在身体右面的背光处，与之相邻的墙壁充满了光辉。这种明暗对比的技巧，表现得如此自然，以至于人们意识不到维米尔这种组织光线的方法根本是不合逻辑的，因为光线照在人物左边墙上的太少，而右边则显得太多。 与对色彩的选择和对物体尺寸与位置的调整一样，维米尔经常也把光和影作为一种联系整个构图和静现画面氛围的重要因素。 14. 马蒂斯《红色中的和谐》 亨利?马蒂斯(1869年12月31日—1954年11月3日)法国著名画家，野兽派的创始人和主要代表人物，也是一位雕塑家、版画家。他以使用鲜明、大胆的色彩而著名。他与毕加索一起被视为20世纪法国画坛上的两位最重要的艺术家 《红色中的和谐》是马蒂斯 成熟期的代表作。画中描绘了 一个室内的场景，其中有精心 布置的桌子、衣着整洁的女佣、 鲜艳的桌布和墙纸、两把椅子 和一扇窗户;通过窗户，画家 还描绘了一片室外的自然景色 ——绿色的草地、黄色的花朵、 几棵树和一所房子。然而马蒂 斯并没有将这些物象，画得与 它们在自然中实际的模样相符 合。为什么要相符合呢?—— “这是一幅画。”在这里，画家以一块高纯度的红色平面，限定了整个房间内的空间。他把室内三度空间的物象，全都描绘在这块二度空间的红色平面上。他把蓝色的纹样分布在桌布和墙面上，从而在这红色平面上清楚地将那水平的面和垂直的面区分开来。值得注意的是，他在形态的表现上采取一种图形类比的方法。我们在画上看见，窗外的屋顶，与那把椅子形状相类似;花园里树木弯曲的枝丫，与桌面和墙壁上鹿角形花纹相呼应;而桌布上的花梗与女佣的头发，则用的是同一种简略的线条。如果说塞尚是将装饰纹样的布当作静物的背景来画，那么，马蒂斯在这里则是将整个画面的物象，都当成了装饰纹样来处理。 画面的色彩极其有限，且基本上都是纯色。高度精炼的色面组合，使该画获得强烈的色彩效果。马蒂斯的简化天赋，在这里得到了充分显示。他曾说:“色彩从来不是数量的问题，而是选择的问题„„色彩的泛滥造成了色的无力。然而色彩只有经过精心安排，只有符合艺术家的强烈情感，才能得到充分的体现。”在这幅画上，室内的红色构成全画的基调，窗外的蓝和绿色与它形成对比。而窗框的黄色和橙色，则使这一对比稍稍地得以缓和。窗外房子的粉红色，与室内红色相呼应，而室内桌布、墙纸上花纹以及桌上水果的色彩，则与窗外蓝天、绿地、黄花的颜色相谐和。纯净的色彩，使这幅画显得明丽而静雅。尽管热烈的红色在画上占据绝对的优势，但冷静的蓝色却仿佛是一个休止符，使画面色彩的情绪回落下来。全画给人以梦幻般清纯、宁静的感受。观赏这幅画，如果只是看黑白的图片，那将一无所获。 15. 蒙德里安 《红黄蓝的构成》埃?蒙德里安，荷兰画家，风格派运动幕后艺术家和非具象 绘画的创始者之一，对后代的建筑、设计等影响很大。 “看着大海、天空和星星，我通过大量的十字形来表现它们。自然的伟大深深打动我，我试图表达那种浩瀚辽阔、宁静和谐、协调统一。”——蒙德里安 在蒙德里安的眼中，自然界的事物虽然变化万千，活泼任性，但都是以宇宙赋予的规律在运行。自然中相对应的各种元素，如积极与消极、男与女、黑暗与光明，等等，都可以简化为水平线和垂直线。 世界的三种原色具有各自象征意义——黄色象征太阳的照射，蓝色象征着天空，红色则是中性，是“黄和蓝晨曦时的细语交谈”。他的绘画就是“通过纯造型的因素，三原色(红黄蓝)，三种非原色(黑白灰)，和水平线与垂线的网格结构，通过这种图式，寻求各要素之间的绝对平衡。其作品的每一构成要素都经过精心推敲，被谨慎安排在适当位置，显得恰到好处。去达到最佳的表达。” 象征构成自然的力量和自然本身。 这幅《红、黄、蓝的构成》是蒙德里安几何抽象风格的代表作，完成与1930年，我们可以从画面中去体会蒙德里安的绘画哲学。 16.夏尔丹，《餐前的祈祷》 夏尔丹(1699-1779)年，法国画家，1699 年11月生于法国巴黎，画面上出现的是一 个朴素的环境，墙壁光秃秃的，没有布歇作 品中常见的精致装饰线脚和名贵挂件，只有 一角悬着的搁板，上面放了一些厨房用品。 夏尔丹要表现的就是平民百姓的生活，当然 要选择这样来自现实的有典型意义的景象。 在空间很强的室内，白色台布覆盖的餐桌和 周围的座椅，同样显得朴实无华，与房间的 装饰和谐无间，再度点名了这个世界属于 谁。布置好这一切，主角便登场了。 占据整个画面中心位置的是一位正在摆放 午餐的年轻母亲，她一边摆放食物，一边教 身边的两个小孩做饭前祈祷，感谢上帝的恩 典。在当时的欧洲，祈祷是平民家庭的宗教 习惯，它旨在让人们学会心存感激。 这是一幕再平常不过的生活场景，而夏尔丹把人物形象和家庭环境有机地联系起来，营造了一种浓郁温暖的家庭气氛。这三个人，有长有幼，有站有坐，共同构成了一个和谐而又美妙的组合。在色彩上，夏尔丹以温暖的褐色作基调，深蓝色、红色和白色之间的柔和对比，把这种家庭气氛渲染得更为饱满温馨，使画面产生一种情景交融的艺术效果。 宁静的幸福和诚挚的情感流露，是夏尔丹创作的最大特点。这与他本身的性格和人生经历是密不可分的。夏尔丹出身在巴黎，父亲是一位做弹子台的细木匠。夏尔丹立身之初，经历颇为艰辛。他曾学过卑贱的手艺，当过平庸的师傅，几经波折后，开始向一位学院派画家贾克斯?开兹学艺。夏尔丹自幼和下层人民有联系，和他们在感情上有着深刻的共鸣，所以他喜欢描绘他们。在他笔下出现的洗衣妇、厨娘、女小贩或者穷苦家庭的孩子形象，总是那样朴素和真挚，这是画家的民主思想的形象表现。他认为，这些人不仅外形美，内心也美。与那些贵族比起来，他们道德上要高尚得多，他们勤劳朴实、节俭持家，应该得到更高的礼遇与赞美。这也正是《午餐前的祈祷》所反映的本质。 夏尔丹为人谦逊，待人宽厚。《餐前的祈祷》通过一个贫穷家庭的餐桌，表现出普通劳动者安于天命的一种朴素感情。这幅作品展现出:母亲在用勺子盛着汤汁，孩子们却忙着按照宗教的规矩在做餐前祈祷，画中左边的孩子那娇憨、纯真的形象极为亲切，母亲的恬淡慈爱与孩子的天真、气氛的祥和洋溢在画面之中。夏尔丹还对这家人的生活器具做了精细的刻画，由此可见，夏尔丹的观察能力和表现能力是多么的坚实。