世界名画赏析一

世界名画赏析一 《天上的爱与人间的爱》 如果说历史上能过这样一个地方,美丽、富饶,天空中永远照射着明亮的光线,湛蓝的湖水上闪烁着迷人的斑点,成千上万过往的船只给这里带来了用之不不竭的珠宝,美酒,香料,人们每天的生活几乎是以欢歌宴饮中度过,不去考虑明天是否会有烦恼,那么这个像神话一般的地方就是,,世纪的威尼斯。它在当时的地位仅次于佛罗伦萨,在为意大利上的另外一个艺术中心。自由而豪华的物质生活为这时里的文艺复兴带来了欢乐、热情而辉煌的一面。就让我们从在威尼斯享有崇高声誉的画家提香,,,,:年,,,,,年,所创作的这张《天上的爱与人间的爱》开始,走进绚丽多彩的威尼斯画坛。 这是提香,,岁时的作品，不要让它的名字限制了你用自己的眼睛去观赏，因为题目只不过是,,世纪一些富于道德感的人给它凭空加上去的，原来，这只是一份提香送给朋友新婚的礼物。画面上穿白蓝色衣裙的就是新娘劳拉，在她右边裸露着丰润身体的被认为是美神维纳斯，她们共同坐在 雕刻着古罗马雕像的大理石水井边沿上，小爱神丘比特在其中泼水对劲，身后是一片田园牧歌式的风景。有人说劳拉揽在腰间的黑色磁罐里大展盛满了珍珠。这象征着世俗华贵但却终将化作虚无的爱，维纳斯左手挺直的小瓶里冒着青烟这象征丰上帝纯真热烈并且永恒不灭的爱。不过也有人说，这其实表现的是一个理想女性的主题，劳拉代表着娴淑端庄的妻子，维纳斯代表性感动人的女神，尊贵，美丽与生生殖，这也许是所有男子对于女性的期望。而她们也的确是处于男性的注视与支配下，大理石石棺上出现出画面中唯一的成年男子，形象，身上凸起的肌肉表明他年轻健壮，用力向前的姿势和手中挥舞着武器显示出他有足够的控制力，有人认为他就是劳拉的丈夫，也就是这幅画的主人,,一位名叫尼克洛的富有的威尼斯商人。但不管看样，无论这张画含有多么丰富深奥的寓意，那都不是使我们喜爱这件作品的最主要的原因。 或许，观者的目光首先会被右侧的所吸引。她扭转身体，放松，大胆裸露于众人面前，从中我们丝毫看不到波提切利笔下那些美貌女子的羞涩与矜持，同时也没有过于世俗的肤浅，这可能与威尼斯所处的地理位置有关。由于贸易原因，这里比意大利的大部分地区更加富裕，到处充满着自由的物质主义气息。从提香的师兄乔尔乔内开始，对人体的表现就趋向于感官的愉悦。而天性乐观的提香更加懂得，如何使她 笔下的女子尽可能的展现出优美动人的曲线，让她们带给观众一种温暖而朝气蓬勃的感觉。 此外在《天上的爱与人间的爱》中，提香还运用了高超的色彩技巧来使美貌的女神洋溢出青春的火焰。提香关于驾驭色彩就像米开朗基罗特别精通素描一样，在他的绘画中，色彩可不是在作品的构图，素描等问题都解决好以后再添加上去的装饰，它本身就是一种具有独特微妙法则的艺术手段。热烈而耀眼的红色衬托着维纳斯柔软浑圆的肌肤，同时它也出现在劳拉右手臂的袖口上，使狭长的画面显得更加均衡稳健。光滑的丝裙的定于弹性的肉体在光线的照耀下散发出不同的光辉，它们的边界线并不是十分清晰，而是仿佛和周围的光，空气，风景融为一体。这让我们想到了莱奥纳多.达.芬奇在绘制《蒙娜丽莎》时使用的画法，但提香却是通过色彩来实现的，它意味着写实性油画将开辟出一个新的领域。看看提香,,年后的一件肖像作品，便可以体会到画家晚年已经多么娴熟地捕捉到色彩的魅力。画中的男子那样热切而深情地凝望着我们，他的眼底泛着淡淡的绿色，而嘴唇鲜艳而红润，尽管没有了《蒙娜丽莎》那种神秘的造型。但棕色的胡须，以及更重一些的眉毛和眼神，使他看上去依然神气十足，给人感觉逝去地只是岁月，百鲜活的生命却在此刻达到了永恒。 《圣安东尼的诱惑》 西方文明惯常来说都被称为人类理性文明的典范,在这种文明下产生和科学、艺术,价值观都曾深刻地影响,改变世界。然而近代思想家米歇尔.福柯在他的部《疯癫与文明》中,却向世人揭示了在西方历史的书写过程中长久被更改文明压抑和忽视了的另外一面。他说,疯癫是一种晦暗而无序的状态,是明晰精神的对立面,但同时它也催化出一种表象之下的真实,让人们对于自身和周遭的世界有更为深入的了解,如果福柯所说的这样一种状态确实存在,而我们又有希望它能够用图像来言说的话,那么紧好的言说者便是尼德兰中世纪晚期一位独树一帜的画家,博斯,,,,:年,,,,,年, 尼德兰的美术有着和意大利画坛不同的特质。尽管受意 大利人主义的影响。但它的根基仍然深扎在中世纪晚期的杯中物式艺术当中。虽然拥有高超的绘画技巧和将对象的细节描绘得完美无缺的能力，可北方画家们的真正兴趣却并不在于如何更加自然而真实地描绘对象物体，他们关注的是画面中宗教性的精神表现。博斯就是在这样的环境中成长起来的一位画家。他的祖父与父亲――也是他的启蒙老师――都曾热心地为当时兴建的哥特大教堂做装饰，而他本人也是圣母兄弟会的成员，那是一个相当正统而严格的基督教团体。生活中的博斯就如同一个悲观厌世主义者和严厉的道德家，他从不描绘人类的理性，也对由人类统治的世界毫无信心。唯一能够人精神上打动他的是那些基督教传说中的圣人，他们经历了各种肉体与精神的折磨，但仍然保持着内心的坚定。 这幅《圣安东尼的诱惑》是为里斯本一家圣约翰教堂画的祭坛画，他的主角，修士安东尼，是博斯最热爱的圣人之一。传说，这是一位虔诚的基督教徒，在父母去世后，他将财产尽数散给穷人，自己离群隐忧，苦苦修行。在修行过程中，魔鬼为了和上帝争夺人类千方百计地前来诱惑他的灵魂。在博斯的时代，“诱惑”一词的含义比今天要广泛得多，它不仅指通过迷人的事物来引诱人堕落，而且也包括对精神和肉体的比重折磨。在这套三联祭坛画《圣安东尼的诱惑》中，左边的一幅表现了谁的对安东尼肉体上惩罚，右边一幅表现了一场“黑弥撒”――这种弥撒也可以说是魔鬼的狂欢， 它模仿天主教弥撒的形式，但称颂的不是上帝，而是撒旦。画面中心跪在地上，孤立无援的修士安东尼被各种由魔鬼幻化出的怪兽，恶魔所包围，只有城堡墟中十字架帝的修士――可能是圣约翰――做出和他同样的手势。这些东西的形象实在是匪夷所思，读着《圣经》的老鼠，披着铠甲的鱼，天空中飞翔的大鸟，远景中火光冲天的地狱….这一切该用怎样语言来形容呢,光看一看就足够让读者眼花缭乱了。尽管在故事的结尾，福如东海尼抵制诱惑，取得了最终和胜利，但在此处，观者首先感到的却是谁的的无所不在以及人类面对诱惑时的内心乏力。 这些怪异形象影射出的是人的本性和秘密。博斯令我们发现，人类揭去他的“文明”和“理智”后，具有某种类似于发狂动物的可怕形象。“我们胆怯而软弱、贪婪、衰老、出言不逊。环视左右，皆是愚人:不虔敬者，傲慢者，贪财者，奢侈者，放荡者，淫欲者，暴燥者，饕餮者、贪得无厌者，妒忌者，下线者，离经叛道者，…..未日即将来临，一切皆显病态……”而所有的动物，植物，包括无机物和金属部件，则挣脱了人类的统辖和驯化，与众人同处于一个杂乱而无序的世界当中，万物的界限被打破了，唯一清晰可见是众心中无名的狂暴和徒劳的欲求。正如福柯所说“疯癫由此而进入一个完全的首先领域”。 《母亲》 这幅肖像画的作者是德国历史上最伟大的画家丢勒,,,,,年――,,,,年,而画中人就是画家本人的母亲。提到母亲,人们往往会想到美丽。慈爱、善良。就如同拉斐尔笔下的圣母一样,可是丢勒却残酷地瓦解了现实中不存在的幻想。这是一幅逼真的近乎无情的作品,画中的母亲形销骨立,看上支就像一具令人畏惧的骷髅,她的样子用丑陋来形容似乎也不是很过分。而“丑陋”在中世纪,却是魔鬼的与死亡的代名词。 她究竟是怎样一个 人,为什么画家要这样来 描绘自己的母亲,画面给 人带来的视觉冲击力使人 自然想到这些问题。事实 上，这幅作品绘制于母亲 去世前的两个星期，丢勒 的母亲一生体弱多病她总 共生过,,个小孩，却只 有,个存活。生活的艰辛 与病痛的折磨使母亲过早地衰老，这使丢勒悲痛不已，通过画家在母亲临终前的一段记述我们恐怕可以揣摩出他在描绘这张作品时的情绪。“她接连地患上黑死病和其他各种重病、怪症，并且遭受了极端的贫困和恐惧，身处严峻的逆境， 受人挖苦，嘲弄和蔑视。但她从不心怀恶意。她在病床拖了很久，但又说不怕去见上帝。她在痛苦中离开人世。我想她是看到了某些恐怖的幻象，因为她虽然久久沉默无语，但仍想要一杯圣水。那以后，她很快合上了眼。我还看到了死神再次狙击她的心脏，亲眼目睹她 闭上了眼睛和嘴，地离开人世。我不停地为她作祈祷。我为她悲痛万分，以至无法表达这种心情。” 看过这段日记，我们会开始觉得这幅与真人等大的头像具有一种无与伦比的庄重感，它没有受到任何宗教或者巨人眼光的干扰，而是直接讲述了人类生活的基本经验。面对未日将至的恐惧以及遭人唾弃的悲凉，母亲仍保持着对上帝的敬畏与服从。画面以一种惊人的写实主义记录下母亲一生的遭遇与痛苦，一切是如此深刻而有说服力。同时，读者也可以感觉到，在看似冷酷的画面之后，蕴藏着多少不平静的内心激荡。丢勒怀着近科于宗教的感情深受着自己的母亲，他没有去遮掩她那几乎变形的脸上所刻画的沧桑，因为他一定不会认为这是可怕丑陋的，相反，他从中看到了人类从未泯灭的尊严。 丢勒是最早凭借日常的经验去描绘人类尊严的画家。他不是仅仅为富有的出资人或者著名的学者画像，而是深切地注意和观察身边的每一个人，并且毫不犹豫地把他们当成 伟大的题材去描绘。他不仅画了临终前的母亲，而且还画了 ,,岁的父亲(,年后父亲去世)。不仅如此，丢勒也是欧洲历史上第一位为自己的容貌和身份所吸引的画家，他为自已留下了大量不同年龄阶段的自画像，其历史甚至从,,岁时就已开始。在当时的德国，画家的地位仍然被认为如同工匠一般低微，这是丢勒所不能容忍的，画面中，他总是使自己看上去、华丽而高贵。在,,岁的自画像中，他还把自己打扮成基督的模样，这样做并不是出于亵渎，而是因为他的自信。或许他意识到，死亡正在逼近，肉体终将消陨，而唯有艺术，才能够将他电光闪耀般的直观感受和缜密的研究成果保留下来，使它们达到不配。如同基督是上帝赐给人类的求世主，技巧正是上帝赋予艺术家通往认知世界的财富。 《野兔》 究竟什么是“真实” 呢,这不由得使人想到 柏拉图关于“三张床”的 理论。他说“床”有三种, 一种是理念中的床,一 种是木匠制造的床,一 种是画家画出来的床。 其中,画家的床是最低 等一等的,因为它只是 对真实事物外在形体的 再度模仿。这种看法在 照相术兴起以后似乎就 显得列有道理了,快门 一摁,眼前所看到的一切便被真实不过地记录下来,以至于让许多人觉得,写实性的绘画是不是不再有任何意义了。对于这个问题,每个人都会有各自不同的思考。不过,在这个充斥着各种缤纷的理论与学说的年代,能够静下心来回头再看一看过往的艺术家们都取得了哪些进展,恐怕无论如何都是一件令人心怡的事。 丢勒生活的时代，与莱奥纳多.达.芬奇、米开朗基罗、他们差不多同时，只是他出生的地方不是明媚的地中海海岸，而是阿尔卑斯山以北的旧德意志国家。当以意大利为代表的欧洲南部地区纷纷建立起新的科学与艺术规范 时，,,世纪末期的北方诸国仍然深受中世纪精神的影响。不过，阿尔费然特勒可是一个富有创造精神的人，他不仅能够洞穿人的心灵，而且还具有可以与莱奥纳多 .达.芬奇相媲美的科学头脑。他曾徒步翻越过阿尔卑斯山，接受来自南方的气息，也曾像意大利的人文主义者那样，深研过数学和透视学，并写下大量相关的论著和笔记，这幅著名的《野兔》就是最能体现他对自然领域研究成果的一件作品。没有人不会惊讶于作者对一只野兔的逼真描绘。他先用淡淡的水彩铺了一层底色，然后耐心地用不透明的树胶颜色画出一排排线条，逢珠技巧去描绘毛皮的质感，空间与秩序。他根据毛皮在兔子身体上的部位把这些线条的长短、疏密，方向处理得各不相同，最后以在个别的地方添上了明亮的白色。明暗对比的处理以及投在地上的阴影使兔子看上去具有坚实的立体效果。最后，丢勒把他名字的字母组合以及当年的年份标志在画面最显眼的位置上，表明他认为这是一件最终完成的作品。像这样把一只动物作为一幅单独画面的主题来表现，在从前的欧洲画中是很少见的。丢勒以他精微的观察力，发扬了一只野兔作为生命的存在的意义。 这只野兔如此真实地存在于画面之上以至于可以让观者感觉到它沉甸甸的分量，如果抱一抱，它的毛皮一定温厚而松软，不过那硬硬的胡须也许会有些扎人。我们为何会人一张画中如此逼真的印象,那是因为丢勒画的兔子完全符 合自然科学，或许当丢勒在进行创作的时候，并不是对着一只活生生的兔子，而是照着一只塞满了填充物的标本，这样才有他更好地研究自己感 兴趣的知识。这些知识包括人的眼睛对于体积，空间，透视，光影解剖，质感，量感等诸因素的认识。如果没有对透视的深入研究，所画的兔子就是平面的，没有立体感，空间感:如果没有对兔子所受光照明暗的具体分析，没有对解剖知识和深入理解，画家就不会表现出如此有起伏，有具体开关，有量感的客观事物。因此，人类的理性使丢勒获得了兔子的逼真表现，再造了充满生机的自然。 为了能够把这一点得更清楚，就让我们再来比较一幅中国古代画家的作品。在宋代画家崔白的《双喜图》中读者看到了这样的场景:深秋季节，一阵萧 瑟的凉风吹过，耳边听到了网志，当中夹杂着一只爱心喜鹊的尖叫，它迎着风腾空而起，使它受惊的是一只刚刚出现的兔子，听到喜鹊的惊叫，它猛然回头凝望。这里面的兔子同样是活生生的，不过崔白的画法却和丢勒迥然不同。他把兔子画在一个自然的环境里，风在吹，鹊在叫，树叶随风摆发出沙沙的呼声，喜鹊腾空而起，不停地扇动翅膀。兔子猛然贺词，眼睛睁得溜圆，还有一个细微的动作――鼻头微微拱起――它在闻，这一细节会唤起每一个兔子的人的同感。闻是兔子的习惯动作，每一闻，它的鼻子就轻轻抽动，虽然这只是一张静止的画面， 但却唤起了观者众多的感觉，画家通过细致入微的观察把生活中转瞬即逝的情景凝固到画面里来，是画家对兔子，对自然的种种体会使得整张画都活了起来。 崔白的作品有着中国古代诗歌的意境。他没有在画面中加入更多人为的因素，只是通过平易，亲切的描写，就使景物的意象自然呈现在观者面前，并且具有一种静谧的禅意。而再回到丢勒，我们也不能因为他面对的只是一个标本，就简单地说他只追求形似，不重感受和精神。应该看到，他的追求是另外一种境界。那并不像柏拉图说的只是对自然单纯的模仿，而是要再造一个坚实的世界。 《基督受难》 在通常情况下,我们需要借助知识和更改才能更好地理解艺术作品,作者的传记、相关的,如同等身的身材,观者的视线从画面中捕捉到更多的内容。不过,如果面对真正伟大的作品,这一切就有些多余了,只要敞开你的心,任何人都会感受到来自画面本身的强烈震撼,那种激荡人心的感情是无法用人们文明的语言来形容的。它需要你有足够的耐心和专注力来投入感受其中的痛苦、欢乐、伤心、绝望、光荣、悲壮…….与世界上所有人一起分享那些人类最基本的情感与梦想。 德意志画家格吕内瓦尔德(,,,,,,,,,)为圣安东尼修会慈悲修道院绘制的这组祭坛画，就这样一件杰作。关于它的作者，我们知之甚少。尽管如此，却丝毫不会妨碍读者直接面对这幅画作。它向众展示出的悲剧效果是空前绝后的，观众可能会被画面的痛苦氛围所震慑，即使并不是十分熟悉圣经故事，读者也会辩认出这描写的是基督受刑的场面，可是又有谁能够像格吕内瓦尔德一样，把这悲惨凄凉的场面描绘得如此感人至深呢,特别是当注视到细节的时候，那些受难后的可怕场景恐怕会彻底撞击观看者的心灵。我们看到基督的手指因剧烈的疼痛而尽力伸张着，几乎冲破整个画面的边框，在每一根痉挛的手指之间倾诉了多少痛苦与。他的双脚抽搐般地又将在一起，猩红的鲜血正从趾 缝中间滴淌下来。他的身体像荆棘一样布满作品，恰如圣安塞姆的记叙:遭鞭挞后，主昔日美丽的身躯像麻风病人那样裂开，在高大的基督身旁瘦小的圣女挂抹大增屈身下跪，绞在一起的双手表现出她内心的苦恼，左边身素服，神志恍惚的玛利亚倒在圣约翰怀中，悲痛绞碎了她的心，使那最神圣的肢体完全丧失了知觉。格吕内瓦尔德以令人窒息的手法直截了当地展现在观众面前，画面中所有的线条和无不充溢着痛苦的神秘色彩。他的描绘并不像莱奥纳多那样包容着广博无尽的知识，也不像波提切利那样专注于形体的优美，更不像提香那样带着轻松而愉悦的心情去表现现世的生活气息。他渴望做到的只是将一个古老的主题尽可能以图像的形式描绘出来，打动观者的心灵，使他们从情感上相信，那件事一定确确实实存在过。为此，他不异牺牲漂亮的形体。 格吕内瓦尔德的作品本身就是一个充满了内在张力的自足世界，看一看画面右边施洗者约翰伸出的那只手，它是多么有力而坚定，在这后面写着一行字:“他必将充盈，我必将灭亡。”而地上的症状和圣杯也提醒人们，尽管此刻痛苦误伤，但为洗涤人类原因而牺牲的基督终将复活，给处在黑暗中的人们带来希望。这算是一个暗示吗,的确如此。如果下次你再进入这座教堂，看到的也许就完全是另外一幅场景了。祭坛画的形制有些特殊，它并不是像我们平时摆在家里的独幅作品那样挂起来供人欣赏，而是如同一扇扇可以折 叠开合的门窗，根据不同的仪式需要，呈现出不同的面貌。在平日里，只有这同上阴森凄凉的《基督受难》正对着大厅中央，但如果到子礼拜日或者其他重要的节日，祭坛画就会从中间的部位展开，像是伸出两只翅膀。这时观者就会惊讶地发现，祭坛画正面那悲痛欲绝的气氛一下子消失了，令人陶醉的欢欣在一征艳丽缤纷的华光中涌入教堂。事实上展开以后的祭坛画总共包括了《圣母领报》、《耶稣降生》、《圣母子与天使》和《基督复活》四个场景，这里就让我们只用最后一幅来做一下对比吧。正如施洗者约翰的预言，基督在三日后复活。他就像太阳的幻象一样，冲破厚重的石棺，在星光闪烁的复活节夜空中散发出炙热的光辉。从中我们可以到，格吕瓦尔德艺术中的宗教因素，并非来息中世纪美术本身源远流长的结果，而是源于对心仪伟大传统的回归。他的艺术有着追求崇高与伟大的物质，因此尽管属于心灵体验的领域，但同时也以其特有的方式，记录下了新的时代精神。 《科斯皮尼博士和他的妻子安娜》 这组像肖像画堪称,,世纪初期最为动人的绘画作品之一,它们的作者是德国文艺复兴时期的画家――卢卡斯.老克拉那赫,,,,,,,,,,,.他为当时许多人文主义者与宗教改革家留下大量生动而逼真的肖像。在这些作品中,不仅有呼之欲出的的人物性格,而且还体现出各种只有在当时的历史条件下才能孕育出的庄严而神圣 的知识理想。 《科斯皮尼博士和他的妻子安娜》中克拉那赫早年在维也纳创作的作品，它以充满寓意的象征手法成功表现了两位常识渊博的年轻人对于人生的新的积极看法。科斯皮尼博士(,,,,,,,,,)有着非凡的经历。他,,岁的时候就被德意志的马克西米连皇帝任命为维也纳学院的校长，并且记得“桂冠诗人”的荣誉。无疑，他是那个时代最有才华的人文主义者之一。克拉那赫是科斯皮尼的朋友，,,,,年，他为,,岁的科斯皮尼以及他婚的妻子画了这幅肖像。夫妻俩穿着具有特色的衣裳，坐在户外生机勃勃的草地上。科斯皮尼身披黑色鹅绒和茶色皮毛缝制的庄重的教授服，酒红色的帽子表明他身为医学院的校长，金色的卷发围绕着他玫瑰色的面庞，眉宇间流露出对对知识的势头与信仰。他的手中拿着一本厚厚的书，微微抬头，望着远方，似乎仍在沉思书中一段刚刚看过的内容。不过，他的表情更像是在聆听来自宇宙万物的声音，如他所热爱的一位哲人在诗中写到:“优美而和谐的旋律飘进我们的耳朵，深入灵魂，劝诫并立刻鼓舞我们的精神，在我们内心深处，去聆听并深思这种神的歌声。”妻子安娜是国王宫廷中一位大臣的女儿，同样具有良好的知识素养。从红色织锦和黑天鹅绒缝制的衣裳以及她手中所持的鲜花，我们知道这是一位新娘。坚毅的目光显示出她的矜持与忠贞。也许这对肖像画正是两位年轻人结婚 的见证，从中可见他们各自不同的身份和美德。 克拉那赫虽然把人物安排在两个不同的画面里，可是如果去除人物，人们身后的风景却完全可以连成一个整体。夫妇二人左右两边对称的橡树枝干伸向森林和山崖，构成一道弧形“拱门”，这种在宗教画中经常用到的构图方式使画面更显出庄严伟大的气氛。两位年轻人淹没在自然的宇宙整体中。风景充满了博学的象征寓意。两幅肖像的背景有两个明显不同的主题:科斯皮尼这边是水，安娜这边是火，再加上树木与大地，这些是构成万物的基本元素。河畔的洗衣妇和浴者其实是希腊神话中九位缪斯女神，而天空中一颗闪耀的金星则意味着圣主显灵。在飞翔中擒着猎物的猫头鹰可能是属于科斯此尼星相的鸟，同时它也代表着雅典娜的智慧或者盲目的愚蠢。安娜身后的树上落着一只鹦鹉，安是美丽与忠贞的化身。这两幅肖像画将新人文主义泛神论者的感情视觉化了。不过，仅仅些物体所象征和含义逐一解释出来还是远远不够的，我们不能忽略了它们作为整体的重要性。在神秘符号的象征系统之外，这些风景也表明了这对夫妇对于我们自身的理解与认定。在北欧学者看来，风景是精神的世界，人物的情感与内心都会从中有所感应。当时学术界正流行着关于“大宇宙”，与“小宇宙”的理论。“大宇宙”不再是因浩瀚无垠而无法察觉的，它被视为具有生命的有机体，其智慧与奥秘同自然中每一处最微小的部分结合在一起，而“小 宇宙”主要指人类，他们通过天生的灵感与禀赋，对自然中的暗示有所感情，个人的内心世界在富有诗意和神秘色彩的风景中得到投向。由此，上帝也不再是只有通过都会，仪式等外界手段才可以认知的，他就守护在虔诚者地心里。无疑。这是那个时代最富有魅力的独特思想，而克拉那赫则把它通过绘画作品的方式凝结下来，久给后人去凝望，深思。 《出访英国宫廷的法国大使》 能够认真去欣赏一幅大量的杰作真是件美妙的事,似乎你每一次去看它,它都会让人体会到不同的东西。不过,这种境界是随着观者对作品的深入程度而提升的,如果不希望在这趟奇妙的旅程中失望而归,那么读者就需要具备足够的耐心,好奇心以及求知欲。 小能斯.荷尔拜因(,,,,,,,,,)是一位以冷静而优雅著称于世的画师，他的父兄都是德国文艺复兴时期著名的画家，因此我们不得不在他的名字前面加上一个“小”字，在艺术与知识歉收并蓄的环境中，荷尔拜因很快掌握北方艺术家和意大利艺术者的成就，既能画出归和谐完美的构图，又能画出不忽视事物细节的美。不过正妆他日益跻身于德语世界一流大师之位时，愈演愈烈的宗教改革让他失去了继续发展的机会。为了逃离社会的动荡，荷尔拜因来到隔海想望的的英国，并在那里永久定居下来，谋得了亨利八世宫廷画师的职位。这种选择不一定是荷尔拜因所希望的，他纯 净的心灵令他更原意去接受教学的祭坛画。可是不管怎样，艺术家还是要生存，服务于宫廷，至少让他找到了一个可以安心生活和工作的地方。在这里，他不断的为皇室的王公贵族画像，从而开创了一种颇为后世所敬仰的肖像画统。 图中这幅《出访英国宫廷的法国大使》是荷尔拜因在英国期间的代表作品，它也是画史上第一幅双人全身肖像。他们都有超人大小，左边是法国,,,,年派驻英国的大全丁特维尔，右边是特意前来看望他的朋友，身兼外交官，主教数职的塞尔维，画作是对他们二人此次会见的纪念。初看上去，这同上作品不过是描绘了两个 富有而且受过良好教育的有钱人。架子上的陈列也都是华美精致。倒是二人脚下那根人斜放的“棒子”让人有些摸不关头脑。这是什么呢,好奇的读者或许会把图片拿过，放在眼底仔细观看，可似乎还是看不出什么名堂，于是再推远了瞧瞧，仍然歪着头进思不得其解。碰巧，这时你的头偏向了右侧，好像有一种什么形象浮现了……没错，那是一个头骨的骷髅～画家运用了足够的技巧，使骷髅有些变形，而只有当观众从右边低处的某一点看去，这种变形才能得到恰当的纠正。你会觉得这种视觉游戏好玩吗,如果是看别人的画像当然无所谓了，可要是换了你，你总不会希望在自己和好朋友的照片中摆上这么一个令人不愉快的东西吧。荷尔拜因的作品就是这样，看上去一目了然，但却把最深层的含义隐藏起来，只有不断地去凝 视，才会有新的发现。要知道，荷尔拜因在画史上可量精深而博大的典范，他画面上的每一个细节都不是信手为之的。还是让我们先把那给读者带来困惑的骷髅放一放，带着别样的心情和眼光，来重新审视一下这幅名作吧。因为它原本是摆在地上，其最下方的地板就如同房间中真实空间的延伸，所以就让我们从这些地板上的花纹说起。学者们辩认出，这种图案是依据英国威民斯敏斯特大教堂内殿的地板纹样而描绘的，而这种图案在中世纪和文艺复兴时期具有特别的意义，它在米开朗基罗绘制天顶画《创世纪》的西斯廷教堂也出现过，而且就在“上帝创造亚当”的正下方。在当时，它有一个众人都 可以理解的的象征含义,宇宙，既包括宏观的外在世界，又包括构成宇宙的微观世界。认识这一点，是我们了解整张画的起点。逐渐往上看去，读者发现，画面的中心部分其实是由均匀的垂直线和水平线构成。两位站立的大使象征着人在宇宙之中的地位。一位穿着华丽，他手持的匕首外壳上刻着他的年纪，,,岁:一位服饰简朴，他的臂肘压在一本书上，在书露出的外侧面上同样记下了他的年纪，,,岁。不同的着装表现出二者不同的气质，前者热情，后者沉稳，不过这也让人联想到新柏拉图主义常说的两面，一种短暂的世俗，一个纯静而永恒的天国。他们之间铺着土耳其挂毯的木架分作上下两层。上面一层摆放的都是当时用作天文观测和航海的食品，它们分别是:天球仪、圆柱形日 晷，四分仪、多面体日晷和转矩，由于有一个明显和下层相对的天球仪，所以这一层象征着“天”;下面一层自然代表“地”它上面摆放的分别是;地球仪、数学书(它里面夹着一把象征几何的直角矩)、琵琶和一本写着路德赞美诗的唱颂集。所有这些物品加在一起，包括了算术，几何，天文，音乐这四门学科，古老的传统认为它们最能够使人的理性接近于上帝的真理。 看到这里，读者或许会觉得这又是一件典型的文艺复兴作品，在宇宙之间，热情赞颂人类的智慧与理性可是该考虑一下那个骷髅头了。它为什么出现,而且是如此显眼的位置。如果再仔细观察的话，像这样令人感到某种不祥的细节还有很多。比如左侧的大使，在他的帽子徽章上同样有一个隐晦的骷髅头像，想想哈姆雷特王子在的大段独白，我们便会了解这意味着尘世的虚幻和短暂。而架子上的琵琶有根弦是断的，它也有固定的含义;脆弱与不安。旁边翻开的唱颂集上写的是马丁.路德的诗句，这使人想到这幅作品的时代背影;此时欧洲正因为宗教派别的分裂而陷入空前的混乱与动荡之中。 这时，画面中的所有物象似乎都在说话了，搅得读者的心也不安宁起来。我们的目光在画面上四处游移，渴望发现更多信息。最后一处至关重要的细节终于突显出来，在绿色幕布的左上角，露出半个基督受难雕像――隐藏在所有表象 之后的真正实体出现了，它再一次提醒人们，尽管人类拥有非凡的才智和成就，但这一切都将化为乌有，只有对上帝的爱与虔诚才能使智慧达到永恒。对于这一点，荷尔拜因是做到了。他拥有广博的知识，也拥有把事物的形体、空间、质地都描绘的惟妙惟肖的能力，可是当他年纪越大，技巧也越来越成熟时，他反而将它们作品中更深的隐藏起来。他以一种高度的自我克制使我们注意力转移到对被画者本身的体察上，静静地、不加判断，但其中却包容着无尽的内涵。 《雪中猎人》 尽管欣赏名作需要独立的思想,可每一幅作品,我们总还是忍不住想先问问它的作者,因为作者的名声就好比保证质量的品牌,它将观众的眼光定格在不同的境界。与小汉斯 .荷尔拜因的得名方式一样,老彼得.勃鲁盖尔,,,,,,,,,,,由于父子同为画家,所以要在前面加上一个“老”字。他是,,世纪尼德兰地区最伟大的画家,也是历史上独一无二的大师。这样说并非言过其实,只要静下心来仔细去品味他的画,便不难体会到其中那种深沉而博大的品质。 这幅《雪中猎人》无论如何都会给人留下强烈的印象，或许刚开始的时候说不清为什么，但至少分明的黑白对比已经映入了观者的视线。在一片银妆素裹的雪景中，画面左边顶立着深黑色的树木，它们与画幅边缘形成垂直线，一棵棵沿着犯人前进的方向，遵循透视的“短缩法”逐渐推远。顺着视觉的指引，观众看到山谷中的冰面，以及在上面嬉戏的杜志民们，他们头顶上飞过一只展翅的黑喜鹊，正好将近处的树木与远景的山峰联系下来。看到这里，细心的读者便 能感觉出一些门道了;作者在如此不着痕迹地安排布局，以精确严谨的秩序统辖复杂的表象。带着这一发现再去欣赏画面，慢慢地，便会令人在这个冰天雪地的世界里流连忘返。我们会在画面上找到不同的三角开解和对角线，或许，仅用这两个词来概括还不是很合适，因为提到“线”或者“形”， 它们只让人想到二维平面而忽略了空间，可是在实际面对 画面的时候，我们却感觉到明显的高低变换和距离上的深远。两条对角线事实上位于高、低、前、后的不同空间，而两个三角形也分别伸向近景和远点，即使从正面看，一条条由白色小路构成的水平线也与形成透视关系的树木一样，将观众的思绪带向远方。 毫无疑问，这是一幅具有相当可信度的画面，如果没有前面的分析，我们或许就会以为这只是冬日乡村景象的偶然一瞥，用“写实”或“画得真像”便可以简单概括了。可是这画面的真实并不等同于自然的真实，它比平日里所见的雪景，寒冷而透明，有动物、植物、房屋、水面、山峰，有活动在期间的人，但在画面中，勃鲁盖尔似乎更关心的是由它们所构成的矛盾与统一，变化与重复的关系。黑与白、垂直与水平、活动与静止、这些本都是对立的因素，然而作者却将它们融入整体的框架当中;高与低、长与短、远与近、它们打破单调的节奏，同时又保持相互响应。这些关系绝不单独存在，而是纵横交错在一起，让人欣赏起来多了不少思考的乐趣。举例来说，左下角的猎人离我们最近，但背对观众，根本无法看清他们的脸，而最远处的山峰却正对着我们，轮廓分明。那壮大的尖峰使人联想起构图中的三角形，它也反复出现在浓密的树杈和斜坡的屋顶。作者就如同缤纷宇宙的审视者，无差别地对待眼前的人与景物，默办世界的喧嚣与 沉静，对于他来说，它们的意义并不在自身，而是属于永恒秩序的一部分。在平凡的劳作中，在与自然较量与游戏中，生活呈现出它内在的诗意民。 这幅作品属于一套表现季节的组画，是比利时安特卫一位收藏家订做的。就在作品创作的同一年，勃鲁盖尔还留下一张有趣的自画像，他手拿画笔，独自沉思，而身后站着一位滑头滑脑的买家，好像正在对画作指指点点，发表看法。谁也不知道他是否就是这套作品的主顾，但这幅画像至少表明，画家是一个桀骜不驯的人，他有清晰的自我意识，对世界有的独立看法，收放辊他谋生的职业，但他绝不会向庸俗的尘世妥协。这就使此幅作品显得更加耐人寻味，它之所以在漫长的历史中经得起反复推敲，正是因为它是一件纯粹的艺术作品，其中凝结着作者全部的心思，智慧与才华。 《农民的婚礼》 除了乡村风景,勃鲁盖尔还画了许多表现农民生活的画,比如画他们的日常劳作、节日庆典、民间等等,村民们在勃鲁盖尔的笔下显得淳朴、憨厚、笨拙甚至有些滑稽,经常让观者看过之后禁不住抿嘴一笑,因此他在当时得了“农民画家”的称 号, 《农民的婚礼》是表现农民生活和作品中最有名的一幅，它描绘了举办婚礼喜筵时的场面;地点看上去像一个谷仓，墙垛用干草堆成，人们在用树干制成的简陋板凳上，围在长方形桌前就餐(如果读者也有过参加婚礼宴会的经历，那么尽可以将自己的感受调动起来，因为即使环境不同，但那嘈杂喧闹的气氛却是可以想象的(然而面对混乱的场面，然而勃鲁盖尔仍能凭借他杰出的构图技巧，将它们和谐点，他身穿头戴红帽，还系着，还系着一条白围裙，在整幅画面显鲜亮而醒目，使观者一见到画，便首先将目光落在这一点(而在他的前方和左后方，有两位身着红色，白色服装的人与他相呼应(前一位是他的搭档，将人们的视线带到画面;后一位是喜筵上的乐师，可动作的方向性自然地构成了一个 空间上的折角(最靠墙的一排人恰好是这个三角形的底边，他们一直延伸到门口，那里还有好多凑热闹的人想拥护进来(与远处人群的密集不同，前景中蓝衣人周围的空间却是格外宽阔，在空隙之间，可以注意到两个分别戴着绿帽子和红帽子的人，他们一个举着空酒杯似乎在招呼要啤酒，另一个伸出手来接过木板上的食物，使餐桌外围与内圈的人联系起来。而在他的红帽子之间留出了一个衬着墨绿色布景的空档，它让我们发现了这场婚宴的主角――新娘.。新娘，满意地坐在一个的花冠下方，头上也戴了:宝冠:(即使处在后排，也让人能够一眼辩认出她的特殊身份来(她闭着眼睛，双手交叠在一起，似乎脱离了喧闹的环境，独自陶醉在对婚姻的冥想和期待里(红扑扑的脸蛋并不漂亮，可是自有幸福的笑容挂在嘴角上(左边坐着两位神色镇定的老人，看来好像是她的父母(右边两边戴着白头巾的女子大概是伴娘，然而人们却始终无法确定画面里空间哪位是新郎( 整幅画其实并不让人感受到多少新婚的喜悦，纵使新娘露出痴痴的微笑，却因为新郎的缺席而显得没有多少着落(席上的人很多，但大都庸庸碌碌，或者心事重重，他们自顾吃喝，只有角落里的教士在聊着天(餐宴看上去还算丰盛，可仔细一瞧，那些盘子里都只有薄薄一层，不知是面饼还是米粥(尽管如此，人们仍吃的津津有味，坐在地上的小孩吮吸自己的手指，享受着这顿平日里难得遇到的:美 味:(画家如同一个局外人，将这一切平静地呈现在观众眼前，无论物质环境多么贫乏，人们总有求得生存的能力( 《弗朗索瓦一世》 法国的,文艺复兴,,一般来说要比欧洲其他国家来得更晚些,而且,即使我们仍然使用,文艺复兴,这个词,它的含义也已从前有很大偏离了,受到强大皇权的影响,法国的文艺复兴并不是建立在意大利人的民族自豪感,或者德国人对人文主义的憧憬之上,而更多是以一位法国国王的喜好和审美趣味逐渐兴盛起来的,这位国王就是我们在图中看到的人物――弗朗索瓦一世, 尽管在执政生涯中并不十分受百姓爱戴,可法国之所以能够在近代成为世界艺术之都,他的作用实在是功不可没 的, 画上的法王弗朗索瓦一世穿着豪华，仪态潇洒，俨然一位完美的君主(不过，象征无上权力的王冠被隐藏到了红，黑相间的背景纹样中，给人留下印象最深的似乎倒是这位国王精致华美的艺术品位(宽大的外衣散发着绸缎的光泽，金色调子上又添加富于变化的黑色条纹，用金丝绣出的图案精细迷人(国王的面部也一定经过了精心的修饰，发式，胡须都让人无可挑剔，镶嵌一件件的黑色帽子边缘，围绕了一圈羽毛做的装饰(他温文尔雅地看着画外，一只手扶着桌上的手套，一只手握着短剑的手柄，它们都是骑士精神的象征(法 王被号称:骑士国王:)(可以说，这是一幅:外交式:的肖像，它在不经意间将人物提升到直觉的境界，所有的人性的弱点全都不见了，观众完全被表象的华美所折服(弗朗索瓦一世也确实是一位以对美有着特殊感受力的国王，其品位源于他对意大利艺术的深深边醉(从,,,,年开始，法国向意大利多次发动军事远征，在这些战争中，弗朗索瓦一世有机会越过阿尔插卑斯山而进入意大利，他对当时正处在于颠峰状态的意大利文化大为赞叹和惊讶(:与此相比，我车的文化差得远了，必须想什么办法尽快加以改变(:于是，他开始任命优秀的建筑师按照意大利的建筑样式重新设计王宫，并且将许多意大利的艺术家邀请到法国，其中甚至包括像莱奥纳多(达(芬奇这样的耀眼的明星，莱奥纳多在法国度过了他最后安逸而稳定的四年，据说临终时就是死在这位国王的怀里(弗朗索瓦一世如此不遗余力地把意大利文艺复兴时期的艺术，建筑样式移植到法国，从而成为,,世纪欧洲一位相当重要的艺术赞助者与保护人(就拿在今天闻名遐迩的卢浮宫来说，中世纪的时候，它只是塞纳河边一座存放一定档案和珍宝的城堡，是弗朗索瓦一世在,,,,年萌发建造一座文艺复兴式宫殿的构想，这里才正式用于艺术品的收藏(从此，历代法国王室通过各种途径收集来自世界的各种艺术珍品，使卢浮宫成了艺术品的荟萃之地，后于,,,,年改为博物馆并向公众开放(此外，弗朗索瓦一世还扩 建了王室在枫丹白露的行宫，并使其成为一处交融意大利与法国双重艺术风格的变化场所(枫丹白露意为:美泉:，是巴黎近郊著名的历史古迹和浏览胜地，位于塞纳河，这里松柏青青，碧波粼粼，附近的森林内种植着橡树，桦树，山毛榉等高大树木，从高处下望，宛若一块硕大无朋的绿色绒毯(但是弗朗索瓦一世对此并不满足，他要让这里不仅是皇家行猎的场所，而且成为恢宏艺术的展示厅(,,,,年前后，他特意聘请了一批意大利的画家(雕塑家，前来与法国的工匠画师们合作，共同参与枫丹白露王宫的装饰 建设，在法，意两国的交流过程中，一种新的风格逐渐产生，影响到宫廷内外，形成了法国历史的一个著名的:枫丹白露画派:(这一画派的成员都以意大利绘画大量的绘画杰作为楷模，同时更注重线条韵味，追求技艺的精巧完美，具有浓厚的贵族化气息( 这幅肖像的作者让.克卢埃(,,,,, ,,,,年)就 是就是“枫丹白露画派”中杰出的代表人物。有关他的生平史料有限，我们只知道他的确担任过弗朗索瓦一世的宫廷画师。对他的一些作品的归属问题，迄今仍有争议，这幅画也属争议范围。在国王的雍容气度之下，作者的个性已经被深深隐藏了，我们只能猜测，他一定是位拥有高超技艺的画师，完成了一幅精美绝伦的肖像。 《拉奥孔》 ,,世纪后期,欧洲文艺复兴最完美的颠峰已经过去。我们从前谈到过的大师们,实际上已经解决了前人力图在绘画中解决的所有问题,复杂的素描、优美的色彩、深沉的情感、和谐又不失精确的描绘,这一切甚至让后来者怀疑,他们是否还有机会挖掘出艺术的更大潜力。于是,年轻一辈的画家们开始尝试去打破完美的规则,决心开创一条不同以往的道路。 在这个时代，最令人难以忘怀的名字是埃尔 .格列柯(,,,,,,,,,).这是一个来自希腊克里特岛的年轻人，他有一个古怪的希腊名字叫多梅尼科.狄奥托科普洛斯。 尽管最终选择了西班牙的托来多城定居，但他颇为自己希腊人的身份而感到自豪，在许多作品上，他都会不厌其烦地签上这个长长的署名。不过，这对于其他人来说实在是太拗口了，人们更简单地格列柯，也就是“希腊人”。 格列柯的画作常常带给人一种动荡而不安的感觉。他大胆蔑视自然的光线和色彩，专注于表现激动人心的，充满戏剧性和精神性的场面。这在他晚年的作品里表现得尤为明显。图中的《拉奥孔》是格列柯在生命最后四年里创作的作品。这件作品以高度的悲剧性激发出人们的感受和想象力。它的内容和表现主义手法与希腊化埋藏的一件同名雕塑如出一辙。它们都取材于人与神相冲突的神话:希腊人久攻不下特洛伊城，最后将一匹巨大的木马放在城外，让一些士兵以肚，然后假装撤退。特洛伊人以为希腊人撤走了，就打开城门，见到一只巨大的木马，想把它拖进城去，祭司拉奥孔出来警告特洛伊人，不要把木马拉进城，以免中计。这触怒了雅典娜的众神，因为拉奥孔破坏了众神要毁灭特洛伊城的计划。于是雅典娜从活跃调来两条巨蟒把拉奥孔和他两个儿子活活缠死。雕塑于,,,,年在罗马出土，一经展出便震动一时，被推崇为世上最伟大的雕塑家米开朗基罗也赞叹说“实在是不可思议”。 格列柯肯定有机会见过这件雕塑原作，想必他是受到了其中强烈悲剧性精神的感召，决心以自己的方式创作一件同样激荡人心的作品。他运用了自己最擅长的艺术手段;“变形”和“富于表现力的色彩”。并且使描绘的主题变得更加神秘。在画面中，远处的地平线被夸张地抬高了，前景的人物因为恐惧和痛苦而剧烈地扭曲，变形，黑色，银白色，赭 红色与蓝色被大胆地使用着，触目惊心的对比。除了掐扎的拉奥孔父子，右侧方向还站着两个直立静观的人体，他们被认为是特洛伊敌人的保护神――阿波罗和雅典娜，正是他们派出了巨蟒来噬食祭司。后来当人们在清洗这幅画的时候，发现还有第三者的头和身体存在，这个人很神秘，在格列柯很多与“天启”有关的画中都出现过。背景中一只象征着特洛伊陷落的木马向远方走去，只是它去了方向并不是古代的特洛伊，而是格列柯所在的城市托来多。在当时，托来多是欧洲的一个边远的地方，这里中世纪关于艺术的观念与热情仍未消减，而且了大批西班牙老式的没落贵族。这些贵族与情投意合，让格列柯长期受到的宗教热情得到彻底爆发。格列柯的晚年，一直都在把这座城市作为一种精神热情得到彻底爆发。格列柯的晚年，一直都在这座城市作为一种精神的象征来描绘，他不仅经常将其用作画面的背景，而且还把它视为单独创作的主题，在他的另一幅名作《托来多风景》中，整座城市就如同挣扎的拉奥孔一样蕴藏着激烈的震动与不安，这是西方历史上第一张情绪化的风景创作，画家把他内心所感受到的一切投射到他赖以生存的城市里面。因此，许多人都认为《拉奥孔》的含义远非看上去那么直白简单，它不过是借用了古希腊的样式和主题，而真正想探讨的却是蕴藏在他内心和时代当中的危机。“在他眼里，这个世界正在崩溃，而他也在描绘这种崩溃”，毕加索这样描述格列柯“在 他身上，无疑具有一些他那个时代，或是我们这个时代不曾认识的伟大的东西”。 《秋冬山水图》 当欧洲人苦苦探索如何与现实较量的时候,东方人却在想着如何用一种简练、概括的语言去表达他们对于自然的深切感受。他们逐渐找到了另外一套更加有助于表达瞬间灵感和激情的办法,运用容易造成偶然效果的宣纸、毛笔和墨汁,再调和进一定量的水,形成基本的浓淡干湿的变化,看上去朴实无华,但这已经足够他们支自由描绘他们感兴趣的所有题材了。 ,,世纪的室町时 代，中国宋元时代的山水画 在日本备受欢迎，而宣纸、 水墨的画法也逐渐取代了日 本传统浓艳华丽的“大和 绘”，成为画坛主流。就在这 个时期，日本绘画史上出现 了一个重要人物，后人将他 像中国唐代的吴道子一样尊 称为“画圣”，他就是著名的 禅僧雪舟等杨(,,,,, ,,,,). 雪舟等杨本名小田等杨，十二岁时出家为僧。雪舟是他的号，意为如雪般纯净、像浮舟一样处在，浪迹天涯，独来独往。他被视为一个时代的缔造者，一种风格的里程碑。像许多著名的画家一样，立于关于他绘画天赋的故事有很多，比如丰子恺先生就讲过一个;雪舟很小就做和尚，但他不喜欢诵经念佛，专爱描画。他的师父命令他诵经，他等师父去了便 把经书丢开，偷偷地拿出画具来描画。有一次，他正在描画，师父忽然来了。师父大怒，拉住他的耳朵，到大殿里，用绳子把他绑在柱子上，不许他行动和吃饭。雪舟很苦痛呜咽地哭泣，眼泪滴在面前的地上。滴得多了，发现约略像个动物。雪舟便用脚趾蘸着眼泪作画，画一只老鼠。即将画成的时候，师父悄悄地走来了，他站在雪舟背后，看铜见地上一只老鼠正在咬雪舟的脚趾。仔细一看，原来是画，因为画得很好，师父以为是真的老鼠。这时候师父才认识到他的绘画天才，便 释放他，从此任凭他自由学画。这但便 是大画家发迹的第一步。当然无论怎样生动，这些都不过是后人传颂的故事而已。有据可考的史实是，公元1467年(这时雪舟47岁，文艺复兴巨人达.芬奇15岁)，雪舟等跟随遗明使到中国，于宁波登陆，住在天童寺。在此期间精研中国历代名家真迹，对南宋江山水画家马远、夏圭尤为钟情，摹其画入，究其要义，深明其理。同时，性好漂泊的雪舟也在全国游历，遍阅名山大川，从中师法自然。次年赴北京，受 到明宪宗接见。皇帝欣赏他的画作，授之以“天童第一座”的称号，这算是予外国家的最高奖赏了吧。 我们在图中看到的是雪舟等杨的第一套作品《秋冬山水图》中之冬景。画家很可能是凭借记忆和画稿，画下了一次独自行走在寒雪山林间的休难。画中几条浓重的墨线自然分割出不同的层次空间，其中上方中央凭空出现的一笔多么大胆，它似乎无依无据，但想想自己在山间曾经遇到过的情景，狭窄的山麓上，有巨岩突兀而出。我们对于来自上方的压迫感 又是怎样一种体会呢,在山石转弯处露出远方的雪山，散发着洁白明亮的光，它是中途的终点呢,还是幽思升起的地方,整幅作品峭壁苍山，相对而言，树态人姿，笔墨冷逸，依稀可见南宋马、夏痕迹、然而期间空灵峻秀的则自成一家，尽管笔法极尽冷恣肆之情，苔点墨痕随意写出，不似西方绘画那样把所有细节都一一刻画，但它已经是一件完整的画，让人触及到一种空如实生动，似曾相识的感受。同时，其冬雪惨淡，寒山空寂，楼宇肃穆，行者闲逸的场景，又足以带领读者的心前信另外一个远离俗尘的世界。“作者贵在慑情，不可使鉴画者不生情”(恽寿平《瓯香馆集》)此话不错，作品中表现的澄明空寂的意境，你也感觉到了吗,像这样的作品，一定不是受了什么达官贵人的委托而完成的，也不准备拿到市场上去销售。尽管声名远扬，但雪舟等 杨一生恬淡，不慕名利，晚年更是住在荒山僻壤，不入主流社会，绘画对 于他来说只是一咱参禅悟道，接近法理的方式。从这个角度上讲，却是东方艺术最早开始赋予创作才独立的境界和心灵的自由。 若想了解更多的名画赏析，可在百度文库搜索:世界名画赏析二、世界名画赏析三、世界名画赏析四。