[世界十大著名油画欣赏]世界十大著名画家

[世界十大著名油画欣赏]世界十大著名画家 [世界十大著名油画欣赏]世界十大著名画家 篇一 : 世界十大著名画家 毕加索是西班牙画家、雕塑家。法国共产党党员。是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。他自幼有非凡的艺术才能，他的父亲是个美术教师，又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练，具有坚实的造型能力;米开朗基罗是意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家、建筑师和诗人，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。与拉斐尔和达芬奇并称为文艺复兴后三杰。 米开朗基罗 达?芬奇 鲁本斯 伦勃朗 安格尔[画家] 塞尚 莫奈 凡?高 |毕加索[画家] 达利篇二 : 世界十大著名油画和画家的艺术人生 世界十大天价名画排行榜 第一名:No. 5,1948 by JacksonPollock 此幅画作出自美国抽象表现主义大家Jackson Pollock。这位老兄以他的“滴色”画法闻名，就是把颜料随意泼洒、滴溅在平铺于地板上的巨型画布，任其流动，即兴创作，营造出抽象的独特线条，这也是所谓行动绘画的前身。这么一个天才却44岁就英年早逝了:1956年他在一次酒后驾车引起的事故中死去，死之前的几年正好是他的滴色画作声名大噪的时候。2006年，他的这幅No.5,1948以1亿4千万美元的价格转手，记录至今无人打破。 第二名:WomanIIIbyWillem De Kooning 这幅第二天价的画同样出自抽象表现主义画派艺术家，荷兰的 Willem DeKooning。他小时候境遇不好，五岁时父母离异，跟了母亲和继父，后来在鹿特丹美术和技术学校学画画。1926年的时候躲在一艘英国货轮上偷渡到了美国弗吉尼亚，接着四处漂泊，曾经帮人家的房子刷油漆讨生活。后来逐渐崭露头角，遂成大家。他还很长命，活了93岁才去世。这一幅WomanIII是德库宁1951到1953年间创造的六幅“女子”系列画作的第三幅，2006年11月以1亿3750万美元的价格转手，排名第二。 第三名:Portrait of Adele Bloch-BauerIby GustavKlimt 奥地利的象征主义画家GustavKlimt花了三年时间创作这一幅号称“奥地利的蒙娜丽莎”的名画。Gustav擅长油画，壁画和素描，尤其钟爱画女体，是维也纳“分离派”画家的领导者。他的作品吸收古埃及、希腊以及拜占庭镶嵌画的艺术要素，将强调轮廓线的面和古典主义镶嵌画结合起来，创造出一种独特的有感染力的绘画样式。这幅Portraitof Adele Bloch-BauerI完成于1907年，以沥粉、贴金箔、银箔等特殊手法创作，画中人是奥地利制糖业大亨FerdinandBloch-Bauer的妻子。该画2006年转手价1亿3500万美元，史上第三。 第四名:Portrait of Dr.GachetbyVincent Van Gogh 荷兰后印象派画家梵高的作品，随便哪一幅都贵得吓死人，而他生前只卖出过一幅画。梵高郁闷了一辈子，在生命的最后几个月里住进了精神病院，并在自杀前一个月为照顾他的嘉舍医生画了这幅肖像。梵高牛逼的作品都是在生命最后两年创作的，死后作品大放异彩。Portraitof Dr.Gachet1990年卖了8250万美元，在当时也是翘楚的。 第五名:Bal du moulin de laGalettebyPierre-Auguste Renoir 法国印象派名家雷诺阿在1876年创作的这幅《红磨坊的舞会》是印象画派的扛鼎之作，表现的是巴黎周末一个露天舞会的场景，充满情趣，生动活泼，属于典型的印象派对真实生活的速写。在下也很喜欢，看这幅画作能够受到愉快的感染。1990年的时候，这幅画以7810万美元转手。 第六名:Garçon à la pipe by Pablo Picasso 毕加索是纯粹的牛人，八岁就完成了自己的第一幅油画《斗牛士》，十三岁开画展，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家，还是法国共产党员，而且老当益壮，八十岁的时候娶了35岁的老婆，丝毫不输给杨振宁老师。这幅拿烟斗的小男孩是1905年毕加索24岁时创作的，画中一个忧郁的巴黎小男孩拿着烟斗当模特，该画被评论家誉为“具有达芬奇《蒙娜丽莎》似的神 秘，梵高《嘉舍医生》似的忧郁的唯美之作”。2004年拍出了1亿420万美元的天价。 第七名:IrisesbyVincent Van Gogh 还是悲剧画家梵高的作品，很漂亮很有生命力的一幅作品。这幅画也是梵高生命的最后一年在精神院养病时所作。1987年卖了5390万美元，通胀调整之后排名第七。 第八名:Dora Maar auChatby PabloPicasso 还是牛人毕加索的画。作于1941年，画中的女人是毕加索1936年西班牙内战爆发时认识的情人多拉马尔，她坐在一张扶手椅上，肩膀上伏着一只小黑猫。多拉马尔当了毕加索十年的情人。2006年拍得9520万美元。 第九名:Portrait de l’artiste sansbarbeby VincentVan Gogh 可怜的梵高的又一作品。梵高没拍过什么照片，但却有许多自画像，这幅便是其中之一。其余的自画像里，梵高都留着络腮胡子，唯独这幅画白白净净，因此显得尤为特别。1998年该画在纽约拍得7150万美元。 第十名:Adele Bloch-Bauer II by Gustav Klimt 这幅画和排名第二的那一幅画中人都是奥地利制糖业大亨FerdinandBloch-Bauer的老婆，第一幅完成于1907年，这一幅1912年完成，两幅画是姐妹篇。2006年拍得8790万美元。 百科名片文森特?梵高文森特?威廉?梵高，荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已跻身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。1890年7月29日，梵高终因精神疾病的困扰，在美丽的法国瓦兹河畔结束了其年轻的生命，时年他才37岁。中文名:文森特?威廉?梵高外文名:Vincent Willem van Gogh国籍:荷兰王国出生地:津德尔特出生日期:公元1853年3月30日逝世日期:公元1890年7月29日职业:画家主要成就:世界上最著名画家之一 对西方20世纪的艺术影响深远代表作品:自画像系列、星空、向日葵系列、吃土豆的人等派别:后印象派血型:AB 文森特?威廉?梵高，荷兰后印象派代表性画家。 梵高出生于荷兰乡村的一个新教牧师家庭，早年的他做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士。他充满幻想、爱走极端，在生活中屡遭挫折和失败，最后他投身于绘画，决心“在绘画中与自己苦斗”。他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。 1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品。视野的扩展使其画风巨变，他的画，开始由早期的沉闷、昏暗，而变得简洁、明亮和色彩强烈。而当他1888年来到法国南部小镇阿尔的时候，则已经摆脱印象派及新印象派的影响，走到了与之背道而驰的境地。在阿尔，梵高想要组织一个画家社团。1888年，高更应邀前往，但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。此后，梵高的疯病时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画。1890年7月，他在精神错乱中开枪自杀，年仅37岁。这位易激动而富于神经质的艺术家，在其短暂一生中留下大量震撼人心的杰作。他的艺术，是心灵的表现。他曾说:“作画我并不谋求准确，我要更有力地表现我自己”，他并不关注于客观物象的再现，而注重表现对事物的感受。亨利?福西隆在论述凡高时说道:“他是他时代中最热情和最抒情的画家。……对他来说，一切事物都具有表情、迫切性和吸引力。一切形式、一切面容都具有一种惊人的诗意”，“他感到大自然生命中具有一种神秘的升华，他希望将它捕捉。这一切对他意味着是一个充满狂热和甜蜜的谜，他希望他的艺术能将其吞没一切的热情传达给人类”。为了能更充分地表现内在的情感，梵高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。他认为:“颜色不是要达到局部的真实，而是要启示某种激情。”在他画中，浓重响亮的色彩对比往往达到极限。而他那富于激情的旋转、跃动的笔触，则使他的麦田、柏树、星空等，有如火焰般升腾、颤动，震撼观者的心灵。在他的画上，强烈的情感完全溶化在色彩与笔触的交响乐中。1853年3月30日生于津 德尔特，早期因为表达内心的悲痛，曾割断了自己的耳朵。1890年7月29日在法国瓦兹河畔因困扰其多年的精神病发作自杀身亡。早年经商，后热衷于宗教，1880年以后开始学习绘画。曾在巴黎结识E?贝尔纳、P?西涅克和P?高更等画家。早期作品受印象主义和新印象主义画派影响，代表作有《食土豆者》、《塞纳河滨》等。曾两次在咖啡馆和饭馆等地向劳工阶层展出自己的作品。不久厌倦巴黎生活，来到法国南部的阿尔勒，开始追求更有表现力的技巧;同时受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，以达到线和色彩的自身表现力和画面的装饰性、寓意性。台湾译名梵谷。梵高的作品在很长一段时间内并不被世人所接受,直到十九世纪末的时候世界正进行着一次全面的革新，人们的思想得到空前的变革，接受新事物的能力也大大的提高。而过去相对于印象派较为超前的梵高，此时正适应了人们的审美需求。“梵高不仅是一个伟大的画家，而且是一个出色的作家与哲学家～”获得这项殊荣的时候，梵高已经去世了47年。艺术特色油画技法使用点彩画法。画面色彩强烈，色调明亮。后来受到革新文艺思潮的推 梵高[1] 动和日本绘画的启发，大胆的探索、自由地抒发内心感情的风格，追求线条和色彩自身的表现力，追求画面的平面感、装饰性和寓意性。梵高的作品中包含着深刻的悲剧意识，强烈的个性和形式上的独特追求，一切形式都在激烈的精神支配下跳跃和扭动。当时他的作品虽很难被人接受，却对西方20世纪的绘画艺术有深远的影响。同时对现代人也有着积极的影响。画面色彩强烈，色调明亮。后来受到革新文 艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆的探索、自由地抒发内心感情的风格，追求线条和色彩自身的表现力，追求画面的平面感、装饰性和寓意性。梵高的作品中包含着深刻的悲剧意识，强烈的个性和形式上的独特追求，一切形式都在激烈的精神支配下跳跃和扭动。野兽主义、德国的表现主义以及20世纪初出现的抒情抽象主义等，都从他的主体在创作过程中的作用、自由抒发内心感情、意识和把握形式的相对独立价值、在油画创作中吸收和撷取东方绘画因素等方面，得到启发，形成了各自不同的绘画流派。梵高摒弃了一切后天习得的知识，漠视学院派珍视的教条，甚至忘记自己的理性。在他的眼中，只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。他视天地万物为不可分割的整体，他用全部身心，拥抱一切。梵高很晚才作为一位极具个性化的画家而崭露头角，距他去世时只有八年。人物年表1853年生3月30日于荷兰南部布拉邦特的格鲁特?曾 《鸢尾花》[2] 德特，是荷兰新教牧师泰奥多勒斯?梵?高和安娜?科妮莉娅?卡本特斯的长子。1855年2月17日，文森特的妹妹安娜?科莉妮娅?梵?高诞生。1857年1月5日，梵?高一生的知己、他的弟弟提奥诞生。1859年3月16日，妹妹伊丽莎白?梵?高诞生。1861年梵?高画了人生第一幅素描——《猫》，但在母亲的夸奖中顺手撕毁了。1862年3月16日，妹妹威廉敏娜?梵?高诞生。1866年于泽芬伯根寄宿学校作最早的图画。1866年从曾德特的乡村泽文伯根的寄宿，梵?高进入蒂尔勃格的文法学校。 梵高作品 1867年5月17日，弟弟科尼利斯?梵?高诞生。1868年3月离开蒂 尔勃格文法学校。1869年3月进古皮尔艺术公司海牙分店当店员，后又去布鲁塞尔分店工作。 梵高作品1871年举家迁往赫尔瓦尔特。1872年开始与提奥通信，后者在上学。1873年5月，文森特迁往伦敦分店，爱上了房东女儿厄休拉?洛耶，6月，提奥进入古皮尔公司布鲁赛尔分店工作。1874年向厄休拉求婚失败，回荷兰;10月至12月在巴黎古皮尔总公司，后返伦敦。1875年5月，被调往巴黎古皮尔公司，热衷于神秘主义和宗教。10月，其父母迁往埃顿。1876年3月被古皮尔公司解雇;得到根据米勒《晚祷》刻制的版画。4月在英国拉姆斯盖特当教师，后又在艾尔沃思当助理牧师。12月返埃顿。1877年1月至四月在多德雷赫特书店任职，5月赴阿姆斯特丹，和叔叔扬同住，为投考神学院积极攻读。 梵高 1878年7月，放弃在阿姆斯特丹的学习，在埃顿作短期逗留后，于8月入布鲁赛尔为期三个月的福音传道学校，但未能取得牧师的任命，赴蒙斯附近博里纳日矿区，作非正式传教。1879年由于工作过于热情，被教会解雇，这段悲惨的经历给他打下了印记;后开始的流浪生活;阅读狄更斯、斯托、雨果、莎士比亚和米什莱的著作;推崇夏尔?德?格鲁、伦勃朗、吕斯代尔、巴比松画派和海牙画派的艺术;由于贫困失望，对生活失去信心;开始画素描。1880年与家庭日益疏远的时期。春游奎姆，住在矿工家，开始创作的道路;临摹米勒作品。10月，赴布鲁赛尔，学习透视学和解剖学。与布鲁赛尔之荷兰籍画家凡?拉帕德来往;提奥给予经济支持。1881年埃顿时期，4月，离 开布鲁赛尔，去埃顿与父母同住;向新寡表姊凯?沃斯求婚不成。12月与家庭发生龃龉，离家赴海牙。1882年海牙时期，跟表姊夫安东?莫夫学画;开始与怀孕的、被遗弃的克拉西娜?玛丽亚?霍尔尼克同居中，并因此与莫夫决裂。8月，凡?高一家迁至埃因霍温附近纽南;搜集英国报刊插图，画了许多素描和水彩。 梵高风景画1883年德伦特及纽南时期，9月，与西恩，赴荷兰北部之德伦特作画。开始画油画。12月回到荷兰南部之纽南，起初与父母同住，后来离家独住。1884年画水彩和“织工”习作;与父亲关系紧张;与凡?拉凰德甚为相得;6月研读欧仁?德拉克洛瓦的色彩理论;与本村姑娘玛戈特恋爱，以不幸结局告终。1885年安特卫普时期，为《吃土豆的人》绘制了约五十幅农民头像;3月26日父亲骤然去世，为埃米尔?左拉之《萌芽》及其他现实主义作家之作品深深打动;10月赴安特卫普，参观博物馆;鲁本斯的光与色彩，日本浮世绘的大胆构图，使他陶醉;得到一些日本版画，心胸开阔了，画板色调明亮起来。1886年巴黎时期，从1月起在安特卫普美术学院学画;2月底去巴黎，与提奥同住;在乎尔芒工作室习画数月;在德拉克洛瓦和蒙蒂塞利的影响下描绘花卉;特雷克、埃米尔?贝尔纳、西涅克和高更及其他印象派画家;发现了“光明的绘画”;第八次也是最后一次印象派美展举行，会上展出修拉的《大碗岛的星期日》;凡?高采用了新的点彩技法。1887年由于与不断发展的当代法国艺术运动接近，调色板变得愈来愈明亮;惧和展览日本版画;两次在劳工阶级的咖啡馆和饱的墙上展出自己的作品;同毕沙罗、德加、修拉、塞尚相识并交 往;成与埃米尔?贝尔纳过从甚密;深受印象派技法和后期印象派理论的影响;厌倦巴黎的生活，向往阳光更为明亮灼热、色彩更加强烈瑰丽的法兰西南部，创作《唐吉老爹》，开始绘制向日葵连作。1888年阿尔时期，2月赴普罗旺斯阿尔，住在阿尔加萨咖啡馆，5月迁入拉马丁广场上的“黄房子”;10月20日高更来与他同住;12月23日因精神失常，割下一只耳朵;高更返巴黎。由于提奥的帮助，梵?高的三幅油画和几幅素描得以在独立沙龙展出。1889年圣雷米时期，4月17日，泰奥和若阿娜?邦格结婚;5月，梵?高自愿进圣雷米之精神病院;西涅克来访;画了许多画，主要是，景;开始绘制丝柏树连作。在住院后一个月，创作了他最著名的画之一，《星空》幅画现存于纽约现代艺术馆.梵?高更在马称举办印象派和综合派的画展。梵?高在巴黎见到蒙克。1890年奥弗时期，临摹德拉克洛瓦、米勒、伦勃朗和居斯塔夫?多雷的作品;1月31日，提奥得子;阿尔贝?奥里埃发表评文森特绘画的文章;在布鲁赛尔的“二十人展览会”上，凡?高的《红色的葡萄园》得以出售，这是他在世时得以出售的唯一的一幅作品，5月出院，途经巴黎，稍事休息，适居奥弗，接受保罗?加歇监护;6月创作《加歇医生像》;7月，去巴黎探望提奥一家，会见洛特雷克及阿尔贝?奥里埃;回奥弗后，创作《奥维尔市政厅》。他最后的一幅油画《麦田群鸦》。7月27日旧病复发，开枪自杀，于29日清晨一时许，在提奥和加歇医生的守护下停止呼吸。家族背景梵高的祖父是一位牧师。也叫文森特 1874.5.7)。梵高的祖母叫伊丽莎白来自一个瑞士家庭。他们生育了 12个孩子，其中一个在幼年时就死了，剩下了5个女儿和6个儿子。梵高的父亲西奥多卢?梵?高结婚，安娜生于海牙，她的父亲在海牙被誉为“国王的装帧师”，因为他被选中装订第一部荷兰宪法。他的几个女儿中，有一个嫁给文森特?梵高叔叔。他们的第一个儿子刚生下不久就夭折了，而当梵高降生后，他被取了那个死去的兄长的名字:Vincentwillem。文森特?梵高在家中是老大，他还有三个妹妹和两个弟弟，他们是:妹妹:安娜AnnaCorneliavanGogh梵高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。梵高在巴黎结识了印象主义画家之后，他的调色板就变亮了。他发现，他唯一深爱的东西就是色彩，辉煌的、未经调和的色彩。他手中的色彩特征，与印象主义者们的色彩根本不同。即使他运用印象主义者的技法，但由于他对于人和自然特有的观察能力，因而得出的结论也具有非凡的个性。梵高把他的作品列为同一般印象主义画家的作品不同的另一类，他说:“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。而这一鲜明特征在后来成了印象派区别于其他画派而独立存在的根本。表现主义梵高死后不出几年，一些画家就开始模仿他的画法，为了表现强烈的感情，可以不对现实作如实的反映，这种创造性的态度被称作表现主义，并且证明是现代绘画中一种历久不衰的倾向。即为了主观意识而对物体进行再塑造。尽管高更和梵高的名字双双成为现代表现主义的先锋，成为极端个性化的艺术家的典型，但他 们的个人性格特点又有某些不同。高更是个攻击传统观念的人，语言刻薄、玩世不恭、冷漠无情，有时蛮横无礼。而梵高对于共事的艺术家，则充满了一种天真的热情的深沉的爱。艺术使命梵高是一位具有真正使命感的艺术家，梵高在谈到他的创作时，对这种感情是这样总结的:“为了它，我拿自己的生命去冒险;由于它，我的理智有一半崩溃了;不过这都没关系……”.梵高从来没有放弃他的信念:艺术应当关心现实的问题，探索如何唤醒良知，改造世界。创作经历早期创作这里展示的是梵高最早的油画。包括埃顿时期，海牙时期和德伦特时期。当梵高画它们时已经是快30岁的人了。这些作品大约完成于1881年—1883年间。此前，梵高在博里那日矿区受到巨大打击，对上帝几乎绝望，却终在迷茫与困惑中找到了一生的归宿--绘画。他开始大量临摹名画，并画了大量素描习作。可以说，梵高是一个自学成才的天才画家。他从小受到艺术熏陶，又有极高的文学素养，这使他具有很高的艺术鉴赏力。梵高喜欢伦勃朗，喜欢米勒，他用自己的画笔描绘农民，工人，社会底层人。深沉厚实的风格虽与其以后的画风有极大的反差，但画中所表现出的气质与精神却是永恒不变的。纽南1883年底，梵高回到父亲供职的教堂所在地纽南。在纽南的两年时间 《吃土豆的人》[6] 里，梵高苦练素描技巧。在画了大量素描写生和习作后，他完成了第一幅著名作品,《吃土豆的人》。这幅作品和他这一时期的很多作品都受荷兰现实主义画风的影响，画面深沉，有极强的乡土气息。这也表现出梵高很强的农民情结，他似乎很想成为一位农民画家。一方 面，他受到“精神导师”米勒的影响，更重要的可能是内心深处对乡间生活的向往，对淳朴农民的尊敬和对诚实劳动的赞美。[注]:米勒，十九世纪法国现实主义艺术大师，喜欢描绘农民生活。梵高的精神导师，梵高许多作品受其影响并临摹过其许多作品。安特卫普1885年11月底，梵高决定去安特卫普，在那里的3个月里，他努力的学习绘画并沉醉于其中。在此期间，他了解鲁本斯的绘画，接触到了日本浮世绘，这些都对他此后的绘画历程有很大影响。梵高此时期的作品延续了纽南时期的现实主义风格和深沉的笔触，但他也渐渐使画布变得明亮了些，色彩也丰富了些。巴黎1886年2月底，梵高来到“艺术之都”,巴黎。这里浓厚的艺术氛围使凡高兴奋，尤其是印象派绘画使他震惊不小。在弟弟提奥的介绍下，梵高认识了很多印象派画家，比如劳特累克、高更、修拉、毕沙罗…在受到印象派影响后，梵高的画风发生了变化，画面变得明亮起来。他还在创作中吸收了印象派的一些技法，如点彩法等。这一时期梵高开始了大量的自画像的创作。2年后，梵高渐渐厌烦了巴黎的城市生活。他并不满足于印象派的表现手法和思想理念，而他独特的个性告诉我们，梵高的绘画不属于任何流派，于是梵高带着希望来到法国南部，充满阳光的小城阿尔，迎来了他最辉煌的创作时期。阿尔1888年2月，梵高在朋友推荐下来到法国南部小城,阿尔，并很快爱上了这儿。 鲁林一家猛烈的阳光和刺目的麦田使他“疯狂”。创作进入了高峰。虽受法国印象派和日本浮世绘影响，但他的作品已极具个性，这源自其独特的视角和敏感的性格。他热爱大自然，热爱生命，他不满足于 只是理性的“模仿事物的外部形象”，而要借助绘画“表达艺术家的主观见解和情感，使作品具有个性和独特的风格”。所以，梵高是用心灵作画的大师。梵高在小城广场边租下“黄房子”，想建立“画家之家”。后来高更前来同住。不幸的是，梵高梅毒进入三期，引发精神失常，他与高更日夜争吵，后发生著名的“割耳事件”。在阿尔居民的抗议下，梵高被迫离开，并自愿前往距阿尔不远的圣雷米的圣保罗精神病院接受治疗。梵高在阿尔创作了大量的作品，但仍无法卖出以养活自己。《向日葵》《收获景象》《夜间咖啡馆-室外》《夜间咖啡座-室内》等是这一时期的代表作。圣雷米1889年5月8日，梵高自愿来到离阿尔25公里的圣雷米。在圣-保罗精神 油画_圣_雷米病院治疗。这时的梵高已陷入对精神病的恐惧和对前途的迷茫中。他每隔几个月发一次病，但事后却非常清醒，并且经常到户外作画。令人惊叹的是，梵高在这样的情形下并没有颓废，而是画出了一幅幅更加成熟，更加大胆，更加令人震撼的作品。这一时期的作品，许多都表现出强烈的情绪和“视觉冲击”，旋转的线条，粗犷有力，让人感到画家复杂强烈的感情和表达的冲动。代表作品有:《星月夜》《柏树》等。值得一提的是，正是这时，评论家开始评论梵高，而且卖出了他生前唯一一张油画。奥维尔1890年5月17日，梵高来到巴黎与提奥和他妻子及刚出生的侄子文森特见面。后经提奥推荐，来到距巴黎不远的小镇奥维尔接受加歇医生治疗，并继续创作。自传《亲爱的提奥》，由梵高写给弟弟提奥的信组成，真实地反映了梵高的生活，为后人了解梵高提供了重要的资料。从中可以看出梵高不仅 有很高的绘画天赋，还有极高的文学素养～书中显露的其对生活的看法，深刻的思想，发人深省，引人深思。[7]自杀之谜梵高与当地人相处愉快，病情也似有好转，但就在1890年7月27日下午，他外出作画时开枪自杀。29日黎明，梵高在提奥身边死去。当时他只有37岁。关于梵高自杀的原因始终存在争论。个人认为，梵高的自杀并不只是由于精神问题，《麦田上的乌鸦》等作品绝对是画家极其清醒的状态下画的，但这些画暗示了梵高的死亡却是很明显的。当时，梵高像往常一样，拿着油画写生工具从旅馆走出来，但是在他怀里却紧紧握着一把借口赶走乌鸦而借来的手枪。一位农夫刚好走过麦田小道，听到梵高嘴里嘟囔着:[没办法了，没办法了……]梵高走进麦穗儿摇摆的麦田深处，将枪弹打入腹部，枪声在洒满夕阳的大片麦田上空回荡……第二天早上，在提奥的看守中，画家梵高安静的离开了人世。梵高死后，从他的衣服的口袋里发现一封写给提奥的信。[亲爱的弟弟，谢谢你寄来的贴心的信和五十法郎。想写的事情本来很多，可是我想没有用了、听说你的家人平安，我就放心了。生活顺利，比什么都好……你过去在许多幅画上一直是与我交流的伙伴……说到我的事业，我为它豁出了我的生命，因为它，我的理智已近乎崩溃……但你不是我所知的那类商人，我想你依然站在人性的一边，既然如此，你还指望什么呢,]1891年1月25日，提奥在梵高死后6个月也病逝了。1914年，提奥的遗体被葬在奥维尔梵高墓之旁。在教堂四周的麦田里，可以看见梵高兄弟两人的坟墓，默默并排在大墙左侧。这两个不起眼的小墓碑，被加塞医生栽种的常春藤包围着。[8]英文简介 Vincent van Gogh was a DutchPost-Impressionist artist. He is generally considered as thegreatest Dutch painter after Rembrandt, though he had littlesuccess during his lifetime. Van Gogh produced all of his work during a period of only 10years before he succumbed to mental illness and committed suicide. His paintings and drawings includesome of the world’s best known, most popular and most expensivepiece. Expressive luminosity of color and blotchy brushwork areVincent van Gogh’s distinguishing characteristics which made himthe model of expressionist painters at the turn of thecentury.[9]代表作品《夜晚的咖啡馆》梵高的 激情，来自他所生活在其中的那个世界，来自他所认识的人们所做的 按捺不住的强烈反应。这绝不是一个原始人或小孩子所做的那种简单 的反应。他写给弟弟提奥的信，是一个艺术家写出来的最动人的故事。 信中表明了他高度敏感的知觉力，这种知觉力完全符合他那感情的反 应。他敏锐地意识到，自己正 The nightcafe 在获得效果，这种效果是通过黄色或蓝色来取得的。虽然他的大部 分色彩观念用来表达对于人物和自然的爱，及其表现过程中的愉快， 但他对较深的色彩十分敏感，所以在谈到《夜晚的咖啡馆》时说:“我 试图用红色和绿色为手段，来表现人类可怕的激情。”《夜晚的咖啡 馆》是由深绿色的天花板、血红的墙壁和不和谐的绿色家具组成的梦 魇。金灿灿的黄色地板呈纵向透视，以难以置信的力量进入到红色背 景之中，反过来，红色背景也用均等的力量与之抗衡。这幅画，是透 视空间和企图破坏这个空间的逼人色彩之间的永不调和的斗争。结果 是一种幽闭、恐怖和压迫感的可怕体验。作品预示了超现实主义用透视作为幻想表现手段的探索，但是没有一种探索，能有如此震撼人心的力量。《星夜》梵高的宇宙，可以在《星夜》中永存。这是一种幻象，超出了拜占庭或罗曼艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做的任何尝试。梵高画的那些爆发的星星，和那个时代空间探索的密切关系，要胜过那个神秘信仰的时代的关系。然而这种幻象，是用花了一番功夫的准确笔触造成的。当我们在认识绘画中的表现主义的时候，我们便倾向于把它和勇气十足的笔法联系起来。那是奔放的，或者是象火焰般的笔触，它来自直觉或自发的表现行动，并不受理性的思想过程或严谨技法的约束。梵高绘画的标新立异，在于他超自然的，或者至少是超感觉的体验。而这种体验，可以用一种小心谨慎的笔触来加以证明。这种笔触，就像艺术家在绞尽脑汁，准确无误地临摹着他正在观察着的眼前的东西。从某种意义上看，实际确是如此，因为梵高是一位画其所见的艺术家，他看到的是幻象，他就是幻象。《星夜》是一幅既亲近又茫远的风景画，这可以从十六世纪风景画家老勃鲁盖尔的高视点风景手法上看出来，虽然梵高更直接的源泉是某些印象主义者的风景画。高大的白扬树战栗着悠然地浮现在我们面前;山谷里的小村庄，在尖顶教堂的保护之下安然栖息;宇宙里所有的恒星和行星在“最后的 星夜[10] 审判”中旋转着、爆发着。这不是对人，而是对太阳系的最后审判。这件作品是在圣雷米疗养院画的，时间是1889年6月。他的神经第二次崩溃之后，就住进了这座疗养院。在那儿，他的病情时好时坏， 在神志清醒而充满了情感的时候，他就不停地作画。色彩主要是蓝和紫罗兰，同时有规律地跳动着星星发光的黄色。前景中深绿和棕色的白杨树，意味着包围了这个世界的茫茫之夜。梵高继承了肖像画的伟大传统，这在他那一代的艺术家里鲜见的。他对人充满了激情的爱，使他不可避免地要画人像。他研究人就象研究自然一样，从一开始的素描小品，一直到1890年他自杀前的几个月里所画的最后自画像都是如此。它如实地表现出疯人凝视的可怕和紧张的眼神。一个疯人，或者一个不能控制自己行为的人，无论如何也不能画出这么有分寸、技法娴熟的画来。不同层次的蓝色里，一些节奏颤动的线条，映衬出美丽的雕塑般的头部和具有结实造型感的躯干。画面的一切都呈蓝色或蓝绿色，深色衬衣和带红胡子的头部除外。从头部到躯干，再到背景的所有的色彩与节奏的组合，以及所强调部位的微妙变化，都表明这是一个极好地掌握了造型手段的艺术家，仿佛梵高完全清醒的时候，就能记录下他精神病发作时的样子。《乌鸦群飞的麦田》在这幅画上仍然有着人们熟悉的他那特有的金黄色，但它却充满不安和阴郁感，乌云密布的沉沉蓝天，死死压住金黄色的麦田，沉重得叫人透不过气来，空气似乎也凝固了，一群凌乱低飞的乌鸦、波动起伏的地平线和狂暴跳动的激荡笔触更增加了压迫感、反抗感和不安感。画面极度骚动，绿色的小路在黄色麦田中深入 [11] 远方，这更增添了不安和激奋情绪，这种画面处处流露出紧张和不详的预兆，好像是一幅色彩和线条组成的无言绝命书。在祥和的麦田追求不到宁静，在满是阳光的蓝天中，飘过了久蓄心中死亡的影子， 化作无尽的乌鸦，引着梵高飞向他的蓝天，追向无限光明。就在第二天，他又来到这块麦田对着自己的心中开了一枪。黑暗背后仍是蓝天。《割耳朵后的自画像》1888年梵?高邀请高更来阿尔同住，起初他们相处愉快，但随着梵高病情反复，两个的艺术家却是不断的争吵。在一场剧烈争执后，高更大怒而去，梵?高无法阻止，亦无法抑制自己的激动，竟割下自己的左 割耳朵后的自画像 耳。世界把自己的癫狂最先传染给人类的画师——就像曾经给他的笔端注入魔力。我们惊讶地注视着梵?高扭曲的面孔、恐怖的眼神和颤抖的手势:他仿佛在代替整个人类受刑，成为痛苦的化身。想到这里，也就能理解梵?高作品中挣扎的线条与狂舞的色块:倾泄的颜料里调和着他的血，而画布，不过是他包扎伤口的绷带。这是一位生活在伤口里的大师，他习惯用伤口对世界发言。这是一个疼痛的收割者，他的镰刀最终收获了自己的耳朵。《十五朵向日葵》[12]这些简单地插在花瓶里的向日葵，呈现出令人心弦震荡的灿烂辉煌。梵?高以重涂的笔触施色，好似雕塑般在浮雕上拍上一块黏土。黄色和棕色调的色彩以及技法都表现出充满希望和阳光的美丽世界。然而在画此作的同时，画家死命想抓住的这个世界还是缓慢却无情地溜走了。《有乌鸦的麦田》是梵高创作于1890年7月的一幅油画通常的解释是，这幅画是以黑暗，严酷的天空显示了梵高的精神状态的困扰，与徘徊不决的通往不同方向的三种途径，与黑色乌鸦架空的预示死亡 向日葵[13] 迹象。画家写道，他曾在三幅画里画过瓦兹河畔欧韦大片的麦田与 多事之秋的天空。很常见的错误认为，这是梵高的最后一幅画，甚至说，他在绘制该画时饮弹自杀。其原因是在《情欲终身》这部影片中是这么描写的。不过，目前还没有证据可以支持这个观点，胡尔斯克博士的梵高年表中，有七幅画晚于该画。当然，梵高的确是自杀，是在画这幅画的同一个月里。人们普遍认为，他1890年7月27日的晚上去田野散步，用左轮手枪朝自己开枪后回家。他躺在床上两天后死去，当时他的弟弟提奥在他的身边。[14]梵高语录在大多数人的眼中我是什么呢,一个无用的人，一个反常与讨厌的人，一个没有社会地位、而且永远也不会有社会地位的人。好极了，即使这是事实，我也要以我的作品来表明，这样一个反常的人，这样一个毫不足取的人的内心是怎样的。这是我的雄心，它的主要基础是爱而不是恨，是冷静而不是热情，我时常陷入极大的痛苦，这是事实。但是我的内心仍然是安静的，是纯粹的和谐与音乐。在最寒碜的小屋里，在最肮脏的角落里，我发现了图画。我总是全力以赴地画画，因为我的最大愿望是创造美的作品。人们不能肯定的预告什么，但是，如果有谁能够进行分析，他就可以发现，本世纪最伟大与最优秀的人，总是顽强的工作，总是以个人主动的创造精神工作。我认为这是伟大人物经历中一幕悲剧……他们往往在作品被公众承认以前就死了;在他们活着的时候，他们遭受着为生存而斗争中的障碍与困难的不断压迫。在我的生活与绘画中，我可以不要上帝，但是像我这样的笨人，却不能没有比我伟大的某种东西，它是我的生命——创造的力量。一个人绝不可以让自己心灵里的火熄灭掉，而是要让它始终不断的燃烧。……你知不知道， 这是诚实的人保存在艺术中最最必要的东西～然而并不是谁都懂得，美好的作品的秘密在于有真实与诚挚的感情。某种应该保存下来的优秀的时代精神，已经丧失了——在艺术方面尤其如此。生活本身也是这样，我不能明确地了解这是什么，但是不只是黑白画改变了它的方向，背离了健康的、崇高的本质。相当普遍地存在一种怀疑、旁观、冷淡的精神，虽然一切看起来都很活跃。不少画家害怕空白画布，但空白画布也害怕敢冒风险的、真正热情的画家。 毕加索 1881年,1973年)出生在西班牙马拉加，星座为天蝎座，长期在法国进行艺术创造活动。是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家之一，立体画派创始人，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。毕加索是位多产画家。据统计，他的作品总计近 37000 件，包括:油画1885幅，素描7089 幅，版画20000幅，平版画6121幅。他对二十世纪的艺术史有着浓墨重彩的一笔，人们称他为“人类艺术史上罕见的天才”。在西班牙内战和纳粹占领法国期间，毕加索坚定地站在民主和进步势力一边，积极参与反法西斯斗争。主要生平童年时期1881年 10月25日毕加索出生于西班牙南部的马拉加;1889年 完成第一件油画作品《斗牛士》;1894年 首度展出作品;1895年 进入巴塞罗那的隆哈美术学校;1897年 进入马德里的皇家圣费南多美术学院就读，油画作品《科学与慈善》获马德里全国美展荣誉奖，后来又在马拉加得到金牌奖;蓝色时期 毕加索蓝色时期的作品1902年 完成“蓝色自画像”;1903年 完成《人生》，以浓郁的蓝色调表示贫老与孤独的苦难;玫瑰时期1904年 开始定居巴黎的“洗衣船”，玫瑰时期开始。邂逅费尔南德?奥利维叶，并同居;1905年 创作《拿烟斗的男孩》并被慈善家约翰?海惠特尼女士以3万美元重金购得;1906年 结识野兽派大师马蒂斯，为美国作家兼收藏家菖楚?斯坦因画像，《斯坦因画像》是毕加索从“玫瑰时期”跃入“立体主义”的跳板;立体主义时期 1907年 结识布拉克，开始立体派风格创作，创作《亚威农少女》; 1909年 解析立体派开始;创作《费尔南德头像》;1912年 把上胶的纸贴到画上，进一步发展立 《拿烟斗的男孩》 体主义;古典时期1917年 在意大利邂逅舞者欧嘉?科克洛娃，创作《欧嘉的肖像》;1918年 与欧嘉结婚，与马蒂斯举行联展;1920年 手工彩绘珂罗版《三角帽》;1922年 创作《海边奔跑的两个女人》;超现实主义时期1927年 邂逅年仅17岁的玛丽?德蕾莎?沃尔持，成为毕加索的模特。并生下女儿马姬 毕加索作品 ;1929年 与雕塑家贡萨列斯一起创作雕塑和铁线结构。作以女人头像为题的攻击性系列画作，显现婚姻危机，结识达利;蜕变时期1932年 创作《红色扶手椅中的女人》; 《读书》，展示了毕加索的金发情人瓦尔特胸口半露地搭着披肩、膝上搁着一本书，坐在椅子上头倚着红色椅背打瞌睡的模样。该画在2011年2月8日于英国伦敦再次成交，以九百万英镑为底价，六分钟内有至少7名来自世界各地的买家投标，最后由俄罗斯客户通过电话买下，成交价为两千五百二十万英镑。 1932年——《读书》 1933年 以雕塑家工作室为题，创作石版画1934年 创作以斗牛为 题的作品;1936年西班牙内战暴发。认识多拉。玛尔，并创作《多拉?玛尔的肖像》;1937年 创作完成《格尔尼卡》;1938年 创作《女孩与小船》1942年 创作版画《大自然的故事》1943年 邂逅22岁的弗朗索娃?吉洛;1944年 加入法国共产党;1945年 开始尝试石版画创作;田园时期1947年 儿子克洛德降生。在陶艺家哈米耶工作室制陶，至1948年共作了2000件陶艺术品;1948年 为世界和平会议作“和平之鸽”海报和《贡戈拉的二十首诗》;1949年 创作《卡门》系列;1950年 获列宁和平奖章;1953年 在玛都拉陶艺工作坊邂逅杰奎琳?洛克;1954年 开始创作德拉克罗瓦的“阿尔及利亚女人”变奏系列;1956年 与克罗鲁佐共同拍摄电影《神秘的毕加索》公映;1957年 在纽约现代艺术馆举办“毕加索75岁纪念展”，创作版画《斗牛系列》;1958年 毕加索为设在巴黎的联合国教科文总部大厦创作了壁画《伊卡洛斯的坠落》; 毕加索作品 1959年 创作仿马奈《草地上的午餐》变奏系列;1961年 与35岁的杰奎琳?洛克结婚，并庆祝毕加索80大寿;1963年 绘制《画家与模特儿》;1966年巴黎大皇宫及小皇宫举办大型《毕加索回顾展》。创作《流沙系列》;1968年 创作《塞莱斯蒂纳》和《可笑的男人》系列版画;1970年 把西班牙家中保存的近2000件早期作品捐赠结巴塞罗纳毕加索美术馆;1971年 巴黎国立现代艺术馆举办了《毕加索诞生90周年回顾展》;1973年 93岁，4月8日逝世于坎城附近的幕瞻市。4月10日葬于佛文纳菊别墅花园里。代表作品毕加索，是二十世纪西方最具影响力的艺术家之一。他一生留下了数量惊人的作 品，风格丰富多变，充满非凡的创造性。代表作品有:《亚威农少女》，《卡思维勒像》，《瓶子、玻璃杯和小提琴》，《格尔尼卡》，《梦》。《亚维农少女》，毕加索作，1907年，油画，纽约，现代艺术博物馆藏。 亚维农的少女 1906年毕加索受到非洲原始雕刻和塞尚绘画影响，而转向一种新画风的探索。于是，他画出了一幅具有里程碑意义的著名杰作——《亚维农少女》。这幅不可思议的巨幅油画，不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，它引发了立体主义运动的诞生。《亚维农少女》始作于1906年，至1907年完成，其间曾多次修改。画中五个裸女和一组静物，组成了富于形式意味的构图。这幅画的标题是由毕加索的朋友安德鲁?塞尔曼所加，据说毕加索本人对之并不喜欢。但不管怎样，这只不过是作品名称罢了。在现代艺术中，标题与作品的相关性越来越小，画家们常常有意识地不以标题来说明作品的内容。毕加索这幅《亚维农少女》，想必亦是如此。该画原先的构思，是以性病的讽喻为题，取名《罪恶的报酬》，这在最初的草图上一目了然;草图上有一男子手捧骷髅，让人联想到一句西班牙古老的道德箴言:“凡事皆是虚空”。然而在此画正式的创作过程中，这些轶事的或寓意的细节，都被画家一一去除了。其最终的震撼力，并不是来自任何文学性的描述，而是来自它那绘画性语言的感人力量。这幅画，可谓第一件立体主义的作品。画面左边的三个裸女形象，显然是古典型人体的生硬变形;而右边两个裸女那粗野、异常的面容及体态，则充满了原始艺术的野性特质。 野兽派画家发现了非洲及大洋洲雕刻的原始魅力，并将它们介绍给毕加索。然而用原始艺术来摧毁古典审美的，是毕加索，而不是野兽派画家。在这幅画上，不仅是比例，就连人体有机的完整性和延续性，都遭到了否定。因而这幅画，“恰似一地打碎了的玻璃”。在这里，毕加索破坏了许多东西，可是，在这破坏的过程中他又获得了什么呢?当我们从第一眼见到此画的震惊中恢复过来，便开始发现，那种破坏却是相当地井井有条:所有的东西，无论是形象还是背景，都被分解为带角的几何块面。我们注意到，这些碎块并不是扁平的，它们由于被衬上阴影而具有了某种三度空间的感觉。我们并不总能确定它们是凹进去还是凸出来;它们看起来有的象实体的块面，有的则象是透明体的碎片。这些非同寻常的块面，使画面具有了某种完整性与连续性。从这幅画上，可看出一种在二维平面上表现三维空间的新手法，这种手法早在塞尚的画中就已采用了。我们看见，画面中央的两个形象脸部呈正面，但其鼻子却画成了侧面;左边形象侧面的头部，眼睛却是正面的。不同角度的视象被结合在同一个形象上。这种所谓“同时性视象”的语言，被更加明显地用在了画面右边那个蹲着的形象上。这个呈四分之三背面的形象，由于受到分解与拼接的处理，而脱离了脊柱的中轴。它的腿和臂均被拉长，暗示着向深处的延伸;而那头部也被拧了过来，直楞楞地对着观者。毕加索似乎是围着形象绕了180度之后，才将诸角度的视象综合为这一形象的。这种画法，彻底打破了自意大利文艺复兴之始的五百年来透视法则对画家的限制。毕加索力求使画面保持平面的效果。虽然画上的诸多块面皆具有凹凸感，但它 们并不凹得很深或凸很高。画面显示的空间其实非常浅，以致该画看起来好像表现的是一个浮雕的图像。画家有意地消除人物与背景间的距离，力图使画面的所有部分都在同一个面上显示。假如我们对右边背景的那些蓝色块面稍加注意，便可发现画家的匠心独具。蓝色，通常在视觉上具有后退的效果。毕加索为了消除这种效果，便将这些蓝色块勾上耀眼的白边，于是，它们看上去就拼命地向前凸现了。实际上，《亚维农少女》是一个独立的绘画结构，它并不关照外在的世界。它所关照的，是它自身的形、色构成的世界。它脱胎于塞尚那些描绘浴女的纪念碑式作品。它以某种不同于自然秩序的秩序，组建了一个纯绘画性的结构。《卡思维勒像》《卡思维勒像》，毕加索作，1910年，油画，100×61.5厘米，芝加哥，芝加哥艺术中心藏。 《卡思维勒像》 毕加索1909—1911年“分析立体主义”时期的绘画，进一步显示了对于客观再现的忽视。张力。这幅《卡思维勒像》，清楚显示了毕加索是怎样将这种分析立体主义的绘画语言，用于某个具体人物形象的塑造的。令人费解的是，恰是在这种分解形象和舍弃色彩的极端抽象变形的描绘中，毕加索始终不肯放弃对于模特儿的参照。为了画这幅画，他让他的这位老朋友卡思维勒先生耐着性子摆好姿势，在他的面前端坐了有二十次。他不厌其烦地细心分解形体，从而获得一种似乎由层层交迭的透明色块所形成的画面结构。画中色彩仅有蓝色、赭色及灰紫色。色彩在这里只充当次要的角色。虽然在线条与块面的交错中，卡思维勒先生形象的轮廊还能隐约显现，然而人们却难以判断其与真 人的相似性。研究毕加索的最著名的专家罗兰?彭罗斯，在看了这幅画后，曾作过这样的评述:“每分出一个面来，就导致邻近部分又分出一个平面，这样不断向后移动，不断产生直接感受，这使人想起水面上的层层涟漪。视线在这些涟漪中游动，可以在这里和那里捕捉到一些标志，例如一个鼻子、两只眼睛、一些梳理得很整齐的头发、一条表链以及一双交叉的手。但是，当视线从这一点转向那一点时，它会不断地感到在一些表面上游来游去的乐趣，因为这些表面正以其貌相似而令人信服……看到这样的画面，就会产生想象;这种画面尽管模棱两可，却似乎是真的存在，而在这种新现实的匀称和谐生命的推动下，它会满心欢喜地作出自己的解释。”《瓶子、玻璃杯和小提琴》《瓶子、玻璃杯和小提琴》进一步显示了对于客观再现的忽视。这一时期他笔下的物象，无论是静物、风景还是人物，都被彻底分解了，使观者对其不甚了了。虽然每幅画都有标题，但人们很难从中找到与标题有关的物象。那些被分解了的形体与背景相互交融，使整个画面布满以各种垂直、倾斜及水平的线所交织而成的形态各异的块面。在这种复杂的网络结构中，形象只是慢慢地浮现，可即刻间便又消解在纷繁的块面中。色彩的作用在这里已被降到最低程度。画上似乎仅有一些单调的黑、白、灰及棕色。实际上，画家所要表现的只是线与线、形与形所组成的结构，以及由这种结构所发射出的张力。 1912年起，毕加索转向其“综合立体主义”风格的绘画实验。他开始以拼贴的手法进行创作。这幅题为《瓶子、玻璃杯和小提琴》的作品，清楚地显示了这种新风格。在这幅画上，我们可分辨出几个基 于普通现实物象的图形:一个瓶子、一只玻璃杯和一把小提琴。它们都是以剪贴的报纸来表现的。在这里，画家所关注的焦点，其实仍然是基本形式的问题。但是，这个问题此时却是以一种全新的态度来对待。在分析立体主义的作品中，物象被缩减到其基本原素，即被分解为许多的小块面。毕加索以这些块面为构成要素，在画中组建了物象与空间的新秩序。他通过并置和连接那些笔触短促而奔放的块面，获得一种明晰剔透的画面结构，反映了某种严格而理性的作画程序。而如今，在综合立体主义的作品上，他所采取的恰是正好相反的程序。他不再以现实物象为起点，将物象朝着基本原素去分解，而是以基本原素为起点，将基本的形状及块面转化为客观物象的图形。这就是说，他在表现出瓶子、杯子及提琴之前，就已经把一个抽象的画面结构，组织和安排妥当了。通过对涂绘及笔触的舍弃，他甚至获得一种更为客观的真实。他采用报纸、墙纸、木纹纸，以及其他类似的 材料 关于××同志的政审材料调查表环保先进个人材料国家普通话测试材料农民专业合作社注销四查四问剖析材料 ，拼贴出不同形状的块面。这些块面，一方面显示着画以外的那个世界，另一方面则以其有机的组合而显示出画的自身世界的统一性和独立性。难怪他的画商及好友卡恩维勒会如此地评价他:“即使没有摆弄画笔的本领，他也能搞出绝佳的作品。”在这幅拼贴的画上，左边的一块报纸表示一只瓶子，那块印有木纹的纸，则代表着一把提琴。而几根用木炭笔勾画的坚挺的线条，则使这种转换得以实现，并且将那些不相干的拼贴材料，纳入一个有机的统一体中。这种拼贴的艺术语言，可谓立体派绘画的主要标志。毕加索曾说:“即使从美学角度来说人们也可以偏爱立体主义。但纸粘贴才是我们发现的真正核心。” 在这种拼贴语言的运用中，毕加索显然比别的立体派画家更为大胆和富于幻想。别的画家在拼贴不同的纸片时，多少要顾及到是否符合现实逻辑的问题，他们总是把木纹纸限于表示木质的物品。而毕加索则全然摆脱这种约束。在他的画上，一张花纹墙纸可用来表现桌面，一张报纸也可剪贴成小提琴。毕加索曾在与弗朗索瓦?吉洛的交谈中，阐述了他对于拼贴的看法:“使用纸粘贴的目的是在于指出，不同的物质都可以引入构图，并且在画面上成为和自然相匹敌的现实。我们试图摆脱透视法，并且找到迷魂术。报纸的碎片从不用来表示报纸，我们用它来刻画一只瓶子、一把琴或者一张面孔。我们从不根据素材的字面意义使用它，而是脱离它的习惯背景，以便在本源视觉形象和它那新的最后定义之间引起冲突。如果报纸碎片可以变成一只瓶子，这就促使人们思考报纸和瓶子的好处。物品被移位，进入了一个陌生的世界，一个格格不入的世界。我们就是要让人思考这种离奇性，因为我们意识到我们孤独地生活在一个很不使人放心的世界。”《格尔尼卡》《格尔尼卡》，毕加索作，1937年，布面油画，305(5×782(3厘米，马德里索菲亚王妃艺术馆馆藏。 格尔尼卡 毕加索虽然热衷于前卫艺术创新，然而却并不放弃对现实的表现，他说:“我不是一个超现实主义者，我从来没有脱离过现实。我总是待在现实的真实情况之中。”这或许也是他选择画《格尔尼卡》的一个重要原因吧。然而他此画的对于现实的表现，却与传统现实主义的表现方法截然不同。他画中那种丰富的象征性，在普通现实主义的作品中是很难找到的。毕加索自己曾解释此画图像的象征含义，称公牛 象征强暴，受伤的马象征受难的西班牙，闪亮的灯火象征光明与希望……。当然，画中也有许多现实情景的描绘。画的左边，一个妇女怀抱死去的婴儿仰天哭号，她的下方是一个手握鲜花与断剑张臂倒地的士兵。画的右边，一个惊慌失措的男人高举双手仰天尖叫，离他不远的左处，那个俯身奔逃的女子是那样地仓惶，以致她的后腿似乎跟不上而远远落在了身后。这一切，都是可怕的空炸中受难者的真实写照。画中的诸多图像反映了画家对于传统绘画因素的吸收。那个怀抱死去孩子的母亲图像，似乎是源自哀悼基督的圣母像传统;手持油灯的女人，使人联想起自由女神像的造型;那个高举双手仰天惊呼的形象，与戈雅画中爱国者就义的身姿不无相似之处;而那个张臂倒地的士兵形象，则似乎与意大利文艺复兴早期某些战争画中的形象，有着姻亲关系。由此可以看出，毕加索不仅是一位富于叛逆精神的大胆创新者，同时也是一位尊崇和精通传统的艺术家。乍看起来，这幅画在形象的组织及构图的安排上显得十分随意，我们甚至会觉得它有些杂乱。这似乎与轰炸时居民四散奔逃、惊恐万状的混乱气氛相一致。然而，当我们细察此画，却发现在这长条形的画面空间里，所有形体与图像的安排，都是经过了精细的构思与推敲，而有着严整统一的秩序。虽然诸多形象皆富于动感，可是它们的组构形式却明显流露出某种古典意味。我们看见，在画面正中央，不同的亮色图像互相交叠，构成了一个等腰三角形;三角形的中轴，恰好将整幅长条形画面均分为两个正方形。而画面左右两端的图像又是那样地相互平衡。可以说，这种所谓金字塔式的构图，与达芬奇的构图，有着某种相似的特质。另 外，全画从左至右可分为四段:第一段突出显示了公牛的形象;第二段强调受伤挣扎的马，其上方那盏耀眼的电灯看起来好似一只惊恐、孤独的眼睛;第三段，最显眼的是那个举着灯火从窗子里伸出头来的“自由女神”;而在第四段，那个双臂伸向天空的惊恐的男子形象，一下于就把我们的视线吸引，其绝望的姿态使人过目难忘。毕加索以这种精心组织的构图，将一个个充满动感与刺激的夸张变形的形象，表现得统一有序，既刻画出丰富多变的细节，又突出与强调了重点，显示出深厚的艺术功力。在这里，毕加索仍然采用了剪贴画的艺术语言。不过，画中那种剪贴的视觉效果，并不是以真正的剪贴手段来达到的，而是通过手绘的方式表现出来。那一块叠着另一块的“剪贴”图形，仅限于黑、白、灰三色，从而有效地突出了画面的紧张与恐怖气氛。关于《埃斯塔克的房子》《埃斯塔克的房子》，布拉克作，1908年，布面油画，73×59(5厘米，波恩艺术博物馆藏。在立体主义画家中，乔治?布拉克的影响，实际上并不比毕加索小。他与毕加索同为立体主义运动的创始者，并且，“立体主义”这一名称还是由他的作品而来。另外，立体主义运动中有多项创新也皆是由他作出，例如，将字母及数字引入绘画、采用拼贴的手段，等等。布拉克的作品多数为静物画和风景画，画风简洁单纯，严谨而统一。“他比所有其他的立体派画家更多地带来不可缩减的具体和一针见血的分析，带来少有的和谐色彩和他的任何同伴都无能为力的典雅流畅的线条”。。《和平鸽》《和平鸽》是为联合国专门创作的世界友谊作品，从此和平鸽来代表和平。布拉克出生于塞纳河畔阿尔让特伊的一个漆工家庭，其父亲和祖父都 是业余画家， 毕加索 和平鸽相关图集这使他自幼便对绘画产生浓厚的兴趣。1893年，布拉克全家移居勒阿弗尔，不久他便在当地一所美术学校学习。1902年，他进入巴黎美术学校，受到博纳的指导，后又转入安贝尔学院。他于1904年创办了自己的画室。1905年在参观了秋季沙龙之后，他对野兽派绘画产生浓厚兴趣，遂在以后两年中参加了野兽派绘画运动。不过，他的作品却以其“安详如歌一样”的基调，与那种色彩强烈、笔法奔放而令人兴奋的地道的野兽派作品风格迥异。“他的性情极为平稳，因而不滥用野兽派画家陶醉其中的自由。”，人民美术出版社，1991年，第39页)。1907年，他与毕加索相识，深为其作品《亚维农的少女》所倾倒，两人遂成为至交，共同筹划起立体主义运动。另类作品毕加索的作品，最著名的是和平鸽，《格尔尼卡》，以及无数长着三只眼睛，几个乳房的怪人画，使他成为二十世纪最具争议，也最有影响的艺术家。即使看了说不出所以然的人也只有跟着全世界喝彩。要是遇到其他什么人画的看不懂的画时，就会说一句:“这是毕加索。”不管你欣赏也罢，不欣赏也罢，画笔、木头、陶泥、石料，到了他手里，做出来的作品就别具一格，韵味十足。 另类作品 说到毕加索的艺术生涯，就要说起毕加索一生中的女人。他有过两个妻子，这是明媒正娶在教堂里宣过誓的，还有四名众所周知的同居情妇，还有其他的就难以数得清了。他在一九七三年逝世以后，从分散在各地的博物馆和私人收藏品里，发现了许多鲜为人知的作品，让 人们看到了毕加索最隐秘的一面。那就是毕加索爱女人，爱女人的身体，爱女人身体上的特点。他的一双炯炯有光的黑眼睛，愣愣地盯着女人的特点，在他的画笔下表现得纤毫毕露。艺术评论家让?菜玛里在《正常与偏常》一书中说:“二十年前，有人要我做—次关于艺术与性的讲座。我去看毕加索，问他该怎么讲。他回答，还不是老一套。”毕加索一生都受性的诱惑，他在作品与生活中都全身心地享受性的乐趣。据让?克莱尔说，“毕加索每次换个女人，也是每次换个 标准 excel标准偏差excel标准偏差函数exl标准差函数国标检验抽样标准表免费下载红头文件格式标准下载 ，换个视觉，因为他要全部占有女人，直至她的视觉;这时他自己也换了个人。”“标准”、“改变视觉”、“性的对话”、“性与心的转换”、“占有女人直至她的视觉”，这是毕加索的艺术中的性心理学的作品风格毕加索是一位真正的天才。20世纪正是属于毕加索的世纪。他在这个多变的世纪之始从西班牙来到当时的世界艺术之都巴黎，开始他一生辉煌艺术的发现之旅。在20世纪，没有一位艺术家能像毕加索一样，画风多变而人尽皆知。毕加索的盛名，不仅因他成名甚早和《亚威农的少女》、《格尔尼卡》等传世杰作，更因他丰沛的创造力和多姿多彩的生活，他留下了大量多层面的艺术作品。毕加索完成的作品统计约多达六万到八万件，在绘画、素描之外，也包括雕刻、陶器、版画、舞台服装等造型表现。在毕加索1973年过世之后，世界各大美术馆不断推出有关他的各类不同性质的回顾展，有关毕加索的话题不断，而且常常带有新的论点，仿佛他还活在人间。毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。30岁以后毕加索进入一个又一个不安分的探索时期，他的作品和他的生活一样没有丝毫 的统一，连续和稳定。他没有固定的主意，而且花样繁多，或激昂或狂躁，或可亲或可憎，或诚挚或装假，变化无常不可捉摸，但他永远忠于的是——自由。世界上从来没有一位画家像毕加索那样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力，以完全彻底的自由任意重造世界，随心所欲地行使他的威力。他不要 规定 关于下班后关闭电源的规定党章中关于入党时间的规定公务员考核规定下载规定办法文件下载宁波关于闷顶的规定 ，不要偏见，什么都不要，又什么都想要去创造。他在艺术历程上没有规律可循，从自然主义到表现主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回到现实主义。从具象到抽象，来来去去，他反对一切束缚和宇宙间所有神圣的看法，只有绝对自由才适合他。艺术作品是伟大的人物创造的。[2]成长爱情童年毕加索从小就很有艺术天赋，他会做惟妙惟肖的剪纸，还创作了许多惊人的绘画作品。左邻右舍都称叹不已，称他为天才。然而，这个“天才”却不是一个优秀的学生，上课对他来说简直就是折磨，听课时他不是漫无边际地幻想，就是看着窗外的大树和鸟儿。毕加索成了同学们捉弄的对象，他们喜欢跑到他的课桌前，逗他玩:“毕加索，二加一等于几,”然后看着毕加索呆呆的样子哈哈大笑。就连老师也经常在毕加索父母面前，绘声绘色地描绘毕加索的“痴呆”，毕加索的母亲听了觉得无脸见人。几乎所有人都认为:毕加索是一个傻瓜。只有毕加索的父亲仍然坚定不移地相信:儿子虽然读书不行，但是绘画既有天赋的。他对孩子真正的理解和赏识。他对儿子说:“不会算术并不代表你一无是处，你依然是个绘画天才。”小毕加索看着父亲坚毅的面孔，找回了一些自信。果然，毕加索总是似乎毫不费力就能绘出才华横溢的图画，也渐渐忘记自己功课方面的“无能”作为坏学生，在学校关禁 闭已成了毕加索的家常便饭，禁闭室里只有板凳和空空的墙壁，可是毕加索却很高兴。因为他可以带上一叠纸，在那里自由地绘画。有了父亲的支持，毕加索每天都沉浸在想象的天地里，虽然功课不好，但他却在绘画的天地里找到了快乐。亲人毕加索是个始终引起争议的人，除了他那让人倾倒与折服的过人才华。他为自己的几任妻子、情人和孩子们画过许多画，他的亲人们对这位天才画家的评价却褒贬不一。毕加索于1973年以92岁的高龄去世。他在世时人们争先恐后地同他结交，在他去世四分之一世纪以后，世人仍在为他的故事和名声争执不休。毕加索绘画上的成就可谓登峰造极，但他的家庭私事却弄得一塌糊涂。他的悲惨故事世人皆知:他的遗孀杰奎琳.罗克是自杀身亡的;他的一位情人玛丽埃.德莱塞亦是，她为他生下了女儿玛雅;他的孙子巴勃里多在杰奎琳将他赶出爷爷葬礼之后也自杀而死;巴勃里多的姐姐马里娜两年前写了一些回忆录披露自己悲惨的少年时代，并把一切过错归咎于毕加索。弗朗西丝.吉洛特是毕加索一生中惟一将他抛弃的女人。她生过两个孩子:克洛德和帕洛玛，1953年她带着一双子女离开了毕加索。后来她同一位艺术评论家合作写了《我与毕加索的生活》。这本书既大胆又详细，几乎无所不写，甚至连同画家的性历险。此书于1964年出版，当时这种书还属罕见，因此引起轩然大波。作为报复，毕加索从此拒绝再见她生的一对子女。纽约现代艺术博物馆收藏了230幅毕加索的作品，其中有相当一部分是画家为亲人所作的画。大师的妻子和情人中惟弗朗西丝仍然健在，她生的克洛德和帕洛玛及玛丽埃生的玛雅为毕加索硕果仅存的三个儿女。弗 朗西丝已有76岁。细细的脖子，鹰钩鼻子上有一对拱形的眉毛，看上去依然是毕加索当年为她作画时的模样。他们相识于1943年，当时弗朗西丝是个21岁的画家，年轻而颇有抱负，而毕加索已经62岁，且同南斯拉夫女画家、摄影师多拉?莫尔相好。弗朗西丝是个感情炽烈却外表平静的女子，她决定要靠自己的真才实学获得名望与赞赏。对此，帕洛玛这样说:“假如我母亲没有认识我父亲，她原本是有权被称为艺术家的。然而，从某种原因上说，由于认识了我的父亲，她没有了这个权利。人们总是不情愿把她也冠为艺术家。”克洛德更认为母亲的作品对毕加索产生过很大的震撼，“他们之间建立了一种对话”。弗朗西丝的生活始终围绕着毕加索的艺术。当她出版《我与毕加索的生活》时，大师的崇拜者们称此书充满私利与报复性。然而，时至今日，即使是弗朗西丝的批评者们在论及四十年代和五十年代的毕加索时也以它为基础了。确实，这本书里充满了令人不屑的东西，但三十多年之后，仍不失为一个性格复杂的天才艺术家的严肃传记。现住纽约的弗朗西丝认为大师当年为她所作的画上用一种柔和的线条和抽象的晕影表现两人的亲密关系。有一幅画上，看起来象是毕加索用对称的轮廓线把肖像的各点连结起来了，这种画法当时刚开始尝试。她说:“当一对男女同为画家时，作品上体现的一切都带有感情色彩”。在她看来，“对于毕加索来说，给女人画像就是一种诱惑她的方式”，“其他女人是通过她们的肖像画来认同自己的。所以当毕加索一旦歇手不画她们了，她们的一切也就完了。”而她自己则没有陷进去，“从没有被封闭在自己的肖像画里，从而没有成为他的俘虏”。年 已半百的克洛德长着一双深色的眼睛，身体十分结实。他同父亲的相似之处显而易见。受毕加索遗产管理法庭的提名，他于1995年成立了毕加索管理委员会，以控制其作品的复制权和使用权。他本人可说是毕加索留下的上千幅画作、雕刻、草图、版画的活目录。他在巴黎的办公室里挂满了父亲的画。毕加索曾为他和妹妹帕洛玛画过一幅双人画，幼年的他坐在一个玩具汽车上，双眼放着光，妹妹则在玩一列小火车。还有一幅画上有他的母亲和他兄妹二人。画面上的他拿着一支铅笔和一张白纸。对他来说，这幅画代表了他们这个家庭的未来，代表了后来写在这张纸上的一切。?兄妹二人分别在16岁和14岁时遭到了沉重的打击:那本书出版后，他们的生活里从此失去了父亲。两兄妹一次又一次去看望父亲，可他把自己关在房子里，连电话也不接。即使见不到面，他们仍每年一起或分别几次去父亲的家。他说:“作为一个杰出的大艺术家的儿子我是幸运的，毕加索本人就变成了我们家族的事业。”父亲没能得到看着他成长的快乐，但他对此已没有愤怒。帕洛玛有一张为人熟知的脸，这要归功于她做的香水广告。广告上的她有火一般鲜艳的红唇、源于其父的一双深邃明亮的眼睛、一头瀑布般的黑发。她已有49岁，亲见其人会觉得她谦和亲切得多。她说父亲给他们作画时从未让他们摆姿势，他是凭记忆作画、从想象中得到灵感。毕加索是个对孩子着迷的人，他画过很多儿童画。但很显然，他从未画过少年时代及长大成人后的子女，对于他，孩子长大了就又是一回事了。帕洛玛认为父亲后来不见她是受了别人的挑唆，尤其是后母杰奎琳觉得他们对自己是个威胁。她清楚地记得1976年 在街上巧遇父亲的经过，那是她13年后第一次也是最后一次见到他。帕洛玛同剧作家拉法埃尔?罗伯斯在结婚18年后于1995年分手，前夫为此同她展开了一场争夺财产的大战。帕洛玛的财富约有17亿美元，她的经济王国里有化妆品、香水和珠宝生意，当然还有其父留给她的价值6亿多美元的画。她的前夫要求得到所有这些财富的一半，此外每月还要给他一笔高额的生活费，理由是他抛开了剧作家的生涯而同妻子一道经营她的生意，而且他在她取得的成功上起了决定性的作用。不幸的是，在他们妇唱夫随的美好日子里，帕洛玛也以类似的话夸奖过自己的丈夫。据说这可能是有史以来“最昂贵”的离婚。帕洛玛为忘记烦恼只好全力投入工作，同时也投入新欢的怀抱，那是个法国大夫，名叫埃里克?德温奈特。与克洛德、帕洛玛同为非婚生的大姐玛雅和丈夫住在巴黎，他是个退休的海军军官。年过60的她看上去精神很好。1956年以后玛雅就没怎么再见到父亲，这意味着刚满20岁她便被逐出父亲的生活。事实上她从未同父亲共同生活过，她出世后不久，毕加索便同多拉同居了，后来又换成弗朗西丝，而当时他合法的妻子是奥尔加?柯克洛娃。她的母亲十分迷信，被毕加索抛弃后仍保存着他剪下的指甲和头发。当母亲1977年自杀后，这些东西便归玛雅所有。“令人吃惊的是，有这样疯疯癫癫的父母，我竟然还很正常。”这是她常挂在嘴上的玩笑话。不过，玛雅真正让毕加索专家们吃惊的是，她从事辨别父亲作品真伪的工作，尽管不是非常专业，却赢得专家们的高度评价。爱情吉纳维夫与毕加索初次相遇是在1944年，当时她还只有17岁，作为一名学校杂志的记者前去采访当 时已是著名画家的毕加索。 毕加索作品 年少的吉纳维夫大胆地向毕加索提问:“毕加索先生，年轻人不太理解您的绘画。”此言一出毕加索立刻勃然大怒，他严厉地反驳道:“那是什么意思,你们什么时候才能理解绘画的语言,难道你们就理解薯片的语言吗,”毕加索很想“引诱”不更事的少女尽管初次相遇非常尴尬，当时63岁的艺术大师毕加索还是和17岁的吉纳维夫成了忘年交，他们经常一边品着热巧克力一边谈论艺术和文学。毕加索也曾承认，他很想引诱这个女孩，但是当时没敢这么做。电闪雷鸣促成了老少恋7年后，毕加索从美国返回西班牙。不久，一个电闪雷鸣的夜晚最终使他们变成为了情人。回忆起当时的情景，吉纳维夫还记忆犹新，“我对毕加索说我该回家了，就在这时奇怪的事情发生了，我敢发誓那简直就像一场童话故事。房间里的光线暗了下来，通过天窗我看到太空乌云滚滚，似乎只有在刚果的热带风暴中会出现这种景象。毕加索当时对我说:‘等一会，一场风暴就要来了。’接下来就是电闪雷鸣，冰雹也接踵而至……接下来发生了什么我就记不清楚了。”当两年“地下情人”后曲终人散当时，毕加索已经和女画家弗朗索瓦兹,吉洛生活在一起了，吉纳维夫就做了毕加索的地下情人， 毕加索名作《梦》 他们的地下恋情共持续了两年。1953年，毕加索要求吉纳维夫同他一起移居到法国南部生活，但被吉纳维夫拒绝了，从而结束了他们这段浪漫的爱情。最终，吉纳维夫成为一名诗人和纪录片制片人，并获过了大奖。为给我画像，毕加索耐心地等我睡醒毕加索一生有过无数 情人，在人们的脑海中，他是一个被女人宠坏的暴君，但是在吉纳维夫记忆中，毕加索却是一个“让人尊重的人，温柔、聪明，偶尔还会很羞怯”。吉纳维夫说:“他并不是人们常常描述的那样，是个让人厌恶的冷酷的人。”为了证明毕加索的体贴和温柔，吉纳维夫提到了一幅裸体素描画的来历，这幅素描名叫“8月80日肖像画”。吉纳维夫说:“毕加索想要画一幅我躺在床上的裸体画。但是在绘画过程中我变得昏昏欲睡，后来下意识地扯了一条被单盖在身上睡着了。毕加索失去了他的模特，但是却不敢把我叫醒，他就那么耐心地等待着，等我睁开眼睛，然后才完成了那副作品。”鲜为人知的情人是毕加索的生命最爱尽管毕加索的一些传记作家并不怎么关注吉纳维夫了，在毕加索一生众多情人当中吉纳维夫也不怎么出众，但是毕加索却亲口对他的朋友提起过吉纳维夫在他生命中的重要位置，毕加索说:“她拯救了我的生命，她让我尽展笑颜。”而吉纳维夫自己也认为是毕加索最后一个情人，她在数年前曾经写道:“我认为我是他唯一深爱的人，也是最后一个。毕加索的情人画册据毕加索的遗孀雅克琳娜回忆，毕加索13岁时，他7岁的小妹孔瑟达死于白喉。毕加索曾发誓，如小妹去世，他将放弃绘画。小妹死了，毕加索本就不想放弃绘画，因此他觉得对妹妹的死负有责任，这种原罪感伴随他一生，决定了他同女人们的关系。女人是他艺术祭台上的牺牲品，也是他艺术创造的源泉。1904年，23岁的毕加索爱上蒙马特尔的年轻模特费尔南德?奥立维。他们在一起纵酒狂欢、恶作剧、吸食鸦片……虽然生活贫困，但毕加索的画风却变得日益明快。柔和的粉红色调开始渗透到他的画布上， 成为主要的颜色。奥莉嘉,科克洛瓦，毕加索第一任妻子。毕加索为一个俄罗斯芭蕾舞团设计布景时，爱上了这位俄国芭蕾舞女演员。1918年他们正式结婚。那时家庭生活的幸福和天伦之乐对毕加索很重要。他影响了一个世纪的所有现代派艺术，在那时期却避开了达达主义的纠缠，独立发展他的新古典主义。1923年的《裸女》是毕加索最美的作品。艾娃于1911年和毕加索相爱，当时艾娃已是有夫之妇。《坐在扶手椅里的女人》作于1913年，深受超现实主义者的喜爱。画中艾娃的脸变成了一条垂直的裂缝，人物形象充满淡褐、粉红、胭脂红等色彩，引人暇想。玛丽?德雷莎?华特与毕加索1927年初在火车站相遇。包括《梦》大部分对德雷莎的肖像画和线描都充满性感。超现实主义、弗洛伊德学说是这些作品的轴心。1943年，年已62岁的毕加索认识了21岁的年轻女画家方斯华姿?吉洛。1946年毕加索为她画了油画《女人——花》。据方斯华姿回忆，“他根据他对我脑袋的概念剪成各种程度的椭圆，分别画上了眼睛、鼻子和嘴。然后他把这些椭圆在画布上上下左右地移动，看看是不是合意。”年轻迷人的多拉?玛尔多才多艺，既是画家、摄影家又是模特。1936年与他相识，此后开始了长达8年的恋情。后来两人关系紧张。1940年6月，毕加索创作了一幅最凶暴的妇女形象——以多拉为原型的《裸体梳妆女》。他开始殴打多拉，多次打得她躺在地板上不省人事。1939年到1940年，他有三分之二还多的作品画着畸形的女人，面部和身体像被怒鞭抽打似的。杰奎琳?洛克是毕加索的第二任妻子，两人1961年结婚。这位西班牙女子为晚年的毕加索营造了一个温馨宁静的世界。 毕加索常从她的体形中回想起卡塔卢尼亚的农妇，他为她画了大量的肖像画。毕加索去世13年后，雅克琳娜自杀身亡。毕加索爱情年表:1881年 10月25日出生于西班牙南部的马拉加。1904年23岁定居于巴黎“洗衣船”。邂逅费尔南德,奥立维并同居，常去观赏马戏团的演出，粉红色时期开始。1911年30岁邂逅艾娃,谷维。1912年31岁与费尔南德分手。1915年34岁艾娃因肺结核逝世。1917年36岁至意大利为俄罗斯芭蕾舞团作舞台设计，邂逅舞者奥莉嘉,科克洛瓦。1918年37岁与奥莉嘉结婚。1925年44岁创作“舞”，首次影射与奥莉嘉的紧张关系。1927年46岁邂逅年仅17岁的玛丽-德雷莎,华特。1929年48岁作系列以女人头像为题的攻击性画作，显现婚姻危机。1935年54岁与奥莉嘉分居。1936年55岁邂逅南斯拉夫女摄影师兼画家多拉?玛尔。1943年62岁邂逅22岁的方斯华姿?吉洛。1946年65岁与方斯华姿?吉洛同居。1954年73岁与方斯华姿?吉洛分手。1961年80岁与35岁的杰奎琳?洛克结婚。1964年83岁方斯华姿出版回忆录，造成两人决裂。1973年92岁4月8日逝于坎城附近的慕瞻市。4月10日葬于佛文纳菊别墅的花园里。妻儿奥尔嘉保罗埃米莉娜克里斯蒂娜巴勃利托玛里娜伯纳德帕洛玛玛丽?泰蕾兹玛雅杰奎琳卡特莉娜弗洛尔加埃尔梅立体主义1908年，在巴黎秋季沙龙的展览上，当野兽派画家马蒂斯看到毕加索和布拉克的那些风格新奇独特的作品时，不由得惊叹道:“这不过是一些立方体呀!”同年，评论家沃塞尔在《吉尔?布拉斯》杂志上，借马蒂斯的这一说法，对布拉克展于卡思维勒画廊的作品评论说:“布拉克将一切都缩减在立方体之 中”。他首先采用了“立体主义”这个字眼。后来，作为对毕加索和布拉克所创的画风及画派的指称，“立体主义”的名字便约定俗成了。 立体派 在西方现代艺术中外，立体主义是一个具有重大影响的运动和画派。其艺术追求与塞尚的艺术观有着直接的关联。立体派画家自己便曾声称:“谁理解塞尚谁就理解立体主义”。立体派画家受到塞尚“用圆柱体、球体和圆锥体来处理自然”的思想启示，试图在画中创造结构美。他们努力地消减其作品的描述性和表现性的成分，力求组织起一种几何化倾向的画面结构。虽然其作品仍然保持着一定的具象性，但是从根本上看，他们的目标却与客观再现大相径庭。他们从塞尚那里发展出一种所谓“同时性视象”的绘画语言，将物体多个角度的不同视象，结合在画中同一形象之上。例如在毕加索的《亚维农的少女》一画上，正面的脸上却画着侧面的鼻子，而侧面的脸上倒画着正面的眼睛。一般说来，《亚维农的少女》是第一件立体主义的作品，而立体主义运动则通常可分为两个阶段。一个阶段是1912年之前的所谓分析立体主义。画家们继承塞尚对绘画结构进行理性分析的传统，试图通过对空间与物象的分解与重构，组建一种绘画性的空间及形体结构。1912年以后，立体主义运动进入第二阶段，通常称为综合立体主义。此时在画中色彩起了有力的作用，但形体仍然支离破碎，只是更大和更富于装饰性。画家们新创出一种以实物来拼贴画面图形的艺术手法和语言，进一步加强了画面的肌理变化，并向人们提出了自然与绘画何者是现实，何者是幻觉的问题。立体主义虽然是绘画上的风 格，但对20世纪的雕塑和建筑也产生了深远的影响。艺术生涯蓝色时期由1900年起毕加索一直往来于西班牙及巴黎之间。1904年在巴黎定居，住在著名的“洗衣坊”。在巴黎，他结交了马克斯?雅各布、范唐吉、隆尔蒙、阿波里耐和拉平?阿吉尔的房东的女儿马德莱娜，他为马德莱娜绘了几幅肖像。其时他的作品仍受到在巴塞罗那大行其道的象征主义影响。毕加索当时的生活条件很差，又受到德加、雅西尔与土鲁斯?劳特累克画风的影响，加上在西班牙受教育时染上的西班牙式的忧伤主义，这时期的作品弥漫着一片阴沉的蓝郁。粉红时期1906年毕加索结识了马蒂斯。其后又认识了德兰和布拉克，与费尔南德?奥利维耶在蒙马特同住。其时他的经济已好转，生活要比以前愉快得多，画作用色变为轻快的粉红;绘画对象亦由蓝色时期的乞丐、瘦弱小孩和悲戚妇女转向街头艺人、杂耍艺人及风华正茂的妇女。1906年至1910年非洲时期1906年毕加索从德兰的非洲面具中得到启发，直至年底，其作品一直受非洲面具影响，此即为毕加索的非洲时期。他笔下的人体健硕而深沉，这种特征，在1907年的《阿威农的姑娘》中显露无遗，由不同组件组成的人体可从几个角度来观看，揭示毕加索的立体主义时期的来临。然而，整个时期仍有受塞尚影响的痕迹。分析立体主义毕加索大部分的艺术家朋友都由蒙马特迁到蒙帕纳塞，他亦随他们迁居。其时的立体主义体验达到巅峰。雅克?比斯这样评论他:“作品由素描建构，色与调弱化到最起码的灰色与浅暗橘黄色;形体是几何图形化与综合而成的，造成迹近压抑其可辨认身份的效果，闯出桎梏，最终与形体剥离。”仿如从一面棱镜的焦点 去看一个单一影象的多元角度。生活本来就是如此，然而毕加索把它延伸到肖像上。他与布拉克制作出第一批拼贴画。综合立体主义1914年，战争使立体主义画家分道扬镳，各奔前程。毕加索重拾自由与个人在色彩上的品味，还有那旺盛的精力。无论从风格与绘画的对象上，他的“立体印象派”创作变得更加自由。纵观他的所有作品，他并未把自己局限于立体主义，而是继续从各方面探索。例如，1915至1916年的作品是自然主义的;1917年的却是现实主义。代新古典时期毕加索居于意大利，刚为迪亚希列夫执导的俄罗斯芭蕾舞剧《游行》设计背景与服装，其时邂逅了芭蕾舞演员奥尔加?科赫洛娃。1918年他与科赫洛娃结婚，婚后诞下一子。这段较安逸生活正值毕加索创作生涯的新古典时期，1921年与1926年他继续制作立体主义作品，1923年的作品却走现实主义路线。1925年至1932年，毕加索进入超现实主义时期。1933年至1934年逗留西班牙期间，牛首人身怪作品出现。1927年他邂逅了极年轻的玛丽?泰蕾兹?瓦尔特，她成为他的模特儿，且为他诞下女儿马姬。此时，毕加索并没有与妻子离婚，却又与一名热情女画家兼摄影师多娜?马尔同居，他为马尔绘过几张画。他们的关系维持了差不多十年。在大奥古斯丁路的新工作坊内，毕加索创作了大型制作《格尔尼卡》，其间做了许多筹备制作工作。1943年，他结识了法兰丝娃?季洛，与她在昂蒂布的米迪同居。1945年他在瓦洛里斯绘画了一系列的静物画，并创作陶瓷。他的儿子克洛德于1947年出生，1949年再诞下女儿帕洛玛。他的作品中除了显示这种简单家庭生活的快乐之外，还表达了他对政治的承担:1944年绘制《骸 骨的藏室》，1947年有《为了法国而死的西班牙人》。他继续绘画静物、风景、肖像……1950年，库尔贝的《塞纳河边的女人》启动了他的围绕名家大师作品的变奏创作。1954年，法兰丝娃?季洛离开毕加索。毕加索在瓦洛里斯结识了贾桂琳?罗克，之后便与这女人共度余年。1959年之前他们居于康城，他在康城为德拉克鲁的《阿尔及尔的女人》与贝拉斯克斯的《宫女》埋头作画，同时继续《画室》的后续工作。他先搬到沃韦纳盖斯，然后在木甘附近的娜特丹?德?米城堡定居，继续他的变奏系列创作。由1960年到1972年，他孜孜不倦地工作。仅在这13年内，在目录中记载的作品已超过千件，种类分别有版画、素描和油画等。毕加索于1973年逝世，终年92岁。毕加索的作品，无论质还是量，都是惊人的，约达六万件之数。这位天才横溢的艺术家“在极其漫长的创作活动的每一刻，似乎想做的都让，创造出了很有表现感的艺术语言;他的极端变形和夸张的艺术手法，在表现畸形的资本主义社会和扭曲了的人与人之间的关系方面，有独特的力量。他的私人收藏，包括他自己及朋友的作品，都已捐赠给了法国政府。巴黎建有毕加索博物馆。评价毕加索是20世纪现代艺术的主要代表人物之一，遗世的作品达二万多件，包括油画、素描、雕塑、拼贴、陶瓷等作品。毕加索是位多产画家，据统计，他的作品总计近37000 件，包括:油画1885 幅，素描7089 幅， 毕加索自画像版画20000 幅，平版画 6121幅。跟一生穷困潦倒的文森特?凡高不同，毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。在1999年12月法国 一家报纸进行的一次民意调查中，他以40%的高票当选为20世纪最伟大的十个画家之首。艺术成就毕加索是位多产画家，据统计，他的作品总计近37000件，包括:油画1885幅，素描7089幅，版画20000幅，平版画6121幅。 女孩与小船 他以40%的高票当选为20世纪最伟大的十位画家之首。对于作品，毕加索说:“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的画的含义。”全世界前10名最高拍卖价的画作里面，毕加索的作品就占据4幅。毕加索一生中画法和风格几经变化。也许是对人世无常的敏感与早熟，加上家境不佳，毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁，早期画近似表现派的主题。在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，而产生了象《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品。德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。在《嘉列特磨坊》、《喝苦艾酒的女人》等画作中，总看到用罗特列克手法经营着浮动的声光魅影，暧昧地流动着款款哀伤。毕加索十四岁那年与父母移居巴塞罗那，见识了当地的新艺术与思想。然而正当他跃跃欲试之际，却碰上当时西班牙殖民地战争失利。政治激烈的变动导致人民一幕幕悲惨的景象，身为重镇的巴塞罗那更是首当其冲。也许是这种兴奋与绝望的双重刺激，使得毕加索潜意识里孕育着蓝色时期的忧郁动力。迁至巴黎的毕加索，既落魄又贫穷，住进了一处怪异而破旧的住所“洗衣船”，这里当时是一些流浪艺术家的聚会所。也正是在此时，芳华十七的奥丽薇在一个飘雨的日子，翩然走进了毕加索的生命中。于是爱情的滋润与甜 美软化了他这颗本已对生命固执颓丧的心灵，笔下沉沦痛苦的蓝色，也开始有了跳跃的情绪。细细缓缓地燃烧掉旧有的悲伤，此时整个画风膨胀着幸福的温存与情感归属的喜悦。 双臂抱胸的女人 玫瑰红时期的作品，人物表情虽依然冷漠，却已注重和谐的美感与细微人性的关注。整体除了色彩的丰富性外，已由先前蓝色时期那种无望的深渊中抽离。摒弃先前贫病交迫的悲哀、缺乏生命力的象征，取而代之的是对人生百态充满兴趣、关注及信心。在《穿衬衣的女子》中，一袭若隐若现的薄纱衬衣，轻柔地勾勒着自黑暗中涌现的侗体，坚定的延伸，流露出年轻女子的傲慢与自信。鬼魅般地流动着纤细隐约的美感。整体气氛的传达幽柔细致，使得神秘的躯体在氤氲中垂怜着病态美;拼贴艺术形成的主因，源于毕加索急欲突破空间的限制，而神来一笔的产物。实际上拼贴并非首创于毕加索，在19世纪的民俗工艺中就已经存在，但却是毕加索将之引至画面上，而脱离工艺的地位。首张拼贴作品《藤椅上的静物》与1913年的《吉他》，都是以拼贴手法实现立体主义的最佳诠释。后期画注目于原始艺术，简化形象。1915-1920年，画风一度转入写实。1930年又明显的倾向于超现实主义。第二次世界大战时，毕加索作油画《格尔尼卡》抗议德、意法西斯对西班牙北部小镇格尔尼卡进行狂轰滥炸。这幅画是毕加索最著名的一幅以立体主义、现实主义和超现实主义手法相结合的抽象画，剧烈变形、扭曲和夸张的笔触以及几何彩块堆积、造型抽象，表现了痛苦、受难和兽性，表达了毕加索多种复杂的情感。晚期制作了大量的雕塑、版画和陶器等，亦有杰出的成就。毕加索从十九世纪末 从事艺术活动，一直持续到二十世纪七十年代，毕加索是整个二十世纪最具有影响力的现代派画家。毕加索的作品对现代西方艺术流派有着很大的影响。毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。1973年，他静静地离去了，走完了九十二岁的漫长生涯，如愿以偿地度过了一生。 列奥纳多?达?芬奇 英文Leonardo Di Ser Piero DaVinci，享年67岁。意大利文艺复兴天才画家、科学家、发明家。这位奇才对各个领域的知识几乎是无师自通，是人类历史上绝无仅有的全才，他最大的成就是绘画，他的杰作《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》等作品，体现了他精湛的艺术造诣。 他还擅长刻雕、音乐、发明、建筑，通晓数学、生理、物理、天文、地质等学科，既多才多艺，又勤奋多产，保存下来的手稿大约有6000页。达芬奇认为自然中最美的研究对象是人体，人体是大自然的奇妙之作品，画家应以人为绘画对象的核心。达?芬奇，意大利文艺复兴中期的著名美术家、科学家和工程师，1452年4月15日生于托斯卡纳的芬奇附近。他在少年时已显露艺术天赋，15岁左右到佛罗伦萨拜师学艺，成长为具有科学素养的画家、雕刻家、军事工程师和建筑 师。1482年应聘到米兰后，在贵族宫廷中进行创作和研究活动，1513年起漂泊于罗马和佛罗伦萨等地。1516年侨居法国，1519年5月2日病逝。在列奥纳多?达?芬奇Leonardo da Vinci逝世之后的500年间，人类一直对他进行研究与探索，欧美各国、以色列等亚洲国家设立了研究达?芬奇的专门机构，他的祖国意大利更是把他作为文化的象征。人物生平天才降生在意大利佛罗伦萨附近的海滨小镇——芬奇镇，有一个叫安奇雅诺的小村庄。1452年4月15日，伟大的画家列奥纳多?达?芬奇就在 美丽的费蓉妮叶[2] 这个美丽的地方降临人世。列奥纳多的父亲皮耶罗?达?芬奇是佛罗伦萨有名的公证人，家庭很富有。绘画神童列奥纳多的童年是在祖父的田庄里度过的。孩子时代的莱昂拉多聪明伶俐，勤奋好学，兴趣广泛。他歌唱得很好，很早就学会弹七弦琴和吹奏长笛。他的即兴演唱，不论歌词还是曲调，都让人惊叹。他尤其喜爱绘画，常为邻里们作画，有“绘画神童”的美称。师从韦罗基奥 切奇莉亚.加拉拉尼[3] 列奥纳多14岁时，父亲皮耶罗受一个贵族的委托，要画一幅盾面画作为他们家族的标志，他就想让小芬奇试试，看看儿子到底能画到什么程度。小列奥纳多凭借自己丰富的想象力，用了一个月的时间，画成了一个吓人的妖怪美杜莎。这幅作品完成后，小列奥纳多请父亲来到他的房间。他把窗遮去一半，将画架竖在光线恰好落在妖怪身上的地方。皮耶罗刚走进房间时，一眼就看到了这个面目狰狞的妖怪，吓得大叫起来。小列奥纳多则笑着对父亲说:“你把画拿去吧，这就是它该产生的效果。”列奥纳多的父亲皮耶罗?达?芬奇确信儿子有绘画 天赋，便将14岁的小列奥纳多送往佛罗伦萨，师从著名的艺术家韦罗基奥，开始系统地学习造型艺术。韦罗基奥的作坊是当时佛罗伦萨著名的艺术中心，经常有意大利人文主义者在这里聚会，讨论学术问题。在这里，达?芬奇结识了一大批知名的艺术家、科学家和人文主义者，开始接受人文主义的熏陶。在20岁时列奥纳多已有很高的艺术造诣，他用画笔和雕刻刀去表现大自然和现实生活的真、善、美，热情歌颂人生的幸福和大自然的美妙。列奥纳多并不满足他的这些才干，他要掌握人类思想的各个领域。他眼光独到，做事干练，具有艺术的灵魂。有一次，他在山里迷了路，走到了一个漆黑的山洞前。他在后来回忆这段经历时说:“我突然产生了两种情绪——害怕和渴望:对漆黑的洞穴感到害怕，又想看看其中是否会有什么怪异的东西。”他一生都被这两种情绪所羁绊——对生活的不可知性或无力探知的神秘感到害怕，而又想把这个神秘的不可知性加以揭露，加以研究，解释其含义，描绘其壮观。他很早就下定决心，要做一个研究者、一个教师、尤其是一个艺术家。《蒙娜丽莎》运用了透视法等多种绘画方法。绘画大师我们比较熟悉的达?芬奇形象基本上来自于他那幅著名的自画像，所以一提起列昂纳多，我们总是想到一个哲学家般的睿智长者。其实，达?芬奇年轻时代可是意大利佛罗伦萨闻名遐迩的美男子呢～他的老师韦罗基奥雕塑的那俊美非凡的青铜大卫像据说就是以年轻的达?芬奇为模特。达?芬奇艺术生涯发展得最顺利的时期是在1482--1499年的米兰。达?芬奇的七弦琴弹得不错，他首先是作为一个音乐家而不是画家或者发明家出现在米兰出名的。这期间他的绘画 作品不多，但其无与伦比的才能却极受米兰大公卢多维科?斯福尔扎的青睐。 最后的晚餐[4] 1499年为躲避战乱达?芬奇在曼图亚和威尼斯等地旅游并进行一些科学研究。1500年达?芬奇回到佛罗伦萨并开始创作《蒙娜丽莎》。这之后达?芬奇再去米兰，并继续服务于米兰宫廷。1513 年移居罗马，罗马对于列昂纳多来说并不是很讨人喜欢的地方。他在那里做了短暂的停留，见到了米开朗基罗和其他当时在罗马的艺术家，但并没有显露他任何的艺术天才。他在那里基本上是研究一些类似于魔法的小把戏，以至于罗马人当他是巫师一类的人物。1515年达?芬奇移居法国，最后定居昂布瓦斯。晚年极少作画，潜心科学研究，去世时留下大量笔记手稿，内容从物理、数学到生物解剖，几乎无所不包。他一生完成的绘画作品并不多，但件件都是不朽之作。其作品具有明显的个人风格，并善于将艺术创作和科学探讨结合起来，这在世界美术史上是独一无二的。学术界一般将其创作活动分为早期和盛期两个阶段。创作历程早期创作当他在作坊学艺时 ，就表现出非凡的绘画天才。约1470年他在协助韦罗基奥绘制《基督受洗》时，虽然只画了一位跪在基督身旁的天使，但其神态、表情和柔和的色调，已明显地超过了韦罗基奥。据传，韦罗基奥为此不再作画。现存他最早的作品《受胎告知》是达?芬奇在没有老师的指导下，独立完成的一件作品。除了有一点自由构思外，这幅画的场景都是达?芬奇遵循一般的透视画法来构思的。后来位于欧利维特峰的圣巴托罗梅欧修道院还订购了这幅作品，稍后创作的《吉内薇拉?班琪》，一反15世纪艺术追求线条分 明的传统，以逆光夕照的色调渲染他所倡导的透视效果。1481年创作的《博士来拜》是标志其艺术风格达到成熟期的作品。该画虽由于他动身去米兰而没有完成，但从原稿上可看出其构图和形象塑造所显示的艺术创新，大大超越了他的老师和同辈:由圣母婴孩和三位博士所形成的三角形稳定构图，按精确的透视法画的建筑遗迹和奔腾飞跃的马群等背景，说明他已不再从叙事的角度简单地罗列有关人物，而是对传统的题材进行彻底的改造。他所采用的色调幽暗的画法，使人物形象从阴影中突出，突破了传统绘画明晰透露的特点，预示着文艺复兴的到来。盛期创作1482年达?芬奇来到米兰，应圣弗朗切斯教堂的邀请绘制祭坛画《岩间圣母》。这幅 《圣母子与圣安妮、施洗者圣约翰》 画现藏于卢浮宫。《最后的晚餐》是他在这一时期的创作中最负盛名之作。这幅表现基督被捕前和门徒最后会餐诀别场面的湿壁画，绘制在米兰格雷契修道院饭厅的墙壁上。它巧妙的构图和独具匠心的布局，使画面上的厅堂与生活中的饭厅建筑结构紧密联结在一起，使观者感觉画中的情景似乎就发生在眼前。在人物布局上，一反平列于饭桌的形式，将基督独立于画面中央，其他门徒通过各自不同的表情和手势，分别表现出惊恐、愤怒、怀疑、剖白和慌张的情绪。这种典型性格的描绘，突出了绘画的主题，它与构图的统一效果互为补充，堪称美术史上最完美的典范之作。1500年达?芬奇回到佛罗伦萨，随着共和国制度的恢复，文化气氛一度活跃，画坛上也先后出现了米开朗基罗、拉斐尔等杰出人物。达?芬奇开始为兰则塔大教堂的主祭坛创 作《圣母子与圣安娜、圣约翰》，他向市民展出的一幅经过精心构思的《圣母子与圣安娜、圣约翰》素描草图，立即引起轰动，其构图原理和画法对艺术界有极大影响，米开朗基罗和拉斐尔等人也从中得到启发。1503年他一面着手为市政厅绘制壁画《安吉里之战》，一面创作《蒙娜丽莎》和《圣母子与圣安娜、圣约翰》，这两幅画和《施洗者圣约翰》一起成为他极为珍爱的作品，始终带在身边，晚年移居法国也不离左右，最后遗存巴黎。1499年为躲避战乱，达?芬奇在曼图亚和威尼斯等地旅游并进行一些科学研究。巨人长眠达?芬奇晚年被法兰西国王弗朗索瓦一世邀入法国，弗朗索瓦一世给予了他至高的接待，将其安 最后的归宿克鲁克斯庄园置于昂布瓦斯城堡中的克鲁克斯庄园，并时不时地去请教。1519年5月2日，年事已高的达?芬奇因病逝世了，据说他是在赶来的弗朗索瓦一世怀中咽下了最后一口气。他最钟爱的学生弗朗西斯科?梅尔兹说:“达?芬奇的死，对每一个人都是损失，造物主无力再造出一个像他这样的天才了。”“上天有时将美丽、优雅、才能赋予一人之身，令他之所为无不超群绝伦，显出他的天才来自上苍而非人间之力。列昂纳多正是如此。他的优雅与优美无与伦比，他的才智之高可使一切难题迎刃而解。”这是文艺复兴时期的传记作家瓦萨里对达?芬奇的溢美之词。人物成就科学最初，人们学习科学知识也只是学习像《圣经》一样的亚里士多德理论，只相信文字记载。达?芬奇反对经院哲学家们把过去的教义和言论作为知识基础，他鼓励人们向大自然学习，到自然界中寻求知识和真理。他认为知识起源 于实践，应该从实践出发，通过实践去探索科学的奥秘。他说“理论脱离实践是最大的不幸”，“实践应以好的理论为基础”。达?芬奇提出并掌握了这种先进的科学方法，采用这种科学方法去进行科学研究，在自然科学方面作出了巨大的贡献。他提出的这一方法，后来得到了伽利略的发展，并由英国哲学家培根从理论上加以总结，成为近代自然科学最基本的研究方法。达?芬奇坚信科学，他对宗教感到厌恶，抨击天主教那些掌权的为“一个贩卖欺骗与谎言者”。他说:“真理只有一个，他不是在宗教之中，而是在科学之中。”达?芬奇的实验工作方法为后来哥白尼、伽利略、开普勒、牛顿、爱因斯坦等人的发明创造开辟了新的道路。天文达?芬奇对传统的“地球中心说”持否定的观点。他认为地球不是太阳系的中心，更不是宇宙的中心，而只是一颗绕太阳运转的行星，太阳本身是不运动的。达?芬奇还认为月亮自身并不发光，它只是反射太阳的光辉。他的这些观点的提出早于哥白尼的“日心说”，甚至在当时，达?芬奇就可能在幻想利用太阳能了。物理达?芬奇重新发现了液体压力的概念，提出了连通器原理。他指出: 达?芬奇留给后世的文明理论遗产在连通器内，同一液体的液面高度是相同的，不同液体的液面高度不同，液体的高度与密度成反比。15世纪，他最早开始了物体之间的摩擦学理论的研究。他发现了惯性原理，后来为伽利略的实验所证明。他认为一个抛射体最初是沿倾斜的直线上升，在引力和冲力的混合作用下作曲线位移，最后冲力耗尽，在引力的作用下作垂直下落运动。还预示了物质的原子原理，形象生动的描述了原子能的威力:“那东西将从地底下爆起，使人在无声的 气息中突然死去，城堡也遭到彻底毁坏，看起来在空中似乎有强大的破坏力。”机械痴迷对机械世界痴迷不已。水下呼吸装置、拉动装置、发条传动装置、滚珠装置、反向螺旋、差动螺旋、风速计和陀螺仪……达?芬奇将他无数的奇思妙想呈现在世人面前。故事的开头不得不说起达?芬奇初到佛罗伦萨学画的经历。事实上，这段经历开启了艺术家达?芬奇的大门，也开启了科学家达?芬奇的大门。佛罗伦萨圣母玛丽亚大教堂是文艺复兴建筑的开端。达?芬奇在安装穹顶灯塔上的巨型铜球时，亲眼目睹了三速提升机等机械装置的效率，深感其中的神奇。1460年达?芬奇随父亲来到佛罗伦萨，开始了他的学徒生涯，同时开始学画。学画的达?芬奇参与安装佛罗伦萨圣母玛丽亚大教堂穹顶灯塔上的巨型铜球，由此接触并感受到了各式各样机械系统的神奇。由此，布鲁内莱斯基的机械系统设计理念对达?芬奇产生了很大影响。当时一批锡耶纳工程师对达?芬奇的科学世界也产生了重要影响。工程师们设计了一种外形像船的河道淤泥挖掘机，用来清除浅水口的沙砾和淤泥，还有一种能够提高装载量又加快行驶速度的桨叶船。这些锡耶纳工程师的发明，让达?芬奇对机械的魔力产生了巨大的兴趣。 机械设计 密码筒看过《达?芬奇密码》的人大概都知道达?芬奇密码筒。而事实上在当时的社会，人们也越来越重视文件的保密工作。达?芬奇设计的这种密码筒造型古典，内涵着文艺复兴特质，设计优雅，符合达?芬奇的睿智风格。按照故事情节，密码筒里藏匿着关于郇山隐修会乃至整个基督教最大秘密的莎草纸。达?芬奇设计的密码筒内有一 个装着醋液的容器，如果强行砸烂密码筒，醋液就会流出溶解莎草纸。要打开密码筒，必须解开一个5位数的密码，密码筒上有5个转盘，每个转盘上都有26个字母，可能作为密码的排列组合多达11881376种。机器人研究设计出初级机器人。最为奇妙的是，达?芬奇还设计了一套方法以做心脏修复手术。达?芬奇曾称自己没有受过书本教育，大自然才是他真正的老师。为了认识自然，认识自己，这位文艺复兴时期的天才不遗余力地探索着。为了认识人类自身，达?芬奇亲自解剖了几十具尸体，对人体骨骼、肌肉、关节以及内脏器官进行了精确了解和绘制。令人惊讶的是，当年达?芬奇连人体循环系统工作机理的概念都没有。更为神奇的是，2005年一名英国外科医生还利用达?芬奇设计的方法做心脏修复手术。不过，解剖学的研究在当时并没有给达?芬奇带来声誉，而是遭到了无数的诽谤。不过，就是有了对人体的这种深入了解，达?芬奇才在手稿中绘制了西方文明世界的第一款人形机器人。达?芬奇赋予了这个机器人木头、皮革和金属的外壳，而如何让机器人动起来，才是让达?芬奇大伤脑筋的。他想到了用下部的齿轮作为驱动装置，由此通过两个机械杆的齿轮再与胸部的一个圆盘齿轮咬合，机器人的胳膊就可以挥舞，可以坐或者站立。更绝的是，再通过一个传动杆与头部相连，头部就可以转动甚至开合下颌。而一旦配备了自动鼓装置后，这个机器人甚至还可以发出声音。原来，500多年前，就已经有了机器人的雏形。机械车研究点燃现代机动车发明灵感之火。达?芬奇长达1万多页的手稿至今仍在影响科学研究，他就是一位现代世界的预言家，而他的手稿也被称为一部15世纪科 学技术真正的百科全书。很早，达?芬奇就对当时的四轮马车不满。在他的科学世界中，早就有了机动车的影子。事实上，点燃现代机动车发明灵感之火的正是这辆“达?芬奇机械车”。既然是机动车就要考虑动力问题，达?芬奇在机动车中部安装了两根弹簧以解决这个问题。人力转动车的后轮使得各个齿轮相互咬合，弹簧绷紧就产生了力，再通过杠杆作用将力传递到轮子上。那么怎么控制车速呢,达?芬奇也想到了。他在车身上安装了一个圆盘装置，圆盘表面设置了很多方形的木块，和每个轮子连接的铁杆的另一端与圆盘相接，这就是用于控制车速的装置。圆盘上放置的木块数量越多，与铁杆之间的摩擦就会越大，阻力也越大，轮子的运转速度越慢，行驶的距离越长。当然，达?芬奇也想到了刹车装置。位于齿轮之间有一个木块，拉动绳索将木块卡在齿轮之间，车就可以停止。不过，这辆汽车不能载人，因为仅靠弹簧的动力根本无法行驶很长的距离。同时，达?芬奇还将弹簧巧妙地运用在了钟表设计上。后来大型钟表采用的原理，就是出自达?芬奇的设想。只是在这个设想中，弹簧的弹力被物体的重力所代替，物体向下的重力通过众多齿轮咬合作用被均匀传递，钟表便得以保持匀速运动。此外，乐器、闹钟、自行车、照相机、温度计、烤肉机、纺织机、起重机、挖掘机……达?芬奇曾有过无数的发明设计，而这些发明设计在当时如果发表足足可以让我们的世界科学文明进程提前100年。医学 达?芬奇生理解剖图达?芬奇在生理解剖学上也取得了巨大的成就，被认为是近代生理解剖学的始祖。他掌握了人体解剖知识，从解剖学 入手，研究了人体各部分的构造。他最先采用蜡来表现人脑的内部结构，也是设想用玻璃和陶瓷制作心脏和眼睛的第一人。他发现了血液的功能，认为血液对人体起着新陈代谢的作用，并认为血液是不断循环的。他说血液不断的改造全身，把养料带到身体需要的各个部分，再把体内的废物带走。达?芬奇研究过心脏，他发现心脏有四个腔，并画出了心脏瓣膜。他认为老年人死因之一是动脉硬化，而产生动脉硬化的原因是缺乏运动。后来，英国科学家哈维证实和发展了达?芬奇这些生理解剖学的成果。考古先锋 《马》[5] 虽然他已经逝世了将近500年，但我们还记得在这个典型的文艺复兴时期的人，他的兴趣之一是化石的研究。在新的期刊论文Palaios，安德烈Baucon表明他是一个有“体化石研究的先驱，”或曾经生物遗骸，与“遗迹化石，如脚印”。建筑在建筑方面，达?芬奇也表现出了卓越的才华。他设计过桥梁、教堂、城 理想中的米兰[6] 市街道和城市建筑。在城市街道设计中，他将车马道和人行道分开。设计城市建筑时，具体规定了房屋的高度和街道的宽度。米兰的护城河就是他设计和监工建造而成的。1502年达芬奇离开桑蒂西马?阿努佳塔后，就曾在声名狼藉的罗马教皇亚历山大六世之子凯撒?波吉亚手下担任过军事建筑师及工程师。军事达?芬奇的研究和发明还涉及到了军事领域。他发明了簧轮枪、子母弹、三管大炮、坦克车 达芬奇的军事设计、浮动雪鞋、潜水服及潜水艇、双层船壳战舰、滑翔机、扑翼飞机和直升机、旋转浮桥等等。2008年4月26日，在瑞士西部城市帕耶讷，36岁的瑞士人奥利维耶?维耶提-特帕使用由 达?芬奇设计的金字塔型降落伞从距地面600米高的直升机上成功跳下。水利达?芬奇对水利学的研究比意大利的学者克斯铁列早一个世纪。为了排除泥沙，他作了疏通亚诺河的施工 计划 项目进度计划表范例计划下载计划下载计划下载课程教学计划下载 。他设计并亲自主持修建了米兰至帕维亚的运河灌溉工程。由他经手建造的一些水库、水闸、拦水坝便利了农田灌溉，推动了农业生产的发展。有些水利设施至今仍在发挥作用。地质达?芬奇根据高山上有海中动物化石的事实推断出地壳有过变动，指出地球上洪水的痕迹是海陆变迁的证明，这个思想与300年后赫顿在地质学方面的发现颇为近似。并且在麦哲伦环球航行之前，他就计算出地球的直径为7000余英里。艺术创作说到艺术创作，在文艺复兴时期当数达?芬奇、米开朗基罗和拉斐尔的成就最高。他们的艺术成就达到了西方造型艺术继古希腊之后的第二次高峰，仅绘画而言，则达到了欧洲的第一次高峰。其中尤以达?芬奇最为突出，恩格斯称他是巨人中的巨人。在艺术创作方面，达?芬奇解决了造型艺术三个领域——建筑、雕刻、绘画中的重大问题:解决了纪念性中央圆屋顶建筑物设计和理想城市的规划问题;解决了15世纪以来雕刻家深感棘手的骑马纪念碑雕像的问题;解决了当时绘画中两个重要领域——纪念性壁画和祭坛画的问题。 达芬奇在各个领域的绘画作品与手稿达?芬奇的艺术作品不仅能像镜子似的反映事物，而且还以思考指导创作，从自然界中观察和选择美的部分加以表现。壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的三大杰作。这三幅作品是达?芬奇为世界艺术宝库留下的珍品中的珍品，是欧洲艺术的拱顶之石。《蒙娜丽 莎》的原型是威尼斯公爵夫人，当时威尼斯公爵请达?芬奇为其夫人画一幅肖像，而当这幅画作完成之后，达?芬奇因为太喜欢这幅画，不舍得交工，就连夜打包，和仆人一起逃跑了。蒙娜丽莎的右手更被称为“美术史上最美的一只手”。《最后的晚餐》绘制在米兰格雷契修道院饭厅的墙壁上。达?芬奇一改前人绘制“最后晚餐”围桌而座的布局，让所有人物坐成一排面向观众，而耶稣基督坐在最中间。研究他的人物肖像画画的和真人最为接近。他说，“绘画是自然的唯一模仿者，绘画包罗自然的一切形态在内，它能够将自然界中转瞬即逝的美生动地保存下来”绘画能比语言文字更真实更准确地将自然万象表现给我们的知觉。多奇妙的科学呵～你生动地保存了人们昙花一现的美，使它比那些随时光而变易，并且终于老朽的自然创造物还要经久，这样的科学和神圣的自然的关系，犹如它的作品与自然作品的关系，因此受人钟爱。天生丽质的美，将随年月的消逝而迅即磨灭，除非有画家把它画下，方可保存永久绘画容易保存它经得起岁月的磨蚀。绘画保存了美，否则它将被自然和时间磨灭。我们靠绘画保存了名人的相貌。铜匠作品比绘画作品还要耐久，他们的作品比之你们或我们的作品更经得起岁月的磨蚀。但是他们缺乏想象”。在照相机和电视发明之前绘画无疑是自然的唯一模仿者。知识是建立在真实之上的，绘画是传播知识的最好的桥梁。画家应以现实世界为对象来作画，这样画出的画才是真正有用的画也就是说画家画的东西应该是真实的。绘画作品有两个作用:第一是传播知识的作用;第二是让人能欣赏到美。达?芬奇是人类历史上第一个真正意识到绘画的这两项作用的人，而 且达芬奇的绘画作品，完全起到了这两个作用。达?芬奇说，“绘画是一门科学。绘画科学的第一条原理:——绘画科学首先从点开始，其次是线，再次是面，最后是由面规定着的形体。物体的描画，就此为止。事实上绘画不能越出面之外，而正是依靠面以表现可见物体的形状。绘画的第二条原理——绘画第二条原理涉及物体的阴影，物体靠此阴影表现。我们将阐明阴影的原理，而后进一步阐明阴影如何使画面具备雕塑一样的凹凸感。绘画科学包含什么内容?绘画科学研究物象的一切色彩，研究面所规定的物体的形状以及它们的远近，包括随距离之增加而导致的物体的模糊程度。这门科学是透视学之母。透视学分为三部分。第一部分单研究物体的轮廓线。第二部分研究距离增加时色彩之淡褪。第三部分研究物体在不同距离处之模糊程度。单研究物体的轮廓线的第一部分叫素描，也即勾勒物体外形的学问，于是由此发源了另一门专研究光线与阴影的明暗学，这是一门需要长篇阐述的科学。而视线的科学产生了天文学，天文学全是视线和锥体截面，所以是一种简单透视。他是欧洲文艺复兴时期，象征人类智慧的意大利画家、科学家，原名:Leonardo di serPiero daVinci，他给后人留下了众多不朽名画，以及其它科学领域的研究成果。”达?芬奇主张绘画不仅要求形似，而且更要求神似;要求画像在比例、透视等方面都正确，更要求它们的动态能表现出他们“心灵的意向”。他与尼古拉?特斯拉并称为“人类史上两大旷世奇才”。艺术遗产在达?芬奇的艺术遗产中，大量的素描习作也颇值得重视，这些素描和他的正式作品一样，同样达到了极高的水平，被誉为素描艺术的典范。其特点是:观察入 微，线条刚柔相济，尤善于利用疏密程度不同的斜线，表现光影的微妙变化。他的每一件作品都以素描作基础。《绘画论》其艺术理论散见于他的6000多页手稿和未完稿的《绘画论》中，这也是文艺复兴时代理论研究的重大成果。达?芬奇的《绘画论》，可以按内容大致分为美学理论和绘画的基础科学两部分。美学理论部分讨沦了绘画的性质，绘画和现实的关系等，绘画和其他艺术的异同等问题，而基础部分则阐述透视学、光影学、人体比例和解剖学，人体的动态和表情以及自然现象等知识。达?芬奇的美学思想，集中在历来被称为《艺术比较篇》的一部分笔记里。将绘画和诗、音乐、雕塑等艺术加以评比，本是文艺复兴时代颇为盛行的一种文艺批评形式，阿尔伯蒂和佛兰切斯卡的画论也都有这样的内容。原来，自古以来，由于绘画和手工生产关系密切，不被认为是一门高尚的艺术，比其他艺术低一等。相反，达?芬奇却证明绘画高于其他艺术。但在我们今天看来，比高下完全不是重要的问题，重要的是通过他把绘画和其他艺术的比较，可以看出他对绘画的见解。达?芬奇根据“我们的一切知识都 主要作品集《圣耶若姆》《吉内薇拉?班琪》《音乐家肖像》《抱银鼠的女子》《额饰女郎》《戴珍珠头饰的夫人像》《拈花圣母》《哺乳圣母》《柏诺瓦的圣母》《加罗法诺的圣母》《岩间圣母》《纺车边的圣母》《圣母子与圣安妮》《受胎告知》《博士来拜》《基督受洗》《施洗者圣约翰》《酒神巴卡斯》《莉妲和天鹅》《维特鲁威人》《世界的救世主》壁画《最后的晚餐》《安吉里之战》达?芬奇生前留下大批未经整理的用左手反写的手稿，难于解读。只有到十七世纪中叶，才有学者整理 小部分达?芬奇手稿。达?芬奇的主要手稿丢失了二百多年，直到1817年才重见天日，但已被严重毁坏。手稿分类《绘画论》1817年，从乌尔宾诺图书馆发现经达?芬奇弟子弗朗西斯科?梅尔兹整理的《绘画论》手稿。论雕刻论建筑，包括教堂草图，拱型结构分析论生理，包括论人的生死、记忆、智力和欲望论解剖学论葡萄种植及酿酒技术论动物学论天文，包括论地球、太阳和行星论地理，包括论水流、地质学、意大利运河、法国的道路。论开矿论哲学小故事，包括寓言、谜语等书信被拍卖手稿 达芬奇手稿1994年微软总裁比尔?盖茨以3080万美元的价格购买了达?芬奇的《哈默手稿》。传记作家麦克尔?怀特问他为什么要这样做，盖茨苦笑道:“因为我需要它。”后来，比尔?盖茨并未按惯例将《哈默手稿》易名为《盖茨手稿》，而是恢复了它的初始名字——《莱彻斯特手稿》。这位被认为患有轻度自闭症的科学狂人是在通过购买行为来向那位生于500年前，第一个真正思考人和世界运转机理的科学巨匠致敬。现存博物馆为纪念这位伟大的艺术和科学大师，1928年在他的故乡成立了“列昂纳多?达?芬奇博物馆”，之后又成立了“芬奇的列昂纳多博物馆”。在米兰的科学技术博物馆中也有列昂纳多?达?芬奇的专题介绍。故事趣闻完成《基督受洗》达?芬奇的老师韦罗基奥受圣萨尔宾诺教堂的委托绘制《基督受洗》，全画的人物虽已画完，但是还剩下背景没有画，教堂一再催促，限定韦罗基奥必须在复活节前交画。这时离复活节仅七天了，可是韦罗基奥又不愿敷衍了事，他决定带着达?芬奇去希莫尼湖写生，然后再画背景。不料途中遇暴雨，韦 罗基奥受寒感冒，高烧不止。由于任务紧迫，韦罗基奥只好命达?芬奇来画背景。达?芬奇赶回佛罗伦萨，反复琢磨体会老师的创作意图，模仿老师的画风，经过一天的辛勤劳动，终于完成了全画。第二天早晨，当达?芬奇揭开画布时，他惊呆了。原来，老师以达?芬奇作模特儿画的天使形象竟被嫉妒成性的师兄们刮掉了。他感到事态非常严重，时间又紧迫，他下定决心不辜负老师的委托，为了维护老师的荣誉，自己动手来补画这个天使。他找出老师原稿，以自己为模特儿，对着镜子，重画天使。韦罗基奥康复归来，看到画作时，激动万分，他伸出双手紧紧抱住达?芬奇的肩膀兴奋地说:“它是如此的完美，看来我以后只能去拿雕刻刀了。”从此达?芬奇声名鹊起，成为佛罗伦萨有名的画家了。睡眠法画坛泰斗达?芬奇是一位刻苦勤勉、惜时如金的人，他创造的定时短期睡眠延时工作法甚为人们所称道。这一方法是通过对睡与不睡的硬性规律性调节来提高时间利用率，即每工作4小时睡15分钟。这样，一昼夜花在睡眠上的时间累计只有不足1.5小时，从而争取到更多的时间工作。前几年，意大利著名生理学家克拉胡迪奥?斯塔皮参照达?芬奇的方法，对一位航海运动员进行了长达两个月的类似睡眠试验。经测试，受试者的逻辑思维和记忆运算等能力均完好无损。这说明达?芬奇睡眠法不仅能满足机体代偿功能的需要，而且还预示着利用人体生理潜力的广阔发展前景。然而，有趣的是，在20年前，一位画家就这一方法进行了亲身试验，证实了它的有效性。可是不到半年时间，他又回到正常的8小时睡眠上来。谈及各种原因，画家不无幽默地承认自己并非天才，更不知道这些多出来 的时间该如何打发。达?芬奇睡眠法也被称为多相睡眠、Uberman睡眠或多阶段睡眠，是一种将人类习惯的单睡眠过程分散成多个睡眠周期进行，以达成减少睡眠时间的睡眠方式。多相睡眠的合理性:首先，自然界中几乎所有动物的行为都是多相复杂性的。而且多相睡眠是人类婴儿时期占主导地位的睡眠方式，只有在稍年长后，儿童才逐渐被断绝了午睡的概念。此外，当人们与外界环境隔绝联系后——保证无法从自然因素，或人为暗示来判断实际时间——将倾向于表现出更多的短暂睡眠行为，而非保持只“夜晚”才发生的单相睡眠。最后一点，小睡打盹——即短时间的睡眠——比起长时间的睡眠来说，在提神醒脑方面更为有效。但是很遗憾，我们似乎都已“忘了”这种符合生理自然天性的睡眠方式，维持着一成不变的9点睡5点起的作息习惯。几种不同的多项睡眠方法:最有名的也就是达?芬奇使用的睡眠方法叫做Uberman睡眠计划，由此延伸出来的其他不同形式的睡眠计划还有:Everyman睡眠计划，Dymaxion睡眠计划。多相睡眠的调整:这种睡眠方式在开始的一至两周内是很难接受的，测试结果表明受测者并没有受到这种将睡眠分散成若干个小睡眠片断方式的影响，但是，多睡眠方式需要一个计划表，这样才能够协助完成。经典名言勤劳一日，可得一夜安眠，勤劳一生，可得幸福长眠。有天资的人，当他们工作得最少的时候，实际上是他们工作得最多的时候。因为他们是在构思，并把想法酝酿成熟，这些想法随后就通过他们的手表达出来。无论掌握哪一种知识对智力都是有用的，它会把无用的东西抛开而把好的东西保留住。趁年轻少壮去探求知识吧，它将弥补由于年老而带 来的亏损。智慧乃是老年的精神的养料，所以年轻时应该努力，这样年老时才不至于空虚。应当耐心听取他人的 意见 文理分科指导河道管理范围浙江建筑工程概算定额教材专家评审意见党员教师互相批评意见 ，认真考虑指责你的人是否有理。如果他有理，你就修正自己的错误，如果他理亏，只当没听见。若他是一个你所敬重的人，那么可以通过讨论提出他不正确的地方。运动是一切生命的源泉。真理只有一个，它不在宗教中，而是在科学中。水若停滞即失其纯洁，心不活动精气立消。所有伤害都会在记忆中留下痛苦，而最大的伤害——死亡并非如此，死亡在终结生命的同时也抹去了记忆。太阳升得越高，它所投放到屋顶上的光越暗。智慧是经济的女儿。美貌的青年穿戴过分折损了他们的美，山村妇女穿着朴素无华的衣服反比盛装的妇女美得多。真理是时间的女儿。愚昧将使你达不到任何成果，并在失望和忧郁之中自暴自弃。热爱实践而又不讲求科学的人，就好像一个水手进了一只没有舵或罗盘的船，他从来不肯定他往哪里走。人的美德的荣誉比他的财富的荣誉不知大多少倍。古今有多少帝王公侯，可是却没有在我们记忆中留下一丝痕迹，就因为他们只想用庄园和财富留名后世。岂不见多少人在钱财上一贫如洗，但在美德上却是富豪呢,人的智慧不用就会枯萎。你如果要做一个艺术家，你要牢记:必须开拓你的胸襟，务使心如明镜，能够照见一切事物，一切色彩。荣誉在于劳动的双手。人的确是禽兽之王，他的残暴胜于所有的动物。我们靠其它生灵的死而生活。我们都是坟墓。我在很小的时候就发誓再不吃肉了。总有一天，人们将视杀生如同杀人。不是数学家请不要读我的基本著作。鸟类之外无蝙蝠。那些遥远的过往依旧历历在目，反倒是种种模糊如前尘韶光。 眼睛是心灵的窗户。交配的行为和交配的器官是如此丑陋，以至于如果不是有美丽的脸庞、漂亮的衣着和行事时的冲动，人类早在大自然中绝种了。人的肌肉不应该被画成一袋核桃或者一捆胡萝卜一样的东西。墙上的斑点也是一道美丽的风景。人类不断地以欢乐的心情期待着每个新春、每个新夏，期待着新月和新年，总觉得他们所期待的事情姗姗来迟，他们却没想到，他们所焦急盼望着的正是自己的死亡。不惩罚犯罪的人就是下令犯罪。一幅画中最白的地方要像宝石那样可贵。欣赏——这就是为着一件事务本身而爱好它，不为旁的理由。限制产生力量，自由导向死亡。人类具有说话的伟大能力，但是他们所说的大多既无实际意义又荒谬无理，然而动物说话的能力尽管微乎其微，但是它们所说的有用而真实。对某事物的爱好产生于对该事物的理解，理解越透彻，爱得越炽热。理解的透彻性来自于对事物各个组成部分的全面认识，事物的各个部分本应受到重视。微少的知识使人骄傲，丰富的知识使人谦虚。所以空心的禾穗高傲地仰头向天，而充实的禾穗则低头向着大地，向着他的母亲。汤正变冷大自然终究会抹去人类的一切印记。能创造发明的和在自然与人类之间作翻译的人，比起那些只会背诵旁人的书本而大肆吹嘘的人，就如同一件对着镜子的东西比起它在镜子里所生的印象，一个本身是一个件实在的东西，而另一个只是空幻的。 世界十大名画 一.西班牙画家巴勃罗?鲁伊斯?毕加索 二.西班牙画家萨尔瓦多?达利《着了魔》 三.日本画家葛饰北斋 五.法国画家泰奥多尔?籍里柯 六.荷兰画家伦勃朗?哈尔曼松?凡?莱因《加利利海上的风暴》 七.荷兰画家《文森特?威廉?梵高》 八.英国画家约瑟夫?马洛德?威廉?透纳《米诺陶战舰的倾覆》 九.荷兰画家扬?凡埃克 十.意大利画家丁托雷托 篇三 : 世界十大天价传世名画欣赏 N01《阿黛尔-布洛赫-鲍尔1》作者:古斯塔夫.克里姆特拍卖价:13500万元 N02《拿烟斗的男孩》作者:毕加索拍卖价:10416万元 N03《加谢医生的肖像》作者:梵高拍卖价:1990年8250万美元 N04《殴打婴儿》作者:鲁本斯拍卖价:2002年7350万欧元 N05《红磨坊的舞会》作者:雷若阿拍卖价1990年7810万美元 ,,,《没有胡子的自画像》作者:梵高 拍卖价,,,,年,,,,万美元 ,,,《对无辜者的屠杀》作者:鲁宾斯 拍卖价:,,,,万英镑 ,,,《双臂抱胸的女人》作者:毕加索 ,,,,年,,,,万美元 ,,,《弋尾花》梵高 拍卖价:,,,,年,,,,万美元 ,,,《静物》作者;塞尚 拍卖价:,,,,年,,,,万美元 世界上最贵的十副画 《加歇医生的肖像》 文森特.凡高1890年创作的《加歇医生的肖像》，在1990年以8250万美元的价格售出。 1890年五月，应阿尔镇居民的联名要求，凡高被当局强制送到了圣雷米精神病院。离开精神病院后，凡高到了巴黎北部的奥维尔乡下居住，加歇医生是凡高去世前见的最后一位医生。虽然两个人在一起的时间总共也就三个来月，但关系还挺复杂，吵吵闹闹分分合合的事一直就没断过。凡高在见到这位心理医生的当月就跟他闹翻了，他立马写了封信给弟弟提奥，在信中他抱怨说这回弟弟实在是找错了人，这位负责帮他医治精神病的加歇医生脑子有病，比他还疯～这就像“瞎子给瞎子领路，不都会掉到沟里去吗”,关于加歇和凡高为什么搞僵有很多种说法，有的说是凡高的精神病发作，瞅谁都有问题;有的说凡高爱上了加歇医生的女儿，这位医生有点儿“叶公好龙”的意思，虽然特喜欢凡高的绘画作品，乐意义务为他诊治，但却不想成为精神病 艺术家的亲戚，一看自家后院要起火，“加歇”赶紧“加”了些灭火剂，故意制造事端提前撤了，凡高有啥想法都全部“歇菜”，于是翻脸。不过到了六月份，两个人又和好了，凡高还为他画了两幅肖像，上面这幅是其中之一。《加歇医生的肖像》是凡高创作的最后一幅肖像画，不过他并没有把画给加歇，估计凡高心里还是当加歇是个疯子，请大家仔细看看，画中的这位加歇医生满脸愁容，小脸儿尖瘦，哪儿有一点儿医生样,简直跟香港电影《夏日福星》里那位神经有点问题的同志一模一样～ 《双臂抱胸的女人》 《双臂抱胸的女人》 毕加索，2000年，5560万美元。 《双臂抱胸的女人》，出自毕加索，2000年售出5560 万美元。风格独创且缤纷多变的现代艺术魔术师毕加索，以他绚烂的彩笔，创作出一幅幅影响深远的巨作。近百年来的西方艺术，举其重要者，恐恰除了野兽主义之外，没有一支不是肇始于他，或被他吸收而善加利用的。他的创作是多元化的，熔古今于一炉。 毕加索是一位真正的天才。20世纪正是属于毕加索的世纪。他在这 个多变的世纪之始从西班牙来到当时的世界艺术之都巴黎，开始他一生辉煌艺术的发现之旅。在20世纪，没有一位艺术家能像毕加索一样，画风多变而人尽皆知。毕加索的盛名，不仅因他成名甚早和《亚威农的少女》、《格尔尼卡》等传世杰作，更因他丰沛的创造力和多姿多彩的生活，他留下了大量多层面的艺术作品。毕加索完成的作品统计约多达六万到八万件，在绘画、素描之外，也包括雕刻、陶器、版画、舞台服装等造型表现。在毕加索1973年过世之后，世界各大美术馆不断推出有关他的各类不同性质的回顾展，有关毕加索的话题不断，而且常常带有新的论点，仿佛他还活在人间。 毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。 《对无辜者的屠杀》 《对无辜者的屠杀》十七世纪巴洛克风格天才艺术家鲁宾斯一幅未见经传的油画,日前在伦敦的苏富比拍卖行以4950万英镑售出。 2002年7月10日，十七世纪巴洛克风格天才艺术家鲁宾斯一幅未见经传的油画《对无辜者的屠杀》在伦敦的苏富比拍卖行以4950万 英镑售出。 这幅名为《对无辜者的大屠杀》的油画作品以前一直被误认为出自另一名画家之手，后苏富比公司的文物专家才确认它是鲁本斯的力作。一位匿名私人收藏家买下了这幅艺术精品，目前尚不清楚它是否会继续留在英国。 《拿烟斗的男孩》 毕加索的油画《拿烟斗的男孩》。2004年5月5日以1亿416万美元的天价售出，一举刷新绘画作品拍卖的世界记录，成为目前世界上最昂贵的画。 这幅画是毕加索1905年创作的，当时他只有24岁，刚刚在巴黎著名的蒙玛特高地——青年艺术家聚集的地方安顿下来。画面集中展现了一位表情有点忧郁的青春期男孩，他身穿蓝色服装，头戴花冠，手里拿着一支烟斗，画面的背景是两大束色彩艳丽的鲜花。专家评价说，这一作品色彩清新明快，笔法细腻，人物和景致都刻画得非常生动逼真，是毕加索一生中很有代表性、也很经典的作品之一。 毕加索一生中有无数杰出的作品问世，其中《拿烟斗的男孩》是他走过蓝色忧郁时期进入了粉红时期的代表作。这个作品，被评论家誉为 “具有达?芬奇《蒙娜丽莎》似的神秘，凡?高《加歇医生》似的忧郁的唯美之作。”随着毕加索声名鹊起，这幅画在巴黎几经转手，最后被德国的犹太富商格奥尔格先生收藏。 格奥尔格家族以经营瓷器、钟表起家，19世纪初又涉及金融、股票和运输业，同时在莱茵河沿岸又拥有大量肥沃的土地。小斯帝夫?格奥尔格是这个家族的第四代单传，从小就受到了父亲精心栽培，才华过人。格奥尔格先生有一世交好友，名叫里查?霍夫曼，是一位来自美国的瓷器贸易商。他们两家在柏林斯冈艾弗德大街的住所紧挨在一起，霍夫曼先生的爱女贝蒂比斯帝夫小一岁，两人从小青梅竹马。 那时，斯帝夫一直把美丽又有些怯弱的美丽女孩当做亲妹妹看待。从懂事以来，贝蒂一直以为她的兄长斯帝夫就是这幅《手拿烟斗的男孩》的模特，因为画中的少年与斯帝夫无论是相貌还是神态气质上太像了。直到贝蒂长到12岁才从父亲的口中失望地得知，这画中少年与斯帝夫没有丝毫的关系。每当贝蒂有难言的请求时，她总会写一个留给哥哥的小纸条，把它贴在那幅《手拿烟斗的男孩》的背后。 贝蒂所画的第一幅素描就是手拿父亲的烟斗站在这幅画前的斯帝夫。18岁时，贝蒂把自己的素描稿作为圣诞礼物送给了斯帝夫，斯 帝夫第一次吻了他心仪的女孩。1935年初，战争的乌云已经笼罩着德国上空，格奥尔格先生开始把家族的大量艺术藏品和财产转移到瑞士，同时他力劝好友早日带家属到美国避难。但由于斯帝夫的母亲不愿离开故土而错过了逃离德国的机会。 《梦》 《梦》 西班牙，毕加索，1997年，4840万美元 《梦》是毕加索中期比较重要的作品之一，每当画家拥有一份新的爱情，他的画风都会为之一变，而这个阶段他相当喜欢明快、对比强烈的颜色，技法上则是平面化与立体化的完美结合。他的作品《梦》就是他一次感情经历的写照。就在1927年初毕加索与德雷莎在火车站相遇。《梦》大部分对德雷莎的肖像画和线描都充满性感。1927年，47岁的毕加索与长着一头金发，体态丰美的17岁少女初次相遇。从此，这位少女便一直成为毕加索绘画和雕刻的模特儿。又过17年,64岁的毕加索给她的生日贺信中说:“对我来说，今天是你17岁生日，虽然你已度过了两倍的岁月。在这个世界上，与你相遇才是我生命的开始。” 这幅画作于1932年，可以说是毕加索对精神与肉体的爱的最完美的体现。《梦》又称《在红色安乐椅上睡着的女人》，只用线条轮廓勾画女人体，并置于一块红色背景前。女人肢体没有作更大分解，稍稍做了夸张划分，色彩也极其单纯。这幅画是毕加索以立体派描绘女人形象和新古典派风格相结合的产物，是形象极端自由——线条和色彩自由组合的杰作。 《梦》整体色调鲜明，用笔直接，线条使用较多，充分表现女人身体线条。画面当中女人的脸被从中截开，是立体派表现的一种手法。女人的面部表情安详，柔和，看得出她睡的好甜，让人有种欲睡的感觉，女人的身体比例不是很协调，上下半部分过于窄小。两个用线条描绘的宽大的手臂置于椅子的两个扶手而向身前耷拉着。显得那么的无力，完全进入睡的状态。女人的上衣就用几个淡绿色线条勾勒出来，她的两个圆滑，挺拔的乳房是那么的迷人，真实展现女人身体质感。女人脖子上的项链采用红与黄，显得那么的突出，给人大视觉的冲击。 整个画面视觉效果舒服，对比色的运用，补色的运用，对比中不失协调。颜色的协调运用，让整个画面显得那么的协调，整体有种梦的意境。“无论我在失意或是高兴的当儿，我总按照自己的爱好来安排一切。一位画家爱好金发女郎，由于他们和一盘水果不相协调，硬不把她们画进他的图画，那该多别扭啊～我只把我所爱的东西画进我的图画。以往，绘画是按累进的方式逐步来完成的，每天产生一些新的 东西。因之，一幅画是一个加法的总和。至于我，一幅作品如同一个减法的得数。我完成一幅画，接着就把它毁坏掉。但是归根到底，什么也没有损失，犹如我抹掉的一部分红色，它将在另一个部位重新出现。但愿人们从来不了解我的作品是怎样画出来的，因为我要求我的作品，只是表现激情而已。”毕加索说。 毕加索的一生是那么的丰富，他的作品将被人们用来诠释，精神将被用来学习。我们每个人要有自己的想法，对自己的那种想法要给予坚定，去寻找那份属于你自己的“梦”。《梦》所传达给观者的审美感受和暗示意义就是如梦中事物一样不可思议。 美国拉斯维加斯的赌场大亨史蒂夫?温热爱收藏艺术品，他有许多价值不菲的藏品，其中包括知名画家毕加索、雷诺阿等人的大作。但就是这位狂热的收藏家，最近竟然一不小心把毕加索的一幅名画戳了个洞，使几乎到手的1亿多美元打了水漂。 据报道，这个意外发生后，当时史蒂夫已经答应以1.39亿美元的价格把毕加索的名画《梦》卖给另一位收藏家。 事发当天，在拉斯维加斯的办公室里，史蒂夫兴致勃勃地向朋友展示这幅画。美国导演诺拉?依弗朗当时在场，目睹了整个过程。她在博客里回忆说，当时史蒂夫抬起手来向朋友展示这幅画。“那时他的 肘关节一下子就捅破了画布，发出了可怕的响声……画布中间多出了一个银币大小的黑洞。” 史蒂夫见状忍不住骂了句脏话，然后说道:“看看我都做了些什么，幸亏这是我干的。”诺拉在博客里提到，64岁的史蒂夫患有色素性视网膜炎，视力已经受到很大影响。 史蒂夫的发言人已经证实了这个消息。意外发生后，史蒂夫取消了和买主的协议，表示将把画修好留着自己收藏。 收藏这幅画的史蒂夫有拉斯维加斯“赌场之父”之称，他经营赌场30年，在拉斯维加斯建起了“金殿”和“百乐宫”两家豪华赌场度假中心，使拉斯维加斯从一个荒芜的沙漠小镇真正晋身成为世界的一流赌城。 1997年，史蒂夫以4840万美元的价格买下了毕加索作于1932年的《梦》。这幅画被认为是毕加索对精神与肉体的爱的最完美体现。 史蒂夫曾以3500万美元的价格买下了特纳的名作《威尼斯风景》，以2300万美元将雷诺阿的《利昂太太和玫瑰花》收入囊中。今年早些时候，他同意以1.39亿美元把毕加索的《梦》转让给另一位收藏家，这个价格创下了私人艺术品交易的最高纪录。不过因为这个意外，这笔交易已经泡汤。 《殴打婴儿》 荷兰画家鲁本斯的油画《殴打婴儿》2002年易主，购买者竟不惜出资7350万欧元。 荷兰画家鲁本斯的油画《殴打婴儿》2002年易主，购买者竟不惜出资7350万欧元。鲁本斯的作品有着丰富的想象力，表达出了对生活的热爱以及美好的理想，通过艺术形象肯定人的力量和人生的欢乐，他善于运用健康丰满、生机勃勃的形象，洋溢着乐观与激情的性格，去表现自己的审美理想与趣味。鲁本斯一生过着王子般的生活，49岁时爱妻去逝， 53岁时又与一位16岁的妙龄少女海伦?富尔曼结婚，仍然过着幸福生活。在他63岁时走完了自己艺术的一生，为人类艺术宝库贡献了3000余幅艺术珍品。 《没胡子的自画像》 《没胡子的自画像》 荷兰，凡高，1998年，7150万美元. 这幅《没胡子的自画像》是凡高的最后一幅自画像，画于1889年，这一年他的母亲70岁。虽然早年因为一些矛盾引起母子关系紧张，平时不常联系，但在母亲生日那天，为了让母亲对自己的健康放心，凡高决定送一张自画像给她。凡高把自己画得比现实中要显得健康、年轻、整洁许多，然而这些都无法掩饰他眼底的绝望和孤独。最后凡高给了母亲一张画着阿尔卧室的画，而把这张挂在了自己的墙上。 《静物》 《静物》 保罗.塞尚，1999年，6050万美元。 《红磨坊的舞会》 《红磨坊的舞会》 雷若阿，1990，7810万美元。 雷诺阿的《红磨坊的舞会》，1990年卖出7810万美元高价。1899年在法国蒙马特开业的“红磨坊”酒吧吸引了包括英国王太子在内的 社会名流及众多年轻作家、艺术家。经历了100多年风雨沧桑的“红磨坊”，在历史的境迁中，丝毫没有褪色，反而越来越受到全世界人们的关注。屋顶上旋转的大红风车已经成为巴黎蒙马特的标志，更令全世界慕名而来的游客们向往。 “红磨坊”长盛不衰的原因还有两个:首先，令众多贪杯者流连忘返的“红磨坊”啤酒，一直严格地遵守并保留了传统的啤酒酿造工艺，独特的口味令无数人开怀畅饮，夜夜不归。另外， “红磨坊”酒吧与法国后印象派绘画大师雷诺阿的创作结下了不解之缘。雷诺阿是“红磨坊”的常客，他创作了《红磨坊的舞会》。其后，他受酒吧老板之邀为其创作宣传海报，当那些大胆革新及充满艺术品位的海报贴满大街小巷时，无数人涌向红磨坊酒吧。 法国红磨坊有着悠久的历史，自1899年开业至今，五代经营者将红磨坊发展成为国际化的知名品牌，其传统的酿酒工艺深受世界各国消费者的喜爱。 《鸢尾花》 《鸢尾花》 于1889年5月完成。鸢尾花是同向日葵一样，凡高似 乎也喜欢画这种植物。1987年11月11日，鸢尾花以5390万美元的天价卖出。 篇四 : 组图:世界十大名画欣赏 内容 一、东晋.顾恺之《洛神赋图》 这幅画根据曹植著名的《洛神赋》而作，为顾恺之传世精品。这卷宋摹本在一定程度上保留了顾恺之艺术的若干特点，千载之下，亦可遥窥其笔墨神情。全卷分为三个部分，曲折细致而又层次分明地描绘着曹植与洛神真挚纯洁的爱情故事。人物安排疏密得宜，在不同的时空中自然地交替、重叠、交换，而在山川景物描绘上，无不展现一种空间美。 二、唐.阎立本《步辇图》 《步辇图》是以贞观十五年吐蕃首领松赞干布与文成公主联姻的历史事件为题材，描绘唐太宗接见来迎娶文成公主的吐蕃使臣禄东赞的情景。 三、唐.张萱周昉《唐宫仕女图》 《唐宫仕女图》，唐代作为封建社会最为辉煌的时代，也是仕女画的繁荣兴盛阶段。中国古代仕女众生像，“倾国倾城貌，多愁多病身”，唐代仕女画以其端庄华丽，雍容典雅著称，《唐宫仕女图》展示着“回眸一笑百媚生”的唐代美女众生像。其中最杰出的代表莫过于张萱的《虢国夫人游春图》、《捣练图》和周昉的《簪花仕女图》、《挥扇仕女图》以及晚唐的《宫乐图》。它们所表现的贵族妇女生活情调，成为唐代仕女画的主要艺术特征。 四、唐.韩滉《五牛图》 这幅《五牛图》，是韩最为传神的一幅。5头健硕的老黄牛，在这位当朝宰相笔下被“人格化”了，传达出注重实际、任劳任怨的精神信息。它问世后，收藏者包括赵构、赵伯昂、赵孟兆页、乾隆等著名人物。在明代，它几易其主。清兵入关后一度下落不明，直到乾隆年间，才从民间收集到宫中珍藏。1900年，八国联军洗劫紫禁城，《五牛图》被劫出国外，从此杳无音讯。上个世纪50年代，它被一位寓居香港的爱国人士发现。 五、五代.顾闳中《韩熙载夜宴图》 《韩熙载夜宴图》全长三米，共分五段，每一段画面以屏风相隔。第一段描绘韩熙载在宴会进行中与宾客们听歌女弹琵琶的情景，生动地表现了韩熙载和他的宾客们全神贯注侧耳倾听的神态。第二段描绘韩熙载亲自为舞女击鼓，所有的宾客都以赞赏的神色注视着韩熙载击鼓的动作，似乎都陶醉在美妙的鼓声中。第三段描绘宴会进行中间的休息场面，韩熙载坐在床边，一面洗手，一面和几个女子谈话。第四段是描绘韩熙载坐听管乐的场面。韩熙载盘膝坐在椅子上，好像在跟一个女子说话，另有五个女子做吹奏的准备，她们虽然坐在一排，但各有各的动作，毫不呆板。第五段是描绘韩熙载的众宾客与歌女们谈话的情景。 六、北宋.王希孟《千里江山图》 《千里江山图》，北京故宫博物院馆藏珍品。绢本，设色，纵 51.5厘米，横1191.5厘米，为中国北宋青绿山水画作品。作者王希孟。王希孟18岁为北宋画院学生，後召入禁中文书库，曾得到宋徽宗赵佶的亲自传授，半年後即创作了《千里江山图》。惜年寿不永，20馀岁即去世，是一位天才而又不幸早亡的优秀青年画家。 七、北宋.张择端《清明上河图》 《清明上河图》画卷，北宋风俗画作品。传世名作、一级国宝。《清明上河图》是中国绘画史上最著名的作品之一，不但艺术水平高超，而且围绕着它还流传下来许多有趣的故事。这幅画描绘的是汴京清明时节的繁荣景象，是汴京当年繁荣的见证，也是北宋城市经济情况的写照。通过这幅画，我们了解了北宋的城市面貌和当时各阶层人民的生活。《清明上河图》具有极高的史料价值。 八、元.黄公望《富春山居图》 元至正七年，黄公望开始创作这卷山水画名作，历时多年方始 告竣。它以长卷的形式，描绘了富春江两岸初秋的秀丽景色，峰峦叠翠，松石挺秀，云山烟树，沙汀村舍，布局疏密有致，变幻无穷，以清润的笔墨、简远的意境，把浩渺连绵的江南山水表现得淋漓尽致，达到了“山川浑厚，草木华滋”的境界。 九、明.仇英《汉宫春晓图》 汉宫春晓图》是仇英重彩仕女画的杰出代表。此图勾勒秀劲而设色妍雅，画家借皇家园林殿宇之盛，以极其华丽的笔墨表现出宫中嫔妃的日常生活，极勾描渲敷之能事。不仅是仇英平生得意之作，在中国重彩仕女画中也独树一帜，独领风骚。 十、清.郎世宁《百骏图》 《百骏图》，该稿本为纸质，纵102厘米、横813厘米。目前保留在美国纽约大都会博物馆。意大利人郎世宁1715年他以传教士的身份远涉重洋来到中国，就被重视西洋技艺的康熙皇帝召入宫中，从此开始了长达五十多年的宫廷画家生涯。在绘画创作中，郎世宁融中西技法于一体，形成精细逼真的效果，创造出了新的画风，因而深受康熙、雍正、乾隆器重。《百骏图》是他的代表作之一。